"EL SABER SE DEBE TANTO AL INGENIO COMO AL GUSTO."









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sábado, 13 de diciembre de 2025

Maillol - Picasso. Défier l'Idéal classique

 

PICASSO FACE A MAILLOL

Eh oui ! Picasso regarde Maillol tandis que Maillol s’intéresse à sa période cubiste. Plongez au cœur d’un parcours où les œuvres d’Aristide Maillol (1861-1944) et de Pablo Picasso (1881-1973) dialoguent et renouent avec un ancrage territorial qui a dynamisé leur créativité. 120 œuvres, peintures, sculptures et gravures, sont réunies pour dévoiler les secrets d’une rencontre inédite qui révèle la modernité de Maillol et la subtilité d’influences mutuelles. 

Aristide Maillol et Pablo Picasso sont deux artistes intimement liés aux collections et à l’histoire du musée d’art Hyacinthe Rigaud : le premier, originaire de Banyuls-sur-Mer, dans le Roussillon, pour avoir doté la ville de Perpignan de l’un des bronzes originaux de Méditerranée, et le second pour avoir élu domicile durant ses villégiatures à Perpignan, de 1953 à 1955, à l’hôtel de Lazerme qui abrite l’actuel musée Rigaud. 

https://www.musee-rigaud.fr/actualites/maillol-picasso-defier-lideal-classique

Esta exposición tenía muchas ganas de verla desde el verano e intenté ir a Perpignan varias veces pero, por unas cosas u otras, en todos estos meses, no pudo ser, es por eso por lo que ya la daba por perdida hasta que se lo comenté a Fina que, enseguida, me dijo que sí para mí sorpresa. Fue interesante coordinar todo para poder ir este día, además pareció que era mi regalo particular. Llegó el día, y llegamos a Perpignan  con un poco de frío y con mucho tiempo antes de que abrieran el museo,  a pesar de ello, no tuvimos sitio para poder hacer una visita guiada, Sin embargo, al final, no fue un gran inconveniente. Las obras, como siempre que he ido a este museo, eran muy significativas y estaban muy bien seleccionadas para poder seguir el discurso del título de la exposición Défier l'Idéal classique. Me gustó mucho. Al salir del museo, había salido el sol, al temperatura se fue recuperando poco a poco y el día se convirtió en una agradable jornada de paseo por le Marché de Noël y por las calles  de bonitos edificios del centro Perpignan. También tuvimos un ratito para ir a una librería y volver cargadas de libros. Un día muy especial y un bonito recuerdo con mi amiga Fina.

domingo, 8 de junio de 2025

David Hockney 25

 
“Recuerden que no pueden cancelar la primavera”

En la primavera de 2025, la Fundación invita a David Hockney, uno de los artistas más influyentes de los siglos XX y XXI, a ocupar todo el edificio para una exposición excepcional por su escala y su originalidad. 
La exposición, que se celebrará del 9 de abril al 31 de agosto de 2025, reúne más de 400 obras suyas (de 1955 a 2025), incluyendo pinturas de colecciones internacionales, institucionales y privadas, así como obras de su propio estudio y de su Fundación. Hay obras en diversos medios, como óleo y acrílico, dibujo a tinta, lápiz y carboncillo, arte digital (obras en iPhone, iPad, dibujos fotográficos, etc.) e instalaciones de vídeo inmersivas. 
David Hockney ha participado personalmente en cada aspecto de la exposición y, junto con su socio y director de estudio, Jean-Pierre Gonçalves de Lima, ha optado por centrarse especialmente en los últimos 25 años, incluyendo también sus icónicas obras tempranas, ofreciendo a los visitantes una perspectiva única de su universo creativo, que abarca siete décadas. El artista ha participado en la composición de cada secuencia y la distribución de cada espacio, en constante diálogo con su asistente, Jonathan Wilkinson. 


"Esta exposición significa muchísimo porque es la más grande que he tenido: 11 salas en la Fundación Louis Vuitton. Algunas de las últimas pinturas en las que estoy trabajando estarán incluidas, y creo que será muy buena". David Hockney.

A modo de introducción, la exposición comienza, en el nivel del estanque, con una selección de obras emblemáticas de las décadas de 1950 a 1970, incluyendo los inicios de Hockney en Bradford ( Retrato de mi padre , 1955), su estancia en Londres y posteriormente en California. La piscina, un tema emblemático del artista, aparece en A Bigger Splash (1967) y Portrait of An Artist (Pool with Two Figures) (Retrato de un artista (Piscina con dos figuras)) , 1972. Su serie de retratos dobles está representada por dos obras principales: Mr. and Mrs. Clark and Percy (1970-1971) y Christopher Isherwood and Don Bachardy (1968).

La naturaleza adquiere cada vez más importancia en la obra de David Hockney en la década de 1980 a 1990 (como lo ilustra  A Bigger Grand Canyon , 1998), antes de regresar a Europa para continuar su exploración de paisajes familiares.

El núcleo de la exposición se centra en los últimos 25 años, transcurridos principalmente en Yorkshire, Normandía y Londres. Este período, en la exposición, se inaugura con una celebración del paisaje de Yorkshire: el artista pinta un espino en una espectacular explosión primaveral ( May Blossom on the Roman Road , 2009); su observación del cambio de estaciones culmina en el monumental paisaje invernal  Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique , 2007, generosamente cedido por la Tate.
Durante el mismo período, David Hockney pintó a amigos y familiares en acrílico o en iPad, a la vez que trabajaba en autorretratos. La exposición presenta unos 60 retratos (Sala 4), que se exhibirán junto a sus "retratos de flores". Creadas en una tableta digital pero presentadas en marcos tradicionales, las obras tienen un efecto intrigante. Esto se evidencia en "25 de junio de 2022, Mirando las Flores (Enmarcado) ", donde se muestran juntas en la pared.  

La primera planta de la Fundación (galerías 5 a 7) está dedicada íntegramente a Normandía y sus paisajes. La  serie 220 de 2020  , realizada exclusivamente en iPad, se presenta en una instalación completamente nueva en la galería 5. Día tras día, temporada tras temporada, el artista captura las variaciones de luz. Una serie de pinturas acrílicas se exhibe en la galería 6, con un tratamiento del cielo sumamente singular, animado por toques vibrantes, que evocan sutilmente la obra de Van Gogh. En la galería 7, un panorama de 24 dibujos a tinta ( La Grande Cour , 2019) evoca el Tapiz de Bayeux.

