"EL SABER SE DEBE TANTO AL INGENIO COMO AL GUSTO."









viernes, 3 de enero de 2025

Henri Cartier-Bresson. Watch!, Watch!, Watch!

Henri Cartier-Bresson
Watch!, Watch!, Watch!
Del 11 de octubre de 2024 al 26 de enero de 2025

Testigo clave de la historia del siglo XX, el fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson (1908-2004) fue conocido como el “ojo del siglo”. Observador paciente y silencioso, pero al mismo tiempo ágil y expeditivo, el artista captaba escenas de personas y de acontecimientos con su cámara Leica compacta de 35 mm. Con una obra diversa y variada, la exposición que presenta Fundación MAPFRE al cumplirse veinte años de su fallecimiento recorre toda su trayectoria: desde sus inicios, influido por el surrealismo y la Nueva Visión, pasando por el fotorreportaje -donde destacan algunos de sus reportajes menos conocidos de la década 1960- hasta la obra intimista de sus últimos años. Se desgrana de esta manera el trabajo de Bresson mucho más allá del concepto de “instante decisivo” que le hizo famoso.
Por otra parte, la muestra pone también de relieve la dimensión política de su trabajo, un aspecto que en general hasta ahora había quedado relegado por la atención hacia su predilección por la geometría y la teoría del “instante decisivo”.
Las 240 copias originales de plata en gelatina pertenecientes a la Fondation Henri Cartier-Bresson de París que componen la exposición se acompañan de una selección de sus publicaciones en revistas y libros, además de una película y dos documentales realizados por el propio Cartier-Bresson.

Comisario: Ulrich Pohlmann.

viernes, 27 de diciembre de 2024

CUATRO EXPOSICIONES Y UN DESENCANTO

Estas navidades, he podido pasar por Madrid e ir a ver algunas de las exposiciones que me interesaban en torno a la obra de Goya. La jornada no empezó muy bien, porque salimos con veinte minutos de retraso que a lo largo del recorrido aumentaron a 28 ¡los trenes y los retrasos en estas fiestas! Después, no continuó Cuando llegué, fui al Museo del Prado a ver la exposición “Sigmar Polke. Afinidades desveladas” que pretende poner de relieve la influencia de Goya en este pintor alemán; pero cual fue mi sorpresa que están ya para pasar a las taquillas a sacar mi entrada, una de las señoras de seguridad me dijo que no podía entrar porque llevaba una maletita. Ante mi asombro, insistí porque ya había venido otras veces con equipaje y lo pude depositar en el guardarropía. No hubo argumento mío que hiciera variar el de las tres señoras de seguridad. Les pregunté que si esta nueva norma de que por las fiestas no se aceptaban equipajes aparecía en la página web del museo y me dijeron que no, cosa que todavía entendía menos. El caso es que no me dejaron entrar. Me marché muy contrariada porque parte del motivo de pararme en Madrid era ver esta exposición. Apesadumbrada, fui a ver la otra exposición sobre Goya a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Me encanta este sitio. Me encanta el edificio, Goya, y el personal, son super amables, el trato es magnífico e intentan ayudarte en todo lo que pueden. La exposición de Lita Cabellut inspirada en los Disparates de Goya, está bien y sorprende. Cada cuadro de la artista es una ampliación de alguno de los detalles que podemos ver en los Disparates de Goya. Me gustó, pero me gustan todavía más los Disparates propiamente dichos que los pueden admirar en la misma sala. ¡Qué violencia! ¡Qué escatología! ¡Qué fealdad de la vida y la de los hombres! y sin embargo, te quedas enganchada delante de estos grabados y de sus planchas. No es la primera vez que los veo, pero no se agotan. 

Luego fui a la Fundación Mapfre. Siempre he visto muy buenas exposiciones allí, pero esta vez, de las tres que vi, solo una me gustó mucho que fue la del fotógrafo Weegee.

