GLORIA FUERTES: Poema al No

 DÍA DE LA PAZ Y DE LA NO VIOLENCIA

Poema al No

No a la tristeza.

No al dolor.

No a la pereza.

No a la usura.

No a la envidia.

No a la incultura.

No a la violencia.

No a la injusticia.

No a la guerra.

Sí a la paz.

Sí a la alegría.

Sí a la amistad.

RAFAEL CANOGAR

 Rafael Canogar - [I]Realidades [Obras 1949-2024]

La gran exposición Rafael Canogar. [I]Realidades [Obras 1949-2024] repasa 75 años de creación del artista, nacido en Toledo en 1935. Centro Centro despliega una mirada a toda su carrera, caracterizada por la intensidad de su dedicación a la pintura. El pintor sigue en activo, lúcido, jovial, en plena forma y asegura que "la aventura del arte ha dado sentido a mi vida".

Preguntado por sus 75 años de trayectoria, indica a RTVE.es que para él es "muy normal". "Me parece que han llegado o han ido demasiado deprisa. Ha sido un largo recorrido, pero bellísimo. Me ha permitido tener grandes emociones y también dificultades, la parte del camino que forja al hombre", resume.

La muestra del Palacio de Cibeles reúne cerca de cincuenta obras: pinturas, collages y relieves escultóricos, que abarcan desde sus primeros trabajos de 1949, hasta su obra más reciente, fechada en 2024 (ver arriba). La mayoría de las piezas proceden de su colección personal y no habían salido nunca de su taller, junto a préstamos de colecciones privadas o de instituciones públicas como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Con respecto a la edad, Rafael Canogar cumplirá 90 años el próximo 17 de mayo, apunta que cuando se sorprenden por su edad, él se sorprende también porque "ni me había dado cuenta" y sigue con rigor la regla de Clint Eastwood: "No dejar entrar al viejo".

El único superviviente del grupo El Paso (1957-1960) sostiene que fueron eficaces en suscitar el interés hacia el arte contemporáneo, en una España que, tras la Guerra Civil, se había quedado desconectada de las vanguardias. Recuerda el nacimiento del "primer Museo de arte contemporáneo de este país, que era un patio en la Biblioteca Nacional, un espacio bellísimo que montó José Luis Fernández Ramos, casi sin presupuesto y con mucha precariedad".

La pintura incluye a la escultura

Para Canogar, la escultura es otra dimensión de la pintura: "A finales de los años 60, cuando dejé el informalismo y quise utilizar las imágenes de los medios de comunicación. Yo quería que ese hombre cosificado, protagonista en mi obra, saliese de las dimensiones de la tela para invadir el espacio del espectador". Necesitó "el bulto en esa tercera dimensión como parte de una pintura más expresiva" y así superar la compartimentación de la creatividad en pintura, escultura o fotografía.

En la exposición, se puede contemplar Escena urbana, 1970, un obra de gran formato de cinco metros de largo, que -según cuenta a RTVE.es el comisario de la muestra, Alfonso de la Torre- ha influido a un artista contemporáneo tan conocido como Banksy.

La retrospectiva se articula en cinco capítulos que van de lo representativo y lo abstracto, de ahí lo de [I]Realidades. La primera sección es "Naturaleza, que me has conmovido" que muestra un extraño paisaje de 1949, encontrando otras miradas abstractas recientes, pinturas de grandes formatos evocadoras de la naturaleza.

Prosigue un recorrido cronológico con los títulos: "Circa 1957. La materia y el signo: el arte otro"; "Circa 1968. Realeza secreta del dolor" y "Abstracciones y construcciones: circa los ochenta". La exposición concluye con una vuelta a la década de los cincuenta, una tríada de pinturas evocadoras del mundo de Paul Klee y Joan Miró: "1954-1955. Klee y Miró, mágicos", algo que el comisario considera "uno de los momentos más amables de la exposición".

De la Torre señala que la última exposición institucional sobre Rafael Canogar fue en 2001 en el Reina Sofía y, por tanto, un tercio de su carrera como artista estaba pendiente de revisarse. Considera que "las figuras realistas hablan de sentimientos abstractos como la solidaridad, la amistad y el dolor. Y se aprecia una cierta fluencia, en el sentido de que desde el primer cuadro, en 1949 hasta el último 2024, se aprecian constantes comunes".