Finalmente, una serie de reproducciones, que datan del Quattrocento y sirven como referencias importantes para el artista, abre la exhibición en el piso más alto ( La Gran Muralla , 2000). La pintura de Hockney se basa en referencias históricas del arte global que datan desde la Antigüedad hasta nuestros días. En la exposición, sus obras se centran en pinturas europeas, incluyendo obras del Renacimiento temprano, los Maestros Flamencos y el arte moderno. La primera parte de la exhibición en la Galería 9 muestra este diálogo con Fra Angelico, Claude Lorrain, Cézanne, Van Gogh, Picasso… Desde allí, ingresamos al estudio del artista, transformado en un salón de baile, reflejando la propia casa de David Hockney, donde músicos y bailarines son invitados regularmente a actuar.

Apasionado por la ópera, David Hockney ha estado ansioso por reinterpretar las escenografías que ha creado desde la década de 1970 en una nueva creación polifónica, en colaboración con 59 Studio. Los visitantes se sumergen en esta pieza musical y visual dentro del espacio expositivo más monumental de la Fundación (Galería 10).

La última sala de la exposición, más íntima, presenta las obras más recientes de David Hockney, pintadas en Londres, donde el artista reside desde julio de 2023 (Galería 11). Estas pinturas, particularmente enigmáticas, están inspiradas en Edvard Munch y William Blake: «  Después de Munch: Menos se sabe de lo que la gente piensa » (2023) y  «Después de Blake: Menos se sabe de lo que la gente piensa » (2024), donde la astronomía, la historia y la geografía se entrecruzan con la espiritualidad, según el artista, quien también ha elegido mostrar su último autorretrato en esta última sala.


sábado, 7 de junio de 2025

PARÍS, VILLE LUMIÈRE

No recuerdo bien dónde vi anunciada la exposición de David Hockney, en la Fondation Louis Vuitton de París y, como siempre que alguna exposición despierta mi interés, se lo comento a mi amigo Santiago. En un primer momento, me dijo que no le iba bien, pero al cabo de unos días, me escribió para decirme que aceptaba la propuesta. En seguida nos pusimos a cerrar el hotel y los vuelos, así como las entradas de la exposición y de los sitios a los que nos gustaría visitar.

Cuando llegué a la macro Gare du Nord, Santiago me estaba esperando y caminamos hasta el hotel. Todas las calles por las que pasamos, estaban llenas de gentes, parecía que estábamos en un pueblo más que en la gran urbe que es París. Dejé la bolsa y, charla que te charla nos llegamos hasta el museo de L'Orangerie, que no vimos la entrada a la primera.
Tenía mucha ilusión por visitar este museo y contemplar  Les Nymphéas de Claude Monet, offerts par le peintre à la France le lendemain même de l'armistice du 11 novembre 1918 comme symbole de la paix, les Nymphéas sont installés selon ses plans au musée de l'Orangerie en 1927, quelques mois après sa mort. Cet ensemble unique, véritable "Sixtine de l’impressionnisme", según se puede leer en la página del museo. Las dos salas, son únicas y, a pesar de la cantidad de gente de todas las nacionalidades que había en estos pequeños espacios, salí impresionada de estas salas. Nos íbamos a ir, pero vimos, bajando las escalaras, otra exposición: Dans le Flou, une autre vision de l’art de 1945 à nos jours (du 30 avril au 18 août 2025) que me encantó. Le flou de étendues aquatiques de Monet que no ha pasado desapercibido para los artistas contemporáneos que recoge esta exposición.

Después ya era tarde para la Sainte Chapelle, pero mereció la pena acercarnos hasta allí. Seguimos paseando y Santiago quiso ir al barrio del Canal Saint-Martin que está muy de moda. Es un barrio curioso, en el que el canal es el punto de encuentro  para tomar algo o hace un picnic o pasear. Paseamo y fuimos a tomar algo a un bar con ambiente tranquilo, pero animado. 

Al día siguiente, fuimos a Versailles, fue una petición que amablemente atendió Santiago.
Llegamos pronto y ya había mucha gente. ¿Qué puedo decir de Versailles, que es grandísimo y hermosísimo y otras obviedades? Durante la visita, pensaba en la vida que habían recogido sus paredes, en los momentos históricos, familiares, anodinos y cotidianos que habían sucedido en aquellas salas; en la mucha Francia que está contemplando. El Salón de los espejos, tan espectacular como se ve en la tele, ¡una maravilla!.
Luego volvimos y descansamos un ratito porque por la noche teníamos entradas para ir a ver una comedia romántica con muy buena crítica de Gilles Dyrek, mise en scène Éric Bu, Je m'appelle Georges... et vous? Fue una magnífica elección de Santiago: muy buen ambiente, muy buenos actores, mucha risa. Cenamos cerca, en un sitio agradable y después fuimos a pasear por el boulevard de Clichy hasta Le Molin Rouge. 

El domingo nos acercamos hasta Le Bon Marché Rive Gauche. Quería comprar el último premio Goncourt y, como no lo encontré en la librería del barrio, me pareció buena excusa para visitar este sorprendente y bonito marché. Aquí si que encontré "Houris" y me compré otros dos libros más que no tenía pensado comprar, pero no es posible ir a una librería y no comprar libros. Le Bon Marché es un sitio que merece la pena visitar.
Volvimos a coger el RER hasta el Arco de Triunfo porque era allí donde teníamos que coger el autobús que la Fondation Louis Vuitton pone para llevarte hasta el museo. También había mucha gente y el paso por seguridad se me hizo largo, ruidoso y engorroso.  
El museo es edificio singular,  muy moderno, merece la pena visitarlo por sus sorprendentes rincones y diseño de sus espacios.
Esta es una gran exposición, muy de David Hockney, muy extensa,  "cette présentation exceptionnelle de plus de 400 œuvres de 1955 à 2025 rassemble, outre un fonds majeur provenant de l’atelier de l’artiste et de sa fondation, des prêts de collections internationales, institutionnelles ou privées". Las obras están dispuestas en varias salas y pisos, es una gran muestra y, sin embargo,  no me acabó de gustar este pintor y eso que me parece interesante porque a lo largo de su longeva vida no ha parado de experimentar, pero encontré, algunos de su cuadros demasiado naïfs  y con cierto abuso del color, a pesar de sus sorprendentes composiciones  que no te dejan indiferentes porque te pregunta qué es exactamente. El espectador no es pasivo, ni mucho menos. 
Cuando, ya de vuelta, nos encontramos en la plaza de l 'Étoile, había una reunión de veteranos de guerra y bastante policía, de todos modos cruzamos hasta el centro porque yo quería ver de cerca el nombre de Medina de Rioseco sobre las columnas del Arco porque las tropas de Napoleón entraron a sangre y fuego en Medina, después de la "batalla del Moclín". En las iglesias, todavía se pueden ver los destrozos. No veía el nombre de mi "pueblo", no lo veía hasta que lo encontré, da gracia verlo allí. Después nos llegamos hasta l'île de la Cité y cenamos por le Marais.
Pasamos la mañana del último día en Montmartre, que también está tomado por los turistas, y eso que era pronto por lo que pasear por  la place du Tertre o entrar en el  Sacré-Cœur es una tarea imposible si no dispones de mucho tiempo. Fui curioso encontrar Le Moulin de la Galette que es un restaurante. Todo se compensó, de repente, cuando vi el nombre en el exterior y me adentré por un especie de pasillo para poder déguster les macarons de Pierre Hermé. La tienda es muy original y les macarons una delicia. 