La que me pareció más interesante fue la de 31 mujeres Una exposición de Peggy Guggenheim. Está bien, pero no es espectacular, me esperaba más, tal vez por Peggy Guggenheim fue ya quiso dar un mayor protagonismo a las 31 pintoras de su época y que ahora, que se trata de poner en valor el talento femenino, se ha querido volver a exhibir. Siguiendo también la labor de mecenas de Paul Durand- Ruel se exponen algunos cuadros de los pintores impresionistas que él apoyó  aunque no llegaron a alcanzar la fama de Monet, Renoir o Pissarro y se entiende muy bien por qué.

Esto fue todo lo que me dieron de sí estas horas que pasé en Madrid. 

Weegee. Autopsia del espectáculo

La obra de Arthur H. Fellig, Weegge (Zólochiv, Ucrania 1899-Nueva York, 1968), encierra en cierto sentido un enigma que esta exposición pretende desentrañar. Sus fotografías del hampa y los círculos marginales de la noche neoyorquina de los años 1930 y 1940 alcanzaron en seguida un amplio reconocimiento internacional. Pero no ocurrió lo mismo con las fotografías que realizó tras instalarse en Hollywood en 1948: imágenes de la alta sociedad californiana y la vida social de las grandes celebridades del cine, a quienes retrata de forma casi siempre marcadamente irónica o satírica, a veces (es el caso las “fotocaricaturas”) como resultado de su trabajo posterior en el laboratorio. En su momento, la crítica recalcó la radical oposición entre uno y otro periodo, en un juicio que abiertamente ensalzaba al primero y desdeñaba las imágenes del segundo. En esas fotografías de su experiencia californiana (1948-1951) Weege expresaba su visión crítica de la sociedad y la cultura desde una perspectiva que se adelantaba a los conocidos análisis culturales y sociales en torno “la sociedad del espectáculo” (Guy Debord).

Weegee. Autopsia del espectáculo pretende mostrar la profunda coherencia que, más allá de sus diferencias estilísticas y temáticas, enlaza esas dos etapas, así como poner de relieve la actualidad de la mirada crítica desde la que las imágenes de Weegee muestran los rasgos y mecanismos de nuestro tiempo como “sociedad del espectáculo”.

Exposición comisariada por Clément Chéroux, director de la Fondation Henri Cartier-Bresson.
Exposición organizada por Fondation Henri Cartier-Bresson en colaboración con Fundación MAPFRE.

Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo

En 1865, Paul Durand-Ruel (1831-1922) se hizo cargo de la galería que había fundado su padre Jean. Con los años, se convirtió en uno de los marchantes más conocidos de París. Dedicó gran parte de su vida a la protección y defensa del arte moderno frente a aquellos que abogaban por una pintura de carácter académico.

Durand-Ruel apoyó primero a pintores como Eugène Delacroix y Gustave Courbet, así como a la llamada «Escuela de Barbizon» (Camille Corot, Charles-François Daubigny o Jean-François Millet, entre otros), para emprender poco después su empresa más afamada: la promoción de los artistas impresionistas, entre ellos, Claude Monet, Auguste Renoir y Camille Pissarro. En la última década del siglo XIX Durand-Ruel se embarcó en una nueva (y menos conocida) aventura: dar apoyo y difusión a una nueva generación de pintores, la formada por Albert André, Georges d’Espagnat, Gustave Loiseau, Maxime Maufra y Henry Moret.

Herederos del impresionismo, trabajaron en un contexto artístico agitado y estimulante, en que convivían las personales propuestas de Van Gogh y Cézanne, la experimentación neoimpresionista de Georges Seurat y Paul Signac o las investigaciones sintetistas de Paul Gauguin. Aunque han sido tradicionalmente catalogados como ‘generación postimpresionista’, su obra muestra diversas tendencias, desde la afinidad al impresionismo de los paisajistas Moret, Maufre y Loiseau a la preferencia por las escenas de género, los retratos y la pintura decorativa de D’Espagnat y André.

Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo quiere, por un lado, dar a conocer la figura de este extraordinario marchante y mecenas; por otro, contextualizar y poner en valor la obra de los cinco artistas “postimpresionistas” por los que apostó y otorgarles el puesto que merecen en la historia del arte.  

                                                                                                 Comisaria: Claire Durand-Ruel Snollaerts.

https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/paul-durand-ruel-impresionismo/

Exhibition by 31 Women - 31 mujeres.Una exposición de Peggy Guggenheim

En 1943 la célebre coleccionista de arte Peggy Guggenheim organizó, en su galería neoyorkina “Art of This Century”, una de las primeras muestras en Estados Unidos en la que se exponía íntegramente obra realizada por mujeres, europeas y norteamericanas bajo el título Exhibition by 31 Women. La muestra fue concebida por Guggenheim en cola­boración con Marcel Duchamp, y la selección de artistas estuvo a cargo de un jurado entre cuyos miembros se encontraban André Breton, Max Ernst o el propio Duchamp. Guggenheim, en su calidad de única mujer del jurado, ocupaba una posición privilegiada para aportar una perspectiva femenina al proceso.  Estas mujeres, ligadas en su mayoría al surrealismo o a la abstracción, mantuvieron con ambas tendencias una posición ambigua. En muchos casos se sirvieron de estos lenguajes para reformularlos y cuestionarlos, manteniendo su independencia y poniendo de relieve los presupuestos patriarcales en los que estos movimientos se asentaban. 31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim presenta una selección y reinterpretación de aquella iniciativa, incluyendo a todas las artistas que estuvieron presentes en la histórica muestra. Con ella la Fundación pretende no sólo recordar la importancia de la labor y la visión de Peggy Guggenheim, una de las mecenas y coleccionistas más relevantes del siglo XX, sino contribuir también a dejar atrás el relato que ha tendido a valorar la aportación de estas mujeres en función de su relación con los artistas de sexo masculino, poniendo de relieve, por el contrario, las redes de colaboración, solidaridad y amistad que construyeron entre ellas.

Comisaria: Patricia Mayayo.

"MÍSERA HUMANIDAD, LA CULPA ES TUYA"



Inspirada en los Disparates de Goya, la artista multidisciplinar Lita Cabellut presenta esta exposición en la que se muestran las miradas de ambos artistas sobre la condición humana, expresados a través de lenguajes artísticos diferentes.

En Goya x Lita Cabellut. Los Disparates. “Mísera humanidad, la culpa es tuya”,  los Disparates de Goya y las piezas de Cabellut, meticulosamente dispuestos, lejos de ser una simple exhibición visual, se presentan como una inmersión intelectual que desafía al observador a explorar las sinergias subyacentes, históricas y culturales entre los trabajos de estos dos artistas, estimulando así una apreciación más profunda y participativa de la riqueza conceptual que emana de este diálogo artístico.

Este encuentro con Goya ha llevado a Lita Cabellut, desde la humildad, a entender que las preocupaciones y las inclinaciones conceptuales, estéticas y emocionales del maestro aragonés siempre estuvieron presentes en su obra desde sus inicios. Esta amalgama de pensamientos y formas visuales se presenta como una travesía, donde se desentraña la esencia de la creación artística y se abraza la complejidad inherente a la comprensión estética.

La intrincada sinfonía dialéctica entre dos creadores de distintas épocas resalta la complejidad del proceso intelectual que subyace en la interpretación de sus obras. La confluencia conceptual y artística entre estas dos expresiones es un terreno fértil para la indagación profunda de la esencia de la exposición, cuya elaboración implica la convergencia de ambos pensamientos arbitrarios y la síntesis de códigos no tan evidentes, desafiando así la capacidad cognitiva del espectador, pero al mismo tiempo con un estímulo sensitivo evidente.