El comisario detalla que la pintura de Canogar se caracteriza por "abstracción y pasión por el color, una cierta espiritualidad en sus obras, la búsqueda de cierta trascendencia, que se escapa de la mera investigación formal sobre el color".

En torno a los años 70, el creador pasa un ciclo realista, que trasciende la épica social del contexto para reflexionar sobre la condición humana. Después, Canogar transformaría sus cuadros en espacios de investigación pictórica entre lo geométrico, lo monocromo y lo textural, hasta llegar a la esencia de ser de pintor.

Cuestionado sobre el arte urbano, Canogar apunta que "la tecnología también ha puesto herramientas en las manos de los creadores y es lógico que se esté creando un arte nuevo. Hay espacios físicos de unas dimensiones donde la pintura tiene poco papel y esas herramientas permiten hacer grandes montajes lumínicos en movimiento. En su momento, ya lo hizo Bernini con la columnata en Roma. Ahora mismo, esos artistas cumplen la misión de mejora de los espacios públicos".

Académico numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1996, su hijo Daniel Canogar, ingresó el pasado año en la misma institución.

Ante el dilema de elegir un solo cuadro, Rafael Canogar contesta que "son todos hijos míos", pero puesto en la tesitura de tener que salvar una de sus obras de un incendio se decanta por "la Pintura número 27, que pertenece al Reina Sofía y que fue uno de los grandes cuadros de aquellos momentos, del año 58".

Las obras de Rafael Canogar forman parte de las colecciones de museos internacionales, como el MoMA de Nueva York, Pasadena Art Museum, Hamburg Kunsthalle, Museo Rufino Tamayo de Ciudad de México, Museo de Arte e Historia de Ginebra, Museum of Ateneum de Helsinki y el MNCARS. En 2024, se inauguró en Toledo el Espacio Rafael Canogar también comisariado por De la Torre.

El Palacio de Cibeles acoge una muestra imprescindible de un artista que a sus 89 años que sigue "soñando con cuadros".

Fuente: https://www.rtve.es/noticias/20250129/rafael-canogar-repasa-75-anos-carrera-aventura-arte-dado-sentido-vida/16424876.shtml

Retrospectiva de Rafael Canogar

La exposición Rafael Canogar. [I]Realidades [Obras 1949-2024]  está comisariada por Antonio de la Torre
Fechas: Del 30 de enero al 18 de mayo.
Lugar: Centro Centro, planta 5, Plaza de Cibeles, 1, Madrid.
Entrada gratuita.

Escena urbana, 1970. Construcción en poliéster y fibra de vidrio pintada al óleo sobre tabla.
MNCARS © Rafael Canogar, VEGAP, Madrid, 2025

EL PÚBLICO - FEDERICO GARCÍA LORCA

El público, de Federico García Lorca, versión de Gabriel Calderón para la Comedia Nacional de Montevideo dirigida por Marta Pazos.

Hace mucho que no iba al teatro y me maravillaba con lo que estaba viviendo. Todo lo que pasa en escena (dentro y fuera del escenario) es excelente: la dicción de los actores, su expresión corporal, los decorados, el escaso attrezzo, la escenografía toda; el vestuario es magnífico, sorprendente, la voz y la canción de la actriz. Me ha gustado todo. A medida que avanzaba la obra, me preguntaba cómo habrían sido capaces de aprender este texto; un texto sin mucha cohesión, no hay casi ni principio ni fin y lleno de metáforas surrealistas; algunas de las imágenes que Lorca utilizó en su poesía como la luna o los jinetes, están presentes en la obra y todo ello junto, como corriente cautivadora del espectador, porque esta obra nos deja sin aliento, no hay detalle que no tenga significado, no hay elemento que no contribuya a colocarnos en el mundo de lo sensorial por encima de todo lo demás. 

Ya desde el principio, la ficción manda: Julieta se suicida, asistimos al final de la tragedia y el público, (nosotros), tiene que aplaudir. Parece inocente, pero no, porque el público ya está captado en la obra y, a partir de este instante, no se puede salir hasta el aplauso final que fue apoteósico, su mismo título lo dice, El publico y se hace honor a él . Si esto fuera una novela, podríamos decir que tiene una estructura circular porque se termina igual que empieza, no sé si se puede aplicar al teatro. Esta obra es una obra global, total, como las óperas y casi estuve a punto de no ir.