Luego ya fuimos a buscar las maletas, cogimos el metro y cada uno tuvo que ir en una dirección. Santiago no tuve incidentes, yo sí. En la Gare du Nord, no hubo manera de recargar la tarjeta para el aeropuerto en las máquinas y tuve que ir a la oficina de atención al viajero. Cuando pude validar el billete y bajar al andén, anunciaban por megafonía y en los paneles que había des travaux y que los trenes no llegaban hasta el aeropuerto,  llegaba hasta Aulnay ( creo) y que luego un servicio de autobuses no llevaría hasta el aeropuerto. Menos mal que tenía tiempo. Al llegar, por fin, al aeropuerto, vi que saldríamos con hora y media de retraso. Una vuelta llena de incidentes, que cuento como una anécdota más de este agradable fin de semana.

Quiero dar las gracias a Santiago por aceptar mis sugerencias culturales, por su amistad y amabilidad. 

París, du 6 au 9 juin.

viernes, 6 de junio de 2025

Dans le Flou, une autre vision de l’art de 1945 à nos jours

Les Nymphéas ont longtemps été regardés par les artistes ou étudiés par les historiens comme le parangon d’une peinture abstraite, all over, sensible, annonciatrice des grandes installations immersives à venir. En revanche, le flou qui règne sur les vastes étendues aquatiques des grandes toiles de Monet est resté un impensé. Ce flou n’avait pas échappé à ses contemporains, mais ils y voyaient l’effet d’une vision altérée par une maladie oculaire. Il nous semble aujourd’hui pertinent et plus fécond d’explorer cette dimension de l'oeuvre tardif de Monet comme un véritable choix esthétique dont la postérité doit être mise au jour.

Cette exposition fait délibérément du flou une clé qui ouvre une autre lecture d’un pan entier de la création plastique moderne et contemporaine. D’abord, défini comme perte par rapport au net, le flou se révèle le moyen privilégié d’expression d’un monde où l’instabilité règne et où la visibilité s’est brouillée. C’est sur les ruines de l’après-seconde guerre mondiale que cette esthétique du flou s’enracine et déploie sa dimension proprement politique. Le principe cartésien du discernement, qui prévalait depuis si longtemps en art, apparaît alors profondément inopérant. Devant l’érosion des certitudes du visible, et face au champ de possibles qui leur est ainsi ouvert, les artistes proposent de nouvelles approches et font leur matière du transitoire, du désordre, du mouvement, de l’inachevé, du doute… Prenant acte d’un bouleversement profond de l’ordre du monde, ils font le choix de l’indéterminé, de l’indistinct et de l’allusion. Leur mise à distance de la netteté naturaliste va de pair avec une recherche de la polysémie qui se traduit par une perméabilité des médiums et une place accrue accordée à l’interprétation du regardeur. Instrument de sublimation tout autant que manifestation d’une vérité latente, le flou se fait à la fois symptôme et remède d’un monde en quête de sens.

Insaisissable par essence, l’esthétique du flou se dessine dans l’écart ; non par opposition frontale à l’objectivité clinique d’un monde sous haute surveillance, mais plutôt comme un jeu d’équilibriste dans les interstices du réel ; un écart qui ne réside pas dans le rejet ou le déni de la trivialité du monde mais en explore de nouvelles modalités. Aux frontières du visible, le flou, en même temps qu’il trahit une instabilité, crée les conditions d’un ré-enchantement.

Le parcours de l’exposition suivra un fil thématique et non chronologique. Une salle introductive sera consacrée aux racines esthétiques du flou au XIXe et au tournant du XXe siècle, faisant suite aux bouleversements intellectuels, scientifiques, sociétaux et artistiques avec lesquels l’impressionnisme a grandi. L’exposition sera ensuite organisée en trois grandes sections, mêlant et faisant dialoguer oeuvres picturales, vidéos, photographies et installations : « aux frontières du visible », « l’érosion des certitudes », et « éloge de l’indistinct ». Un épilogue, « réenchanter le monde », ouvrira le propos, notamment autour de l’affirmation tremblée de l’artiste Mircea Cantor, « unpredicteble future ».

Artistes présentés

Antoine d’Agata · Dove Allouche · Maarten Baas · Francis Bacon · Léa Belooussovitch · Christian Boltanski · Miriam Cahn · Julia Margaret Cameron · Mircea Cantor · Eugène Carrière · Claire Chesnier · Philippe Cognée · Nicolas Delprat · Vincent Dulom · Bracha L. Ettinger · Wojciech Fangor · Alberto Giacometti · Nan Goldin · Hervé Guibert · Hans Haacke · Joana Hadjithomas · Hans Hartung · Frères Henry · Alfredo Jaar · Khalil Joreige · Y.Z. Kami · Kikuji Kawada · Yves Klein · Bertrand Lavier · Thomas Lélu · Collection Sébastien Lifschitz · Albert Londe · Clémence Mauger · Claude Monet · Tania Mouraud · Edvard Munch · Óscar Muñoz · Zoran Mušič · Mame-Diarra Niang · Eva Nielsen · Albert Oehlen · Claudio Parmiggiani · Estefanía Peñafiel Loaiza · Otto Piene · Sigmar Polke · Krzysztof Pruszkowski · Odilon Redon · Gerhard Richter · Pipilotti Rist · Auguste Rodin · Ugo Rondinone · Medardo Rosso · Mark Rothko · Thomas Ruff Georges Seurat · Edward Steichen · Christer Strömholm · Hiroshi Sugimoto · Laure Tiberghien · Daniel Turner · Joseph Mallord William Turner · Luc Tuymans · Bill Viola.