En palabras del comisario de la exposición, Eloy Martínez de la Pera: “Dos miradas que analizan el alma del ser humano. Diálogos entre Goya y Cabellut. Ellos nos hablan de miedo, de envidia, de amistad, de amor, de violencia, de ideología, de política, del caos, de la vejez, de ambición, de poder, de lealtad. Y lo hacen arrojando luz sobre estos conceptos. Una luz metafórica que nos acompaña a adentrarnos en la condición humana, y una luz plástica esencial para entender su forma de ‘entender’ el arte.”

Lita Cabellut (1961, España) es una artista de campo amplio que vive y trabaja en los Países Bajos, donde fue reconocida Artista del Año 2021. Su condición de artista en plenitud hace que su actividad artística se desarrolle en múltiples disciplinas. Es reconocida por ser la tercera artista española más cotizada y sus trabajos han sido expuestos en numerosos museos alrededor del mundo.

https://www.realacademiabellasartessanfernando.com/actividades/exposiciones/goya-x-lita-cabellut-los-disparates/

sábado, 21 de diciembre de 2024

EL MISANTROP


El Teatre Lliure presenta El misantrop, una nueva versión del clásico de Molière dirigida por David Selvas y protagonizada por Pol López y Mireia Aixalà. Ambientada en una empresa discográfica, el nuevo montaje de La Brutal explora la hipocresía, la vanidad y la obsesión por las apariencias en un mundo influenciado por las redes sociales.
Después de estrenarse en el festival Grec, el montaje llega a la sala Fabià Puigserver de Montjuic del 4 de diciembre al 4 de enero. La nueva versión se acerca al público a través de un lenguaje actual, la influencia de las redes sociales y la música en directo, pero mantiene la esencia de la comedia original de Molière. "El misántropo es un texto importante que nos pone ante el espejo en relación con la hipocresía, la falta de valores y cómo estos desaparecen", cuenta Selvas.
Pol López y Mireia Aixalà encabezan el reparto como Alceste y Célimène, una pareja en crisis que se enfrenta a las contradicciones de la sociedad moderna. Alceste, un amante de la música desilusionado con la falsedad del mundo que le rodea, busca la verdad a cualquier precio, mientras que Célimène, una mujer ambiciosa y pragmática, se mueve con habilidad en el entorno de la industria musical. A su lado, Laia Alsina, Júlia Genís, Norbert Martínez, David Menéndez, Alex Pereira y Albert Prat completan el reparto.
Selvas ha trabajado junto al dramaturgo Sergi Pompermayer para actualizar la trama y los personajes, dotándolos de una mayor profundidad psicológica. También ha tenido un papel clave la versificación de Pablo Macho Otero, que ha reescrito el verso alejandrino del original con un lenguaje actual, lleno de juegos de palabras y referencias a la realidad de hoy en día.
El espacio sonoro y la música de Paula Jornet y Adrià Jornet también juegan un papel fundamental. A lo largo de todo el montaje, la palabra se mezcla con una banda sonora que contiene grandes hits de la música pop y rock así como temas originales, tocados e interpretados en directo por los mismos actores y actrices. Completan el montaje la escenografía de Alejandro Andújar, el vestuario de Marta Pell.


En el título del post pongo solo el título de la obra que fui a ver. Evito poner que es de Molière porque esta obra no es la que escribió el dramaturgo francés ni por asomo. Como ya he dado mi opinión sobre esto que está de moda de "actualizar a los clásicos" no voy a repetirlo porque si tanto me molestara, lo que tengo que hacer es no ir a ver estas versiones, pero es que tengo curiosidad y además, es que voy con la idea de ver otra cosa diferente de lo que dice el título, por lo tanto, puedo disfrutar de la velada sin pensar en el original. 
Debo admitir que la selección musical me gustó, lo demás pues más o menos; me llama la atención eso que dice Macho de que actualizó el lenguaje y que le costó mucho; no lo dudo, pero llenó el texto de tacos, nada que ver tampoco con el decoro del teatro de Molière ni del actual. Los actores gritan mucho.
Afortunadamente, Núria pudo venir a ver la función, aunque, en un principio la había descartado. Un placer pasar un ratito hablando con ella y compartir cultura. Una buena manera de encetar las fiestas de navidad.