Compré las entradas en Navidad y, una semana antes del estreno, me enviaron un correo diciendo que se posponía el estreno de la obra porque, a causa del tráfico marítimo, la escenografía había llegado con retraso y que habían programado otras fechas. Si no decías nada te devolvían el dinero. En vez de buscar una nueva función, lo dejé pasar porque me empezó a entrar pereza. Sin embargo, al cabo de unos días, me llamaron por teléfono para comunicarme lo que había pasado y sugerirme un cambio de fechas. No pude decir que no, o no supo y dije que sí que iría, y ¡qué bien! porque ha sido estupendo.

Esto es todo lo que puedo decir porque todavía no he podido leer la obra, a ver cuando la busco y la leo.

Guillermo Saccomanno,Premio Alfaguara de Novela 2025,"Arderá el viento"

El escritor argentino Guillermo Saccomanno (Buenos Aires, 1948) se ha alzado con el Premio Alfaguara de Novela 2025, en su vigésima octava edición, por Arderá el viento. La novela ganadora llegará a las librerías el 20 de marzo.

El jurado, presidido por el escritor colombiano Juan Gabriel Vásquez y reunido este jueves en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, ha destacado que la novela es "una cuidadosa construcción de un deterioro" y "una metáfora distorsionada del espíritu de nuestro tiempo".

El premio, uno de los más importantes otorgados a una obra inédita en español al que concurrían 725 manuscritos presentados desde España (322), Argentina (93), México (110), Colombia (89), Estados Unidos (38), Chile (27), Perú (25) y Uruguay (21).

Saccomanno ha tomado el relevo a Sergio del Molino, ganador el año pasado con Los alemanes y con anterioridad el premio recayó en Gustavo Rodríguez, por Cien Cuyes (2022), Cristian Alarcón, con El tercer paraíso (2021), Pilar Quintana, con Los abismos (2020) y Guillermo Arriaga, con Salvar el fuego (2019).

Fuente: https://www.rtve.es/noticias/20250123/guillermo-saccomanno-premio-alfaguara-novela-2025-ardera-el-viento/16419579.shtml

Para el bien común

Hay diversidad de carismas, pero un mismo Espíritu; hay diversidad de ministerios, pero un mismo Señor; y hay diversidad de actuaciones, pero un mismo Dios que obra todo en todos.

Pero a cada cual se le otorga la manifestación del Espíritu para el bien común.

Y así uno recibe del Espíritu el hablar con sabiduría; otro, el hablar con inteligencia, según el mismo Espíritu. Hay quien, por el mismo Espíritu, recibe el don de la fe; y otro, por el mismo Espíritu, don de curar. A este le ha concedido hacer milagros; a aquel, profetizar. A otro, distinguir los buenos y malos espíritus. A uno, la diversidad de lenguas; a otro, el don de interpretarlas.

El mismo y único Espíritu obra todo esto, repartiendo a cada uno en particular como él quiere.

(Corintios 12,4-11)

Henri Cartier-Bresson. Watch!, Watch!, Watch!

Henri Cartier-Bresson

Watch!, Watch!, Watch!
Del 11 de octubre de 2024 al 26 de enero de 2025

Testigo clave de la historia del siglo XX, el fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson (1908-2004) fue conocido como el “ojo del siglo”. Observador paciente y silencioso, pero al mismo tiempo ágil y expeditivo, el artista captaba escenas de personas y de acontecimientos con su cámara Leica compacta de 35 mm. Con una obra diversa y variada, la exposición que presenta la Fundación MAPFRE al cumplirse veinte años de su fallecimiento recorre toda su trayectoria: desde sus inicios, influido por el surrealismo y la Nueva Visión, pasando por el fotorreportaje -donde destacan algunos de sus reportajes menos conocidos de la década 1960- hasta la obra intimista de sus últimos años. Se desgrana de esta manera el trabajo de Bresson mucho más allá del concepto de “instante decisivo” que le hizo famoso.

Por otra parte, la muestra pone también de relieve la dimensión política de su trabajo, un aspecto que en general hasta ahora había quedado relegado por la atención hacia su predilección por la geometría y la teoría del “instante decisivo”.