Dans le Flou, une autre vision de l’art de 1945 à nos jours
Du 30 avril au 18 août 2025

https://www.musee-orangerie.fr/fr/agenda/expositions/dans-le-flou-une-autre-vision-de-lart-de-1945-nos-jours



domingo, 3 de noviembre de 2024

VIENA: CAPITAL DE LA CULTURA

Este año, he cumplido un número de años razonable y me daba ilusión ir unos días a Viena, la gran capital europea, puerta de entrada de Oriente. Se lo propuse a mi amigo Santiago y le pareció bien, hay personas que siempre hacen las cosas fáciles y duplican las alegrías. Para mí, esta salida era un reto porque llegaba varias horas antes. Llegué al mediodía. Encontré con facilidad la parada del autobús que me llevaba " a casa". El alojamiento estaba muy cerca de la parada del autobús, llevaba la clave de la entrada de la puerta exterior y del rellano del segundo piso en el móvil. Me di cuenta de que hubiera sido mejor tenerla también anotada. Todo funcionó a la primera y bajé a comprar fruta. Luego me preparé para hacer una visita a la ciudad a la que me había apuntado. No tuve problemas para encontrar el punto de encuentro. El guía era austríaco y nos dio una visión particular de la ciudad, aunque no fue muy extensa. Lo bueno es que empezamos la visita de día y la terminamos de noche bajo las luces. Luego fui a buscar a Santiago a la parada. Dimos una vuelta por el centro histórico de la ciudad y cenamos en una taberna típica a tomar un  Schnitzel (escalopa rebozada). Al acabar, nos acercamos a la zona de la catedral a tomar un postre en la terraza de Demel. 

Al día siguiente, cogimos el metro para visitar el inmenso palacio de Schönbrunn residencia de los Habsburgo. Tuvimos que esperar porque había mucha gente. Mientras llegaba la hora de la visita,  nos dio tiempo a tomar una comida frugal y a dar una pequeña vuelta no muy cómoda porque  en el enorme patio estaban instalando el mercadillo de Navidad. Después de recorrer parte de las 1441 habitaciones, paseamos por los jardines, la tarde era muy agradable. 
Por la noche, fuimos a un concierto " para turistas" en la sala Sala Dorada, Goldener Saal, del Musikverein, sala en la que se celebra el Concierto de Año Nuevo, íbamos a ir a otro concierto pero Alicia nos animó a que fuéramos a este sitio cuya la sala de conciertos es impresionante. A la salida, fuimos a tomar una  deliciosa salchicha al kiosco que está debajo del museo Albertina  Bitzinger Würstelstand  que tiene, en el tejado, por mascota a una liebre. 
A la mañana siguiente, fuimos al Palacio Belvedere al Superior y al Inferior ya que este palacio se ha convertido en el museo de arte austríaco  desde la Edad Media hasta la actualidad y porque alberga 24 obras de G. Klimt, entre ellas El beso y Judith. En la sala de El beso había muchísima gente y fue difícil ver el cuadro. Antes de ver las salas de Klimt, vimos la  exposición del pintor ghanés,  Amoako Boafo. Proper Love;  es su primera exposición en Europa,  en la que destacaban los retratos de  sus amigos, conocidos y figuras públicas, y otras obras. Llama la atención su técnica, ya que pinta con los dedos y sus cuadros quedan llenos de pinta. 

Al salir del Palacio Berverder, fuimos a comer, decidimos acercarnos al centro. En todos los sitios, había cola y se hizo tarde, creímos que no nos darían de comer, al final preguntamos en un típico café vienés donde, el ambiente familiar y de grupos de amigos  muy agradable nos acompañó durante la comida. La mayoría de los clientes eran asiduos porque los llamaban por el nombre. A la salida, se fue haciendo de noche, paseamos por los largos boulevards y, en una placita, entre las sombras del atardecer y la de los árboles centenarios, nos encontramos  con un edificio  muy bonito con unos carteles  de cuadros en la fachada, que nos llamó la atención; entramos y nos dimos cuenta de que era una especie de universidad con unos bonitos y solitarios pasillos, en un cartel leímos lo que era; Akademie der Bildende Künste Wien. Subimos hasta que encontramos la entrada al museo que alberga obras de maestros de la pintura desde el S. XIV hasta el XIX:  El Bosco, Lucas Cranach, Rembrandt, van Dyck, Botticelli, Rubens, Tiziano, Murillo y Guardi. Una maravilla. Las personas que se ocupan de este bonito espacio fueron  muy amables. Nos dimos un poco de prisa al final porque iban a cerrar. Al salir, encontramos una tienda preciosa con muchas cosas de Navidad: bolas, marionetas, árboles y muchas cosas más, imposible no comprar algo. Nos lo envolvieron en sobres de papel grueso.
Al salir, nos dirigimos hacia la ópera a ver y escuchar La Bohème de Giacomo Puccini. Había mucha gente y todos muy emocionados por estar en este majestuoso edificio. Mucha gente se hacia fotos en los múltiples rincones del vestíbulo, la galería, la escalinata, el café,...Las entradas que encontramos eran en la segunda fila de un palco. Delante de nosotros, había una pareja que me llamó la atención y me inventé su historia: una persona joven cargada de accesorios de marcas carísimas y otra de mediana edad enamorada que estaban disfrutando de esta historia de amor, celos, pobreza, enfermedad y pérdida, en el París bohemio del siglo XIX...

El último día por la mañana, paseamos  mucho hasta llegar a la zona de la Iglesia votiva, el Ayuntamiento, fuimos hasta la plaza de los Héroes. Luego buscamos un sitio para comer, en el Café Central fue imposible, había una cola muy grande. Después, pudimos comer muy bien en Zum Schwarzen Kameel. 

Luego ya nos fuimos al aeropuerto, con un poco de melancolía por no haber podido visitar más museos, más cafés famosos y con el sueño dudoso de poder regresar.
Fueron unos días estupendos de otoño en esta monumental ciudad, capital de la cultura. 