MARCAPÁGINAS LII - OTOÑO

Durante estos meses, he leído lo que me ha caído en las manos porque estos tres libros los he encontrado en la biblioteca. Del primero y el tercero, no conocía a los autores y han sido cortos, del segundo sí conocía a la autora y es un poco largo, pero se lee bien.

Le Violon de faïence - El violín de fayenda,  de Champfleury (Jules-François-Félix Husson -1821-1889-). Una novela corta, de mensaje moral propio de la literatura decimonónica. Cuenta la historia de dos amigos, uno culto y refinado que se dedica a coleccionar objetos de fayenda, de loza fina. Su amigo no sabe nada de este tema y le promete que, nada más volver a su pueblo, buscará objetos de fayenda y se los enviará. Así lo hace durante un tiempo hasta que se da cuenta de que él mismo podría ser un gran coleccionista dada la calidad de las piezas que va encontrando. Empieza a mandar piezas de menor calidad y su amigo decide ir él mismo a buscar las piezas en su ciudad. Lo recibe en su casa y esconde lo que ha encontrado para que su amigo no sepa lo que ocurre. A partir de aquí, la historia va trazando su desenlace con moraleja. Es una historia no muy complicada de resolución pero lo suficientemente bien armada para transmitir el mensaje con sentencia que el autor quiere.

Ojo de Gato - Cat's Eye de Margaret Atwood. "Ojo de gato" es la historia de Elaine Risley, una pintora que regresa a la ciudad de su infancia, Toronto porque le han organizado una exposición de toda su obra. Esta circunstancia le sirve para recordar su infancia cuando su familia se instaló en Toronto. Una parte importante de la historia la ocupa la relación que mantuvo con tres niñas, a las que consideraba sus amigas: Carol, Grace y Cordelia, pero ellas le hicieron la vida imposible hasta un punto intolerable. Después de unos momentos en lo que su vida corrió auténtico peligro que obligó a su madre, por fin, a tomar cartas en el asunto, pudo dejarlas de lado y evolucionar con su propia personalidad y bien, a pesar de que, al principio, parecía que las triunfadoras iban a ser estas otras niñas. 
Ella siempre pensó que lo que le hacían, no lo hacían por maldad, sino que reproducían comportamientos, especialmente Cordelia, con la que volverá a retomar el contacto en el instituto y después también. Esta parte del relato es angustiosa y creo que, aunque todos, en algún momento, hemos vivido episodios en los que nos importa encajar con las personas de nuestro entorno y, a veces, sufrimos; lo que vive Elaine es muy fuerte, demasiado para una niña tan pequeña. Luego su historia avanza con las relaciones con sus maridos y sus hijos.
Es magistral la manera con la que Margaret Atwood mezcla los momentos del pasado, flashback, con los del presente  y como afectan en el presente  a la vida de Elaine.
Esta novela la vi de casualidad en la biblioteca y me puse muy contenta porque tenía muchas ganas de leer a esta autora. El título y la portada me llamaron la atención y solo hasta después de llevar un tiempo de lectura  no entiendes el porqué del título y es magnífico. 
Esta novela me ha encantado, Atwood tiene una manera muy personal de narrar; la historia se nos presenta de forma continua, parece que estuviera hablando. Es fantástico.
Hasta el momento, he leído a tres escritoras canadienses: Alice Munro, Margaret Atwood y Mavis Gallant y las tres me gustan mucho. 

Una familia en Bruselas de Chantal Akerman. Este libro lo cogí de la biblioteca y, aunque me había prometido no sacar ninguno más, lo cogí porque es pequeño y me hizo gracia el título, también porque no conocía a la autora que, al parecer, es bastante conocida como autora teatral. Es un libro muy personal y una narración continua casi reflejo de los pensamientos interiores. El narrador cambia y, sin embargo, uno parece asistir a la representación de un monólogo.
Estos tres han estado los libros que he leído durante estos meses. Han sido un poco particulares estas novelas que he leído y todas cogidas al azar. Es lo que tiene ir a la biblioteca que los libros te encuentran.