Las 240 copias originales de plata en gelatina pertenecientes a la Fondation Henri Cartier-Bresson de París que componen la exposición se acompañan de una selección de sus publicaciones en revistas y libros, además de una película y dos documentales realizados por el propio Cartier-Bresson.

Comisario: Ulrich Pohlmann.

https://kbr.fundacionmapfre.org/exposiciones/henri-cartier-bresson/

JULIO CORTAZAR - HAPPY NEW YEAR

  ‘Happy New Year‘…                                                                        

Mira, no pido mucho,

solamente tu mano, tenerla

como un sapito que duerme así contento.

Necesito esa puerta que me dabas

para entrar a tu mundo, ese trocito

de azúcar verde, de redondo alegre.

¿No me prestas tu mano en esta noche

de fin de año de lechuzas roncas?

No puedes, por razones técnicas.

Entonces la tramo en el aire, urdiendo cada dedo,

el durazno sedoso de la palma

y el dorso, ese país de azules árboles.

Así la tomo y la sostengo,

como si de ello dependiera

muchísimo del mundo,

la sucesión de las cuatro estaciones,

el canto de los gallos, el amor de los hombres.

CUATRO EXPOSICIONES Y UN DESENCANTO

Estas navidades, he podido pasar por Madrid e ir a ver algunas de las exposiciones que me interesaban en torno a la obra de Goya. La jornada no empezó muy bien, porque salimos con veinte minutos de retraso que, a lo largo del recorrido, aumentó a 28 ¡los trenes y los retrasos en estas fiestas! Después, no continuó mejor. Cuando llegué, fui al Museo del Prado a ver la exposición “Sigmar Polke. Afinidades desveladas” que pretende poner de relieve la influencia de Goya en este pintor alemán; pero cual fue mi sorpresa que, estando ya para pasar a las taquillas a sacar mi entrada, una de las señoras de seguridad me dijo que no podía entrar porque llevaba una maletita. Ante mi asombro, insistí porque ya había venido otras veces con equipaje y lo pude depositar en el guardarropía. No hubo argumento mío que hiciera variar el de las tres señoras de seguridad. Les pregunté que si esta nueva norma de que por las fiestas no se aceptaban equipajes aparecía en la página web del museo y me dijeron que no, cosa que todavía entendía menos. El caso es que no me dejaron entrar. Me marché muy contrariada porque parte del motivo de pararme en Madrid era ver esta exposición. Apesadumbrada, fui a ver la otra exposición sobre Goya, la de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Me encanta este sitio. Me encanta el edificio, Goya, y el personal, son super amables, el trato es magnífico e intentan ayudarte en todo lo que pueden. La exposición de Lita Cabellut inspirada en los Disparates de Goya, está bien y sorprende. Cada cuadro de la artista es una ampliación de alguno de los detalles que podemos ver en los Disparates de Goya. Me gustó, pero me gustan todavía más los Disparates propiamente dichos que se pueden admirar al fondo de la misma sala. ¡Qué violencia! ¡Qué escatología! ¡Qué fealdad de la vida y la de los hombres! y sin embargo, te quedas enganchada delante de estos grabados y de sus planchas. No es la primera vez que los veo, pero no se agotan. 

Luego fui a la Fundación Mapfre. Siempre he visto muy buenas exposiciones allí, pero esta vez, de las tres que vi, solo una me gustó mucho que fue la del fotógrafo Weegee.
La de 31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim. Está bien, pero no es espectacular, me esperaba más. De todos modos, llama la atención que, en aquellos años, Peggy Guggenheim quisiera dar protagonismo a estas 31 pintoras de su época; me llama la atención la valentía de Peggy Guggenheim por haber decidido hacer una exposición solo de mujeres.

Siguiendo la labor de otro mecenas, está la otra exposición: Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo en la que se incluye algunos cuadros de los pintores impresionistas tardíos que él apoyó y difundió aunque no llegaron a alcanzar la fama de Monet, Renoir o Pissarro y se entiende muy bien por qué.

No me pude entretener en la tienda, se hacía la hora de volver a coger el tren. 

Esto fue todo lo que me dieron de sí estas horas que pasé en Madrid. 