Viena, del 31 de octubre al  3 de noviembre de 2024.


viernes, 1 de noviembre de 2024

AKSELI GALLEN-KALLELA- FINNLAND ERFINDEN

 

Akseli Gallen-Kallela (1865-1931) fue el artista progresista más destacado de Finlandia alrededor de 1900 y un destacado representante del modernismo internacional. El Belvedere, en colaboración con el Museo de Arte Ateneum de la Galería Nacional de Finlandia en Helsinki, le dedica la primera exposición monográfica en Austria. A principios del siglo XX, Finlandia era un gran ducado bajo el dominio ruso que luchaba por su independencia. Con sus representaciones de la gente, los mitos y la naturaleza de su tierra natal, Gallen-Kallela contribuyó decisivamente a la formación de una identidad nacional. Además, su lenguaje visual moderno, desarrollado en un diálogo continuo entre las fuentes de inspiración finlandesas y los impulsos de centros artísticos internacionales como París, Berlín, Londres y Viena, lo convirtieron en un artista célebre fuera de su país. La exposición invita al visitante a explorar estas fascinantes interacciones en la exploración artística de Gallen-Kallela de la tierra y la gente de su tierra natal, la epopeya nacional finlandesa Kalevala, la idea de la obra de arte total y el paisaje nórdico. La dimensión internacional del arte de Gallen-Kallela se ilustra de forma ejemplar y específica para cada lugar a través de su exitosa participación en las presentaciones de la Secesión vienesa en 1901/02 y 1904.

Palacio Belvedere: 27 September 2024 - 2 February 2025.



Amoako Boafo - Proper Love

El Belvedere presenta la primera exposición museística europea sobre el arte del pintor ghanés Amoako Boafo (nacido en 1984 en Acra). Como una de las voces más importantes de una nueva generación de artistas negros, Boafo retrata a sus amigos, conocidos y figuras públicas, presentando una imagen contemporánea del autoempoderamiento y la autopercepción de la comunidad negra.

Esta exposición cierra, por el momento, un ciclo en la biografía del artista: tras graduarse en la escuela de arte de Acra, Boafo comenzó a estudiar en la Academia de Bellas Artes de Viena en 2014. Estos años lo formaron como artista, en los que desarrolló su estilo característico, caracterizado por su inusual técnica de pintura a dedo. Aplicada al cuerpo humano, esta técnica crea un efecto escultórico que contrasta con la planitud del resto de la pintura. Las personas retratadas por Boafo encarnan la idea de la identidad negra, que se nutre de su propia cultura, entendida como un acto de resistencia contra las etiquetas racistas de una sociedad predominantemente blanca. Esta forma de subjetividad negra se expresa en la apariencia de los modelos, quienes se presentan al espectador como individuos seguros de sí mismos y a menudo buscan el contacto visual directo. Boafo imaginó las prendas, con un toque de collage, utilizando papel texturizado, tomando prestados patrones florales y geométricos del papel pintado, así como referencias a los códigos de vestimenta históricos y políticos de la cultura negra. El intenso compromiso del artista con la historia negra se refleja sutilmente en sus pinturas, que incluyen motivos inspirados en obras literarias de pioneros clave del Movimiento de Liberación Negra.

Además de la exposición en el Bajo Belvedere, las obras de Boafo se integrarán en las exposiciones permanentes sobre Viena 1900 en el Alto Belvedere, mostrándolas en conexión con las imágenes de figuras clave de la historia del arte como Egon Schiele y Gustav Klimt.


sábado, 18 de febrero de 2023

VERMEER EN EL RIJKSMUSEUM - ÁMSTERDAM



He asistido en Ámsterdam a esta exposición de Vermeer, -única hasta el momento sobre el pintor- y todavía me cuesta un poco creer que, de verdad, he podido ir porque ya, a la semana de haberla inaugurado, oí  en la radio que, para esos días en los que yo podía ir, ya no quedaban entradas y eso que habían ampliado en varias horas el horario de visitas. 
A veces, no se sabe por qué las cosas no salen poniendo todos los medios y otras sí, y gracias a que esta vez sí han salido, pude ir a ver esta exposición que, en principio, era algo, casi, casi, imposible  porque, que yo estuviera  en forma y que Santiago estuviera libre y que le apeteciera venir a Ámsterdam eran tres factores determinantes para encajar. Afortunadamente, no tenía nada previsto esos días y como es un gran amante del arte, me dijo que sí y, ¡qué felicidad la mía!No es  esta la primera vez que vamos juntos a una exposición que a los dos nos gusta sin importar que tengamos que desplazarnos.
Pero las "dificultades" no acabaron aquí porque llegamos y no teníamos entradas. Sin embargo, por un toque de magia, Santiago encontró dos entradas en no sé que web y pudimos ir a verla. Fue fantástico. Las entradas eran nocturnas, el museo estaba cerrado y en esa franja horaria tampoco había demasiada gente en las salas por lo que pudimos observar los cuadros con detalle todo el tiempo que quisimos dentro de los límites de la cortesía. ¡Qué bonitos cuadros y qué maestría con los colores y con la luz la de Vermeer! Una maravilla.





Por la mañana  del día de la visita a la exposición, pudimos visitar el Rijksmuseun. Otro sueño hecho realidad para mí. El edificio de este museo es bonito, grande y cálido a la vez, con mucha luz  natural, especialmente en el hall de entrada. De entre todo lo que vi, voy a destacar los Rembrants. Estos se van sumando a la lista  de cuadros de este autor que he visto en  varios museos:  en el Museo de Israel, en el Hermitage de San Petersburgo, en  el Prado o en el Thyssen, en la National Gallery, en el Metropolitano de Nueva York, ...no sé si he visto alguno más. Me gusta bastante este pintor y fue igualmente emocionante verlos en su museo.
Además del  Rijksmuseun, visitamos el Moco, no vale mucho. Es un "museo" con más reclamo publicitario que calidad de sus piezas. 

Además de arte, también hicimos turismo y, gracias a que Santiago conocía bien Ámsterdam, pudimos movernos a pie y disfrutar de esta ciudad tan particular: mirar los canales desde los puentes, pasear por sus calles y plazas, (teniendo especial cuidado con las cientos de bicicletas que van rapidísimo y no paran, van sin frenos ), por el mercado de las flores, comer las croquetas típicas, el arenque ahumado, un cucurucho de patatas fritas y varios dulces como los stroopwafels, o la tarta de manzana con nata en Winkel. ¡ qué rica! Yo llevaba una lista con los sitios a los que teníamos que ir para degustar lo más típico de la ciudad, pero no hizo mucha falta porque, cuando ya nos acercábamos al sitio, veíamos una larga cola fuera, en la acera, lo que nos indicaba que era allí y no en otro lugar donde estaba de entre lo bueno, lo mejor y, las colas no eran solo de turistas. Supimos que se hacían  tantas colas porque varias confiterías cerraban cuando se les acababan los dulces independientemente de la hora que fuera, y así, hasta el día siguiente. 
Es extraordinario en ritmo de esta ciudad, su vida hacia fuera estando dentro, los colores de sus estrechos edificios, sus barrios de vidas diferentes dependiendo de la hora del día, ...