CHANTAL AKERMAN - Una familia en Bruselas I Une famille à Bruxelles

Si lo piensa se pone a pensar en todo aquello en lo que se prohíbe pensar. Se le da muy bien no pensar en lo que no quiere pensar o más bien procura que se le dé bien, lo intenta y es agotador. Por eso siempre está muy cansada.
En un apartamento de Bruselas, frente a la parada del tranvía, hay una mujer que acaba de perder a su marido. No tiene apetito. Fuma en el baño. Sus hijas viven lejos. A menudo habla por teléfono. Hace tiempo, el amor de sus seres queridos le calentaba los huesos.
Este es el monólogo crudo y dulce de una mujer herida —la madre de Chantal Akerman, figura clave en la vida y la obra de la autora, quien salió viva de Auschwitz con quince años—. Un murmullo atropellado en el que se dice todo aun cuando parece no decirse nada. Las frases se hilvanan y la narración de la madre se vuelve la de su hija, como si esta se hallase cosida a su progenitora.
Una familia en Bruselas es un relato sobre el duelo, la soledad, la memoria. Chantal Akerman, pionera del cine experimental y feminista europeo, hace aquí, como en sus películas, un elogio a lo cotidiano en el que lo dramático y lo mundano se confunden. Porque, como recuerda la autora, «No hay nada que decir, decía mi madre, y es sobre esa nada sobre la que yo trabajo».
El texto, que recuerda por su estilo obsesivo a El amante de Marguerite Duras, trasciende la experiencia personal en favor de una honda reflexión sobre la pérdida y la unidad familiar.

MARGARET ATWOOD - OJO DE GATO

El reencuentro de Elaine Risley, una artista rodeada de un aura de polémica, con el paisaje de su juventud, una Toronto que no reconoce, la evoca a explorar los quebradizos caminos de su memoria y de la forja de su personalidad. A través de las vívidas descripciones de obras de arte, la fuerza evocadora de las escenas retrospectivas y la presencia de sutiles pinceladas autobiográficas, Margaret Atwood nos ofrece una magnífica novela de aprendizaje, donde una canica ojo de gato gira y gira en un equilibrio tan precario como la vida de las mujeres, que una vez fueron niñas. Perturbadora, aunque no exenta de humor, entrañable y mordaz, Ojo de gato revela una escritora en permanente estado de gracia.


Margaret Atwood (Ottawa, Canadá, 1939)

CHAMPFLEURY - EL VIOLIN DE FAYENZA

Dalègre es un afable bon vivant oriundo de Nevers, donde vive feliz hasta que, un buen día, harto de disfrutar de los placeres mundanos que le ofrece esa pequeña ciudad de provincias en el centro de Francia, decide visitar París. Allí coincide con Gardilanne, un amigo de su juventud. Sus estilos de vida son la noche y el día: mientras que Dalègre es el alma de todas las fiestas, Gardilanne es la personificación de la frugalidad, lleva una vida –en exceso– ordenada, apenas tiene trato con sus semejantes y no se le conocen inquietudes de ninguna clase. Sin embargo, pese a su aparente imperturbabilidad, una pasión lo consume en secreto: a diario, haga el tiempo que haga y con la avidez de un cazador, Gardilanne se entrega febrilmente a recorrer anticuarios y ropavejeros con el fin de ampliar su colección de objetos raros y valiosos.

Gardilanne está especialmente encandilado con las fayenzas de Nevers, «las cerámicas más hermosas de toda Francia», y le encomienda a su amigo la misión de aprender a reconocerlas y de procurárselas para engrosar su gabinete de maravillas. Al principio, Dalègre se tomará el encargo como un nuevo divertimento con el que entretener sus días en la plácida provincia, pero poco a poco se irá convirtiendo en una obsesión devoradora. Un vicio pernicioso que desata una rivalidad irracional entre los dos amigos en esta divertida sátira sobre el afán de propiedad y sus servidumbres.