Weegee. Autopsia del espectáculo

La obra de Arthur H. Fellig, Weegge (Zólochiv, Ucrania 1899-Nueva York, 1968), encierra en cierto sentido un enigma que esta exposición pretende desentrañar. Sus fotografías del hampa y los círculos marginales de la noche neoyorquina de los años 1930 y 1940 alcanzaron en seguida un amplio reconocimiento internacional. Pero no ocurrió lo mismo con las fotografías que realizó tras instalarse en Hollywood en 1948: imágenes de la alta sociedad californiana y la vida social de las grandes celebridades del cine, a quienes retrata de forma casi siempre marcadamente irónica o satírica, a veces (es el caso las “fotocaricaturas”) como resultado de su trabajo posterior en el laboratorio. En su momento, la crítica recalcó la radical oposición entre uno y otro periodo, en un juicio que abiertamente ensalzaba al primero y desdeñaba las imágenes del segundo. En esas fotografías de su experiencia californiana (1948-1951) Weege expresaba su visión crítica de la sociedad y la cultura desde una perspectiva que se adelantaba a los conocidos análisis culturales y sociales en torno “la sociedad del espectáculo” (Guy Debord).

Weegee. Autopsia del espectáculo pretende mostrar la profunda coherencia que, más allá de sus diferencias estilísticas y temáticas, enlaza esas dos etapas, así como poner de relieve la actualidad de la mirada crítica desde la que las imágenes de Weegee muestran los rasgos y mecanismos de nuestro tiempo como “sociedad del espectáculo”.

Exposición comisariada por Clément Chéroux, director de la Fondation Henri Cartier-Bresson.

Exposición organizada por Fondation Henri Cartier-Bresson en colaboración con Fundación MAPFRE.

https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/weegge-exposicion-autopsia-espectaculo/

Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo

En 1865, Paul Durand-Ruel (1831-1922) se hizo cargo de la galería que había fundado su padre Jean. Con los años, se convirtió en uno de los marchantes más conocidos de París. Dedicó gran parte de su vida a la protección y defensa del arte moderno frente a aquellos que abogaban por una pintura de carácter académico.

Durand-Ruel apoyó primero a pintores como Eugène Delacroix y Gustave Courbet, así como a la llamada «Escuela de Barbizon» (Camille Corot, Charles-François Daubigny o Jean-François Millet, entre otros), para emprender poco después su empresa más afamada: la promoción de los artistas impresionistas, entre ellos, Claude Monet, Auguste Renoir y Camille Pissarro. En la última década del siglo XIX Durand-Ruel se embarcó en una nueva (y menos conocida) aventura: dar apoyo y difusión a una nueva generación de pintores, la formada por Albert André, Georges d’Espagnat, Gustave Loiseau, Maxime Maufra y Henry Moret.

Herederos del impresionismo, trabajaron en un contexto artístico agitado y estimulante, en que convivían las personales propuestas de Van Gogh y Cézanne, la experimentación neoimpresionista de Georges Seurat y Paul Signac o las investigaciones sintetistas de Paul Gauguin. Aunque han sido tradicionalmente catalogados como ‘generación postimpresionista’, su obra muestra diversas tendencias, desde la afinidad al impresionismo de los paisajistas Moret, Maufre y Loiseau a la preferencia por las escenas de género, los retratos y la pintura decorativa de D’Espagnat y André.

Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo quiere, por un lado, dar a conocer la figura de este extraordinario marchante y mecenas; por otro, contextualizar y poner en valor la obra de los cinco artistas “postimpresionistas” por los que apostó y otorgarles el puesto que merecen en la historia del arte.  

                                                                           Comisaria: Claire Durand-Ruel Snollaerts.

https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/paul-durand-ruel-impresionismo/