Todo esto para decir que, este primer viaje al extranjero, después de no haber podido salir de casa  en varios meses, ha sido algo maravilloso y doy las gracias a mi amigo Santiago por haberlo hecho realidad. Grand merci. 
Amsterdan del 17 al 20 de febrero 2023.


lunes, 1 de noviembre de 2021

AUTOMNE EN SUISSE: BASILEA- GENÈVE - NYON

Cuando me enteré de que en la fundación Beyeler había una exposición sobre Goya, se lo conté enseguida a mi amigo suizo y me prometió que me mandaría fotos cuando él fuera. Luego fue la Reina Letizia a inaugurar la exposición porque es la mejor y más extensa  exposición sobre Goya que jamás se ha hecho en el extranjero ya que se han reunidos cuadros tanto de museos públicos como de instituciones  privadas y coleccionistas particulares.  Luego, me dejaron el puente libre y comenté a Santiago si  cabría la posibilidad de que fuéramos a Basilea, y allí que nos presentamos.
La primera vez que fuimos a la fundación Beyeler, fue algo maravilloso, con mucho frío y nieve. Esta vez hubo lluvia, unos colores preciosos en la naturaleza  y el Covid. Me sorprendió la cola que había, mucha gente se había acercado a la fundación para ver Goya. Esta vez igual, mucha emoción, no solo por la atmósfera, sino por los cuadros que nunca había visto. Me di cuenta de que muchos de ellos estaban en Estados Unidos, pero sobre todo, en Suiza.
Al terminar de verla, aprovechamos la oportunidad y vimos también la exposición Close Up sobre pintoras contemporáneas. Había bastantes pintoras y con un buen número de cuadros. Empecé bien, pero, al final, lo vi deprisa, estaba ya cansada. 

Al día siguiente por la mañana, fuimos a visitar una ciudad bonita a orillas del lago, del lago Leman, Nyon. Visitamos el castillo y paseando por la orilla del lago, nos encontramos con un mercadillo de antigüedades.


Trois Races Trois Grâces,
Agnieszka Gorla-Bajszcza

Por la tarde, aprovechamos bien las horas y, aunque llovía suavemente, fuimos a ver la exposición del Parc des fours, donde unos jóvenes artistas diseminaron, entre los árboles, sus esculturas. Había unas cuantas; muchas de ellas eran curiosas, originales por los materiales empelados y por la disposición de los elementos, pero todas guardaban mensajes y estaban cargadas de simbología, por lo que había que leer con atención las indicaciones.


Después del Parc, nos acercamos a la Fondation Bodmer,  otro lugar con un encanto especial  tanto por dentro como por fuera, desde sus jardines se pueden contemplar unas magníficas vistas del lago. Nos acercamos hasta este lugar  a ver una exposición sobre DanteLa fabrique de Dante. Se podría decir que, esta exposición completó la que habíamos visitado en Madrid en el verano. Me encantó.

https://fondationbodmer.ch/expositions-temporaires/

domingo, 31 de octubre de 2021

PARC DES FOURS (COLOGNY) - EXPOSITION DE L'ASSOCIATION DES SCULPTEURS GENEVOIS


Au détour des sculptures du parc des Fours à Cologny.

L'Association des sculpteurs genevois proposent un nouveau parcours sans thème particulier. Durant presque deux mois, le parc des Fours à Cologny se transformera en un petit jardin précieux en quelque sorte, dans lequel 24 sculptures ont été placées.

Le 18 septembre à 11h s’inaugurera une nouvelle exposition de l’Association des Sculpteurs de Genève (ASdG) au Parc des Fours à Cologny sur l’initiative enthousiaste du maire Monsieur Pascal Hornung qui vient d’ouvrir aux habitants de sa commune une jolie promenade pédestre dans ce parc qui relie plusieurs chemins entre eux.

L’association des sculpteurs a été créée par Alexandre Meylan, Dominique Bovy, Albert Rouiller et François Baud alors qu’ils restauraient ensemble le Grand Théâtre de Genève ainsi que le Mur des Réformateurs au Parc des Bastions dans les années soixante. L’association expose régulièrement ses membres dans des lieux publics genevois, "...perpétuant ainsi la tradition de ce lien amical et solidaire qui relie les sculpteurs entre eux." Bureau de l’ASdG.

Ce sont donc les œuvres de vingt-trois artistes membres de l’ASdG que l’on peut admirer à l’occasion d’une promenade en plein air au Parc des Fours. Certaines sculptures ont déjà été exposées, certaines le sont pour la première fois, d’autres encore ont été réalisées pour l’évènement en fonction du lieu, comme l’œuvre Anges de Sando Hideki. En effet, l’artiste puise ici son inspiration lors d’une balade dans le parc des Fours où des figures, des couleurs, lui apparaissent successivement. 


 https://www.artageneve.com/article/rencontre/les-sculpteurs-genevois-cologny

FONDATION MARTIN BODMER -LA FABRIQUE DE DANTE - Inside the Dante Factory




Pour célébrer le 700e anniversaire de la mort de Dante Alighieri, l'une des pierres angulaires de la collection Martin Bodmer, nous souhaitons rendre hommage à cette grande figure de la littérature mondiale avec une exposition : Inside the Dante Factory .

Ce sera Dante comme vous ne l'avez jamais vu. Le terme « usine » vise à la fois à interpréter l'œuvre de Dante comme un laboratoire géant et à faire référence à sa « création » continue au fil des siècles. Pour tout lecteur des temps modernes cherchant à comprendre Dante et à apprivoiser son œuvre, cette exposition est à ne pas manquer. Il est divisé en trois fils; la première rapproche les visiteurs d'Alighieri à travers des lecteurs célèbres de ses œuvres, de Charles Baudelaire à David Bowie. Le deuxième fil reconstitue ce qui a vraisemblablement été la bibliothèque de Dante et le « dialogue » du poète avec les textes qu'il a lus. Enfin, la troisième section conduit les visiteurs aux écrits de Dante eux-mêmes, à travers lesquels ils pourront découvrir Dante le poète et Dante l'homme.

Composée principalement d'objets inédits appartenant à la Fondation Martin Bodmer, ainsi que de livres rares et de manuscrits, Inside the Dante Factory proposera également des œuvres insolites prêtées par d'autres institutions. Parmi les joyaux exposés figurera une copie originale du célèbre portrait de Dante par Sandro Botticelli de 1495. 

L'objectif de cette nouvelle exposition est clair. Nous voulons faire réfléchir les visiteurs sur une question apparemment simple : comment lire Dante ? Et que signifie lire Dante aujourd'hui ?