Champfleury, seudónimo de Jules-François-Félix Husson (1821-1889)

sábado, 14 de diciembre de 2024

SAN JUAN DE LA CRUZ - IX - IN PRINCIPIO ERAT VERBUM

 Romance «in principio erat Verbum»  acerca de la Santísima Trinidad sobre el evangelio. 

     Romance 1º                                                                               
                                                                                

En  el principio moraba
El Verbo y en Dios vivía
En quien su felicidad
Infinita poseía.

El mismo Verbo Dios era                            5
que el principio se decía.
El moraba en el principio
y principio no tenía.

El era el mismo principio;
por eso de él carecía.                                  10
El Verbo se llama Hijo
que de el principio nacía;
hale siempre concebido

y siempre le concebía;
dale siempre su sustancia                        15
Anuncio publicitario
Ajustes de privacidad
y siempre se la tenía.

Y así la gloria del Hijo
es la que en el Padre había
y toda su gloria el Padre

en el Hijo poseía.                                           20
Como amado en el amante
uno en otro residía
y aquese amor que los une
en lo mismo convenía

con el uno y con el otro                                25
en igualdad y valía.
Tres Personas y un amado
entre todos tres había
y un amor en todas ellas :

y un amante las hacía;                                 30
y el amante es el amado
en que cada cual vivía;
que el ser que los tres poseen
cada cual le poseía

y cada cual de ellos ama                             35
a la que este ser tenia.
Este ser es cada una
y éste solo las unía
en un inefable nudo

que decir no se sabía;                                  40
por lo cual era infinito
el amor que las unía,
porque un solo amor tres tienen,
que su esencia se decía:
que el amor cuanto más uno                   45
tanto más amor hacía.

jueves, 12 de diciembre de 2024

WALT WHITMAN - CARPE DIEM

 Walter «Walt» Whitman
 (West Hills, Nueva York,1819-Camden, Nueva Jersey, 1892) 


Carpe Diem   


No dejes que termine el día sin haber crecido un poco,

sin haber sido un poco más feliz,

sin haber alimentado tus sueños.

No te dejes vencer por el desaliento.

No permitas que nadie te quite el derecho de expresarte que es casi un deber.

No abandones tus ansias de hacer de tu vida algo extraordinario…

No dejes de creer que las palabras, la risa y la poesía

sí pueden cambiar el mundo…

Somos seres, humanos, llenos de pasión.

La vida es desierto y también es oasis.

Nos derriba, nos lastima, nos convierte en protagonistas de nuestra propia historia…

Pero no dejes nunca de soñar,

porque solo a través de sus sueños puede ser libre el hombre.

No caigas en el peor error, el silencio.

La mayoría vive en un silencio espantoso.

No te resignes…

No traiciones tus creencias. Todos necesitamos aceptación,

pero no podemos remar en contra de nosotros mismos.

Eso transforma la vida en un infierno.

Disfruta el pánico que provoca tener la vida por delante…

Vívela intensamente, sin mediocridades.

Piensa que en ti está el futuro y en enfrentar tu tarea con orgullo, impulso y sin miedo.

Aprende de quienes pueden enseñarte…

No permitas que la vida te pase por encima sin que la vivas…


sábado, 7 de diciembre de 2024

NOTRE-DAME DE PARIS: CINQ ANS APRÈS


La cathédrale Notre-Dame de Paris a rouvert ses portes, plus de 5 ans après l'incendie qui l'a ravagée.Grâce aux savoir-faire de plusieurs milliers d'artisans et d'architectes, la cathédrale s'apprête à accueillir de nouveau du public.

SAN AMBROSIO - Padre de la Iglesia


San Ambrosio de Milán, 
(340-397 Milán)

Quien mucho lee y entiende se llena, y quien está lleno puede regar a los demás; por eso dice la Escritura: Si las nubes van llenas, descargan la lluvia sobre el suelo.