Exhibition by 31 Women - 31 mujeres.Una exposición de Peggy Guggenheim

En 1943 la célebre coleccionista de arte Peggy Guggenheim organizó, en su galería neoyorkina “Art of This Century”, una de las primeras muestras en Estados Unidos en la que se exponía íntegramente obra realizada por mujeres, europeas y norteamericanas bajo el título Exhibition by 31 Women. La muestra fue concebida por Guggenheim en cola­boración con Marcel Duchamp, y la selección de artistas estuvo a cargo de un jurado entre cuyos miembros se encontraban André Breton, Max Ernst o el propio Duchamp. Guggenheim, en su calidad de única mujer del jurado, ocupaba una posición privilegiada para aportar una perspectiva femenina al proceso.  Estas mujeres, ligadas en su mayoría al surrealismo o a la abstracción, mantuvieron con ambas tendencias una posición ambigua. En muchos casos se sirvieron de estos lenguajes para reformularlos y cuestionarlos, manteniendo su independencia y poniendo de relieve los presupuestos patriarcales en los que estos movimientos se asentaban. 31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim presenta una selección y reinterpretación de aquella iniciativa, incluyendo a todas las artistas que estuvieron presentes en la histórica muestra. Con ella la Fundación pretende no sólo recordar la importancia de la labor y la visión de Peggy Guggenheim, una de las mecenas y coleccionistas más relevantes del siglo XX, sino contribuir también a dejar atrás el relato que ha tendido a valorar la aportación de estas mujeres en función de su relación con los artistas de sexo masculino, poniendo de relieve, por el contrario, las redes de colaboración, solidaridad y amistad que construyeron entre ellas.

Comisaria: Patricia Mayayo.

"MÍSERA HUMANIDAD, LA CULPA ES TUYA"

Inspirada en los Disparates de Goya, la artista multidisciplinar Lita Cabellut presenta esta exposición en la que se muestran las miradas de ambos artistas sobre la condición humana, expresados a través de lenguajes artísticos diferentes.

En Goya x Lita Cabellut. Los Disparates. “Mísera humanidad, la culpa es tuya”,  los Disparates de Goya y las piezas de Cabellut, meticulosamente dispuestos, lejos de ser una simple exhibición visual, se presentan como una inmersión intelectual que desafía al observador a explorar las sinergias subyacentes, históricas y culturales entre los trabajos de estos dos artistas, estimulando así una apreciación más profunda y participativa de la riqueza conceptual que emana de este diálogo artístico.

Este encuentro con Goya ha llevado a Lita Cabellut, desde la humildad, a entender que las preocupaciones y las inclinaciones conceptuales, estéticas y emocionales del maestro aragonés siempre estuvieron presentes en su obra desde sus inicios. Esta amalgama de pensamientos y formas visuales se presenta como una travesía, donde se desentraña la esencia de la creación artística y se abraza la complejidad inherente a la comprensión estética.

La intrincada sinfonía dialéctica entre dos creadores de distintas épocas resalta la complejidad del proceso intelectual que subyace en la interpretación de sus obras. La confluencia conceptual y artística entre estas dos expresiones es un terreno fértil para la indagación profunda de la esencia de la exposición, cuya elaboración implica la convergencia de ambos pensamientos arbitrarios y la síntesis de códigos no tan evidentes, desafiando así la capacidad cognitiva del espectador, pero al mismo tiempo con un estímulo sensitivo evidente.

En palabras del comisario de la exposición, Eloy Martínez de la Pera: “Dos miradas que analizan el alma del ser humano. Diálogos entre Goya y Cabellut. Ellos nos hablan de miedo, de envidia, de amistad, de amor, de violencia, de ideología, de política, del caos, de la vejez, de ambición, de poder, de lealtad. Y lo hacen arrojando luz sobre estos conceptos. Una luz metafórica que nos acompaña a adentrarnos en la condición humana, y una luz plástica esencial para entender su forma de ‘entender’ el arte.”

Lita Cabellut (1961, España) es una artista de campo amplio que vive y trabaja en los Países Bajos, donde fue reconocida Artista del Año 2021. Su condición de artista en plenitud hace que su actividad artística se desarrolle en múltiples disciplinas. Es reconocida por ser la tercera artista española más cotizada y sus trabajos han sido expuestos en numerosos museos alrededor del mundo.

https://www.realacademiabellasartessanfernando.com/actividades/exposiciones/goya-x-lita-cabellut-los-disparates/

Niña Pastori - ¡Hoy Es Navidad!

EL MISANTROP

El Teatre Lliure presenta El misantrop, una nueva versión del clásico de Molière dirigida por David Selvas y protagonizada por Pol López y Mireia Aixalà. Ambientada en una empresa discográfica, el nuevo montaje de La Brutal explora la hipocresía, la vanidad y la obsesión por las apariencias en un mundo influenciado por las redes sociales.