Inside the Dante Factory est sous la tutelle scientifique du professeur Michael Jakob, du Dr Paola Allegretti, du professeur Jacques Berchtold et de Nicolas Ducimetière.

https://fondationbodmer.ch/en/ -- Ginebra

sábado, 30 de octubre de 2021

FONDATION BEYELER - CLOSE UP - Basilea ( Suiza)



Berthe Morisot, Mary Cassatt, Paula Modersohn-Becker, Lotte Laserstein, Frida Kahlo, Alice Neel, Marlene Dumas, Cindy Sherman, Elizabeth Peyton.

L’exposition présentera des œuvres de femmes artistes dont l’œuvre occupe une position éminente dans l’histoire de l’art moderne depuis 1870 jusqu’à aujourd’hui. C’est l’époque où, pour la première fois, il devint possible à des femmes en Europe et en Amérique de développer une activité artistique professionnelle sur une large base.

Au centre de l’exposition figurent neuf artistes qui ont en commun leur intérêt pour la représentation d’êtres humains, le portrait dans ses différentes déclinaisons et l’autoportrait.

La Française Berthe Morisot et l’Américaine Mary Cassatt, toutes deux actives dans les années 1870 et 1880 à Paris, qui était alors la capitale de la création artistique la plus avancée; l’Allemande Paula Modersohn-Becker de 1900 à 1907 entre la petite ville provinciale de Worpswede, dans le Nord de l’Allemagne, et la métropole parisienne; l’Allemande Lotte Laserstein de 1925 à 1933 dans le Berlin de la République de Weimar; la Mexicaine Frida Kahlo depuis la fin des années 1920 jusque vers 1950, à Mexico City, pendant la période mouvementée de la consolidation de la révolution mexicaine; l’Américaine Alice Neel depuis la fin des années 1920 jusqu’au début des années 1980, d’abord à Cuba, puis à Manhattan, de Greenwich Village au Upper West Side en passant par Spanish Harlem; Marlene Dumas, qui a grandi au Cap au plus fort de l’Apartheid, et vit depuis 1976 à Amsterdam; en même temps l’Américaine Cindy Sherman à New York, pôle occidental d’une nouvelle génération d’artistes contemporains; et enfin l’Américaine Elizabeth Peyton depuis les années 1990, entre New York et l’Europe de l’Ouest.

L’exposition s’intéresse particulièrement au regard posé par ces artistes sur leurs environnements, tel qu’il s’exprime dans leurs portraits et leurs tableaux de figures. La réunion de certaines de ces œuvres permet de découvrir comment ce regard a changé entre 1870 et aujourd’hui et par quoi il se caractérise.

https://www.fondationbeyeler.ch/fr/expositions/expositions-precedentes/close-up

 CLOSE-UP -19 SEPTEMBRE 2021 JUSQU'AU 2 JANVIER 2022

FONDATION BEYELER - FRANCISCO de GOYA (Basilea- Suiza)


La Fondation Beyeler consacre à Francisco de Goya (1746–1828) l’une des expositions les plus importantes à ce jour. Goya est à la fois l’un des derniers grands peintres de cour et le premier précurseur de l’art moderne, créateur tant d’impressionnants portraits que d’univers picturaux énigmatiques hautement personnels. C’est précisément dans cette contradiction irréductible que réside la fascination magique exercée par son œuvre.

La carrière de Goya, longue de plus de 60 ans, couvre la période du rococo au romantisme. Il représente des saints et des criminels, des sorcières et des démons, ouvrant un portail sur des mondes dans lesquels les frontières entre réalité et imaginaire s’estompent. Dans son art, Goya s’affirme comme un observateur lucide et incisif du drame qui se joue entre raison et déraison, rêves et cauchemars.

L’exposition réunit environ 70 tableaux et plus de 100 dessins et gravures d’exception, conviant les visiteuses et les visiteurs à une rencontre avec le beau tout comme l’insondable. Pour la première fois, des tableaux de collections privées espagnoles rarement donnés à voir côtoient dans les espaces de la Fondation Beyeler des œuvres maîtresses en provenance de collections privées et de musées européens et américains de tout premier plan.

L’exposition est organisée par la Fondation Beyeler en coopération avec le Museo Nacional del Prado à Madrid.

PHILIPPE PARRENO |- "LA QUINTA DEL SORDO"

L’exposition est accompagnée d’un nouveau film de Philippe Parreno (*1964, vit et travaille à Paris). Artiste contemporain de renom, Parreno consacre une œuvre à la maison de campagne de Goya, aujourd’hui détruite, et ses peintures murales légendaires, les Pinturas negras (Peintures noires). Dans son exploration artistique, Parreno filme au plus près ces chefs-d’œuvre visionnaires et les met en sons imaginaires. Cette installation fascinante illustre l’influence durable de Goya sur les générations d’artistes suivantes, de Picasso à Warhol à nos jours.

https://www.fondationbeyeler.ch/fr/expositions/expositions-precedentes/goya



* Esta exposición de Basilea fue inaugurada por la Reina de España.
(08-10-21)

martes, 21 de septiembre de 2021

FUNDACIÓN MALBA - Rafael Barradas: Hombre flecha

 

Rafael Barradas (1890-1929). Montevideo, Uruguay.

En el marco de la conmemoración del veinte aniversario del Museo, Malba presenta una exposición antológica dedicada al gran artista uruguayo Rafael Barradas (Montevideo, 1890-1929), un pionero de la vanguardia internacional. Organizada en colaboración con la Dirección Nacional de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay, la exhibición reúne más de 130 obras, entre óleos, acuarelas y obras sobre papel, provenientes de la Colección del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV), junto a una selección de importantes préstamos de colecciones privadas y públicas de Montevideo y de Buenos Aires.

La muestra abarca uno de los períodos más fructíferos en la producción del artista, de 1913 a 1923, durante su estadía en Barcelona y Madrid. A lo largo de estos años, Barradas presentó las bases de su concepción estética: el vibracionismo, en el que el artista descompone las escenas geométricamente para plasmar el dinamismo de la ciudad moderna, siguiendo las direcciones del cubismo y del futurismo.

“A sus veintidós años, Barradas llega al techo en su tierra natal y ambiciona conocer de primera mano el arte producido en el viejo continente a comienzos de siglo XX, para incorporar a su poética recursos de la vanguardia que le permitieron desarrollar un lenguaje pictórico propio denominado vibracionismo", explica el curador Enrique Aguerre. “Es entre los años 1917 y 1921 donde haremos foco para establecer nuevos abordajes al movimiento vibracionista y sus desarrollos vinculados al teatro. Si bien Barradas experimenta soluciones formales de diferentes momentos de su carrera, es en este período en el que su producción alcanza una relevancia central”, destaca.



Rafael Barradas. 
Hombre flecha

21.09.21— 14.02.22-Sala 5, Nivel 2

Fundación Malba- Buenos Aires.

https://www.malba.org.ar/evento/rafael-barradas-hombre-flecha/





sábado, 29 de junio de 2019

AVIGNON -MUSÉE DU PETIT PALAIS

Le musée du Petit Palais est un des grands musées européens d’art médiéval. Il est labellisé Musée de France et classé au Patrimoine Mondial de l'Unesco.

Ancienne livrée du cardinal Arnaud de Via (mort en 1335), neveu du pape Jean XXII, puis palais de l'archevêque d'Avignon, l'édifice est reconstruit à la fin du 15e s. par l'archevêque Julien de la Rovère, futur pape Jules II. 
Sa façade crénelée est percée de fenêtres à meneaux. 

Le musée abrite un ensemble unique de peintures du Moyen-âge et de la Renaissance italienne (plus de trois cents primitifs italiens), regroupant la collection Campana, un fond important du musée Calvet (Ecole d'Avignon du 13e au 16e s.) et des sculptures médiévales du 12e au 16e s. provenant d'Avignon et des environs. 
Cet ensemble est essentiel pour comprendre la création artistique dans l'Italie du Moyen-Âge et de la Renaissance. Il permet d'avoir un panorama de la peinture italienne tant à travers de grands noms (Botticelli, Carpaccio) que de très nombreux maîtres et ateliers (dépôt du musée du Louvre) ainsi qu’un fonds de sculptures et peintures provençales médiévales et de peintures italiennes (dépôt de la Fondation Calvet).

Salle permanente-Boticelli et son atelier : elle rassemble pour la première fois 5 œuvres témoignant de la variété des modes de production de l'atelier de Botticelli : œuvres de la main du maître ou de celles de ses collaborateurs sous sa supervision et d'après ses modèles. De la Vénus aux trois putti, nouvellement déposée par le musée du Louvre, à la Vierge et l'Enfant, cette salle présente deux facettes, profane et sacrée, de la vision de la femme et du monde par le peintre qui incarne la Renaissance italienne et la gloire de Florence.

Reconstitution d'un triptyque de Giovanni di Tommaso Crivelli : un nouveau don de la famille Sarti, un saint Jean-Baptiste, attribué par dépôt du Louvre au Petit Palais vient rejoindre un panneau de saint François déjà donné par eux en 2007. L'un et l'autre acquis successivement sur le marché de l'art permettent au musée de reconstituer autour d'une gracieuse Annonciation, un tryptique très raffiné de Giovanni di Tommaso Crivelli, peintre travaillant à Pérouse au XVe s.



http://www.petit-palais.org/

sábado, 23 de marzo de 2019

FONDATION GIANADDA-Collection Ordrupgaard:Trésors impressionnistes (Suiza)


Trésors impressionnistes

Degas, Cézanne, Monet, Renoir, Gauguin, Matisse...
La Collection Ordrupgaard

Paul Gauguin
Portrait d’une jeune fille, Vaïte (Jeanne) Goupil, 1896
Huile sur toile, 75 × 65 cm.
© Ordrupgaard, Copenhague. Photo: Anders Sune Berg

Riche de soixante œuvres exceptionnelles, l’exposition « Trésors impressionnistes » propose un magnifique « voyage » parmi les chefs-d’œuvre du fameux musée Ordrupgaard de Copenhague, qui rassemble les plus grandes figures de la peinture française du XIXe siècle : Edgar Degas, Paul Cézanne, Claude Monet, Paul Gauguin, Henri Matisse...

Cette remarquable collection fut fondée au début du XXe siècle par un couple de Danois férus d’art, Wilhelm (1868-1936) et Henny (1870-1951) Hansen.
« Je passe mon temps à regarder des peintures, et autant vous le confesser tout de suite, je me suis lancé dans des achats considérables », avoue en 1916, Wilhelm Hansen, directeur d’une compagnie d’assurances et conseiller d’Etat dans une lettre adressée à sa femme Henny. « Mais je sais que je serai pardonné lorsque vous allez les voir : les meilleurs peintres à leur meilleur », continue-t-il. « Ainsi ai-je acquis des Sisley (deux merveilleux paysages), un Pissarro (un délicat paysage), un Claude Monet (une des Cathédrale de Rouen, qui sont parmi ses œuvres les plus connues) et un Renoir (un portrait de femme). L’autoportrait de Courbet (vous vous souvenez de la photographie que j’en avais ?) est une merveille, mais je ne l’ai pas acheté : le prix devra descendre encore beaucoup avant que je puisse en envisager l’acquisition. »

Passionné d’art et visionnaire, cet homme d’affaires constitue avec un discernement d’une rare acuité, en seulement deux ans – entre 1916 et 1918 – une collection unique en Europe de toiles représentatives de l’impressionnisme et du post-impressionnisme de la seconde moitié du XIXe et du début du XXe siècle, signées de Jean-Baptiste Camille Corot, Eugène Boudin, Camille Pissarro, Edouard Manet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Paul Cézanne, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Gauguin et Henri Matisse, notamment.                                                                 
Camille Pissarro
Coin de jardin à Eragny (la maison de l’artiste), 1897
Huile sur toile, 65,5 × 81 
© Ordrupgaard, Copenhague. Photo: Anders Sune Bergm.


Quelle chance de pouvoir admirer des œuvres de cette période de l’art français, si poétiques et délicates !
Nous vous invitons à les découvrir à l’occasion de cette exposition d’exception, où un vaste pan du riche patrimoine pictural, rarement dévoilé, s’offre à notre contemplation.

(Présentation de l’exposition dans le Cahier du Nouvelliste du 6 février 2019, par Julia Hountou)

Alfred Sisley
Saint-Mammès et les coteaux de Veneux-Nadon, matin de septembre, 1884
Huile sur toile, 54 × 72,5 cm.
© Ordrupgaard, Copenhague. Photo: 

Berthe Morisot
Jeune Fille sur l’herbe. Le Corsage rouge (Mademoiselle Isabelle Lambert), 1885
Huile sur toile, 74 × 60 cm.
© Ordrupgaard, Copenhague. Photo: Anders Sune Berg



http://www.gianadda.ch/210_expositions/163-collection-ordrupgaard/