Después de estrenarse en el festival Grec, el montaje llega a la sala Fabià Puigserver de Montjuic del 4 de diciembre al 4 de enero. La nueva versión se acerca al público a través de un lenguaje actual, la influencia de las redes sociales y la música en directo, pero mantiene la esencia de la comedia original de Molière. "El misántropo es un texto importante que nos pone ante el espejo en relación con la hipocresía, la falta de valores y cómo estos desaparecen", cuenta Selvas.

Pol López y Mireia Aixalà encabezan el reparto como Alceste y Célimène, una pareja en crisis que se enfrenta a las contradicciones de la sociedad moderna. Alceste, un amante de la música desilusionado con la falsedad del mundo que le rodea, busca la verdad a cualquier precio, mientras que Célimène, una mujer ambiciosa y pragmática, se mueve con habilidad en el entorno de la industria musical. A su lado, Laia Alsina, Júlia Genís, Norbert Martínez, David Menéndez, Alex Pereira y Albert Prat completan el reparto.

Selvas ha trabajado junto al dramaturgo Sergi Pompermayer para actualizar la trama y los personajes, dotándolos de una mayor profundidad psicológica. También ha tenido un papel clave la versificación de Pablo Macho Otero, que ha reescrito el verso alejandrino del original con un lenguaje actual, lleno de juegos de palabras y referencias a la realidad de hoy en día.

El espacio sonoro y la música de Paula Jornet y Adrià Jornet también juegan un papel fundamental. A lo largo de todo el montaje, la palabra se mezcla con una banda sonora que contiene grandes hits de la música pop y rock así como temas originales, tocados e interpretados en directo por los mismos actores y actrices. Completan el montaje la escenografía de Alejandro Andújar, el vestuario de Marta Pell.

https://www.teatrelliure.com/es/sala-premsa-el-misantrop

En el título del post pongo solo el título de la obra que fui a ver. Evito poner que es de Molière porque esta obra no es la que escribió el dramaturgo francés ni por asomo. Como ya he dado mi opinión sobre esto que está de moda de "actualizar a los clásicos" no voy a repetirlo porque si tanto me molestara, lo que tengo que hacer es no ir a ver estas versiones, pero es que tengo curiosidad y además, es que voy con la idea de ver otra cosa diferente de lo que dice el título, por lo tanto, puedo disfrutar de la velada sin pensar en el original. 

Debo admitir que la selección musical me gustó, lo demás pues más o menos; me llama la atención eso que dice Macho de que actualizó el lenguaje y que le costó mucho; no lo dudo, pero llenó el texto de tacos, nada que ver tampoco con el decoro del teatro de Molière ni del actual. Los actores gritan mucho.

Afortunadamente, Núria pudo venir a ver la función, aunque, en un principio la había descartado. Un placer pasar un ratito hablando con ella y compartir cultura. Una buena manera de encetar las fiestas de navidad.

MARCAPÁGINAS LII - OTOÑO

Durante estos meses, he leído lo que me ha caído en las manos porque estos tres libros los he encontrado en la biblioteca. Del primero y el tercero, no conocía a los autores y han sido cortos, del segundo sí conocía a la autora y es un poco largo, pero se lee bien.

Le Violon de faïence - El violín de fayenda,  de Champfleury (Jules-François-Félix Husson -1821-1889-). Una novela corta, de mensaje moral propio de la literatura decimonónica. Cuenta la historia de dos amigos, uno culto y refinado que se dedica a coleccionar objetos de fayenda, de loza fina. Su amigo no sabe nada de este tema y le promete que, nada más volver a su pueblo, buscará objetos de fayenda y se los enviará. Así lo hace durante un tiempo hasta que se da cuenta de que él mismo podría ser un gran coleccionista dada la calidad de las piezas que va encontrando. Empieza a mandar piezas de menor calidad y su amigo decide ir él mismo a buscar las piezas en su ciudad. Lo recibe en su casa y esconde lo que ha encontrado para que su amigo no sepa lo que ocurre. A partir de aquí, la historia va trazando su desenlace con moraleja. Es una historia no muy complicada de resolución pero lo suficientemente bien armada para transmitir el mensaje con sentencia que el autor quiere.

Ojo de Gato - Cat's Eye de Margaret Atwood. "Ojo de gato" es la historia de Elaine Risley, una pintora que regresa a la ciudad de su infancia, Toronto porque le han organizado una exposición de toda su obra. Esta circunstancia le sirve para recordar su infancia cuando su familia se instaló en Toronto. Una parte importante de la historia la ocupa la relación que mantuvo con tres niñas, a las que consideraba sus amigas: Carol, Grace y Cordelia, pero ellas le hicieron la vida imposible hasta un punto intolerable. Después de unos momentos en lo que su vida corrió auténtico peligro que obligó a su madre, por fin, a tomar cartas en el asunto, pudo dejarlas de lado y evolucionar con su propia personalidad y bien, a pesar de que, al principio, parecía que las triunfadoras iban a ser estas otras niñas. 

Ella siempre pensó que lo que le hacían, no lo hacían por maldad, sino que reproducían comportamientos, especialmente Cordelia, con la que volverá a retomar el contacto en el instituto y después también. Esta parte del relato es angustiosa y creo que, aunque todos, en algún momento, hemos vivido episodios en los que nos importa encajar con las personas de nuestro entorno y, a veces, sufrimos; lo que vive Elaine es muy fuerte, demasiado para una niña tan pequeña. Luego su historia avanza con las relaciones con sus maridos y sus hijos.

Es magistral la manera con la que Margaret Atwood mezcla los momentos del pasado, flashback, con los del presente  y como afectan en el presente  a la vida de Elaine.
Esta novela la vi de casualidad en la biblioteca y me puse muy contenta porque tenía muchas ganas de leer a esta autora. El título y la portada me llamaron la atención y solo hasta después de llevar un tiempo de lectura  no entiendes el porqué del título y es magnífico. 

Esta novela me ha encantado, Atwood tiene una manera muy personal de narrar; la historia se nos presenta de forma continua, parece que estuviera hablando. Es fantástico.

Hasta el momento, he leído a tres escritoras canadienses: Alice Munro, Margaret Atwood y Mavis Gallant y las tres me gustan mucho. 

Una familia en Bruselas de Chantal Akerman. Este libro lo cogí de la biblioteca y, aunque me había prometido no sacar ninguno más, lo cogí porque es pequeño y me hizo gracia el título, también porque no conocía a la autora que, al parecer, es bastante conocida como autora teatral. Es un libro muy personal y una narración continua casi reflejo de los pensamientos interiores. El narrador cambia y, sin embargo, uno parece asistir a la representación de un monólogo.

Estos tres han estado los libros que he leído durante estos meses. Han sido un poco particulares estas novelas que he leído y todas cogidas al azar. Es lo que tiene ir a la biblioteca que los libros te encuentran.

CHANTAL AKERMAN - Una familia en Bruselas I Une famille à Bruxelles

Si lo piensa se pone a pensar en todo aquello en lo que se prohíbe pensar. Se le da muy bien no pensar en lo que no quiere pensar o más bien procura que se le dé bien, lo intenta y es agotador. Por eso siempre está muy cansada.

En un apartamento de Bruselas, frente a la parada del tranvía, hay una mujer que acaba de perder a su marido. No tiene apetito. Fuma en el baño. Sus hijas viven lejos. A menudo habla por teléfono. Hace tiempo, el amor de sus seres queridos le calentaba los huesos.
Este es el monólogo crudo y dulce de una mujer herida —la madre de Chantal Akerman, figura clave en la vida y la obra de la autora, quien salió viva de Auschwitz con quince años—. Un murmullo atropellado en el que se dice todo aun cuando parece no decirse nada. Las frases se hilvanan y la narración de la madre se vuelve la de su hija, como si esta se hallase cosida a su progenitora.
Una familia en Bruselas es un relato sobre el duelo, la soledad, la memoria. Chantal Akerman, pionera del cine experimental y feminista europeo, hace aquí, como en sus películas, un elogio a lo cotidiano en el que lo dramático y lo mundano se confunden. Porque, como recuerda la autora, «No hay nada que decir, decía mi madre, y es sobre esa nada sobre la que yo trabajo».
El texto, que recuerda por su estilo obsesivo a El amante de Marguerite Duras, trasciende la experiencia personal en favor de una honda reflexión sobre la pérdida y la unidad familiar.