"EL SABER SE DEBE TANTO AL INGENIO COMO AL GUSTO."









viernes, 31 de mayo de 2019

TODAS LAS NOCHES DE UN DÍA


Rodeado de urbanizaciones, en algún lugar cerca de nosotros, sobrevive un viejo jardín con su invernadero. Pero ha pasado mucho tiempo desde que los vecinos vieron por última vez a Silvia, la dueña de la casa. Allí sólo queda Samuel, el jardinero, afanado en preservar ese rincón olvidado. 
Todas las noches de un día comienza cuando la policía acude a la casa para intentar descubrir el paradero de Silvia. Empieza entonces un combate entre la vida y los recuerdos, entre el amor y sus fantasmas.

** El pasado volvió a presentarse hoy y me he dado cuenta de que, ahora, en estos momentos, soy lo que soy, y sé de lo que siempre quise saber : de literatura, de cine, de teatro, de pintura,  de escultura,... y que probablemente sea así porque no me ocupo de las mismas cosas a las que antes dedicada mucha energía, y saber lo que sé, me gusta, me permite compartir aunque, como todo en la vida, también tiene su reverso.

Autor: Alberto Conejero
Dirección: Luis Luque
Productor: Jesús Cimarro 
Con: Carmelo Gómez y Emi Ecay
Espacio escénico: Monica Boromello
Vestuario: Almudena Rodríguez 
Iluminación: Juan Gómez-Cornejo 
Composición original: Luis Miguel Cobo.

Las primeras funciones tuvieron como protagonista a Ana Torrent, pero se indispuso y le sustituyó Emi Ecay. ¡No sé cómo le ha dado tiempo a aprenderse el texto en una semana! 
El texto e muy poético. 

miércoles, 29 de mayo de 2019

ZÓBEL-CHILLIDA. CAMINOS CRUZADOS



Tanto Zóbel como Chillida iniciaron su desarrollo artístico desde una cierta soledad y en un contexto difícil. A principios de la década de los cincuenta Chillida concibió sus primeras esculturas en yeso y piedra, que desembocarían posteriormente en obras como Lurra-16 (Tierra-16) (1978), Lurra G-326 (Tierra G-326) (1995) o Lurra M-20 (Lurra M-20) (1995), que conservan y repiensan la corporeidad y el repliegue de formas características de aquellas figuras primeras. Paralelamente, Zóbel transitaba entre la figuración y la abstracción después de haber tenido la ocasión de contemplar el desarrollo del expresionismo abstracto.

A partir del descubrimiento de la obra de Rothko en 1955, Zóbel redujo el contenido de sus cuadros a lo esencial, tanto en la composición y la temática como en el uso del color. Esto daría lugar a las Saetas y a sus primeras pinturas de restricción cromática, conocidas bajo el nombre genérico de Serie Negra, de la que forman parte algunas de las obras expuestas, como Aquelarre (1961) o Segovia II (1962). Alfonso de la Torre nos hace notar que: ‘‘En las Saetas pareciere Zóbel coincidir con Chillida, en el aspecto del trazo escritural negro elevado en el lienzo, derivando ambos sus búsquedas a una cierta grafía que tentara comprender nuestra conciencia, el ritmo del transcurrir. […] Pueden comprenderse como acordes visuales que tiemblan entre la levedad y la gravedad, en movimiento […]’’. Fue su paso definitivo a la abstracción.

El artista hispanofilipino evolucionó hacia el estudio de la luz y la evocación del recuerdo, tanto el propio como del espectador. Él mismo explicaba que: “[…] esencialmente estoy hablando de la luz, de formas grandes y de formas pequeñas, de lo que está lejos y de lo que está cerca. Sobre todo creo que hablo de recuerdos”1. Las obras de esta segunda época se caracterizan por la reintroducción del color —ahora simbólico—, que constituye la base para la construcción del cuadro. En piezas como Canción protesta III (1968) podemos ver cómo las formas emanan de su coloración y se desdibujan hasta fundirse con el fondo, de tonos más claros y cada vez más neutros, que acabarían dando lugar a la denominada Serie Blanca, a la que pertenecen obras como La plazoleta (1975).

La luz fue también uno de los grandes temas en las obras de Chillida. En su caso son juegos de materia y vacío en los que la luz nace, incide y se convierte en generadora de espacios y volúmenes. Además de las lurra, también puede observarse en las obras expuestas en acero como Yunque de sueños XIX (1998), Besarkada V (Abrazo V) (1991) o el bronce Hierros de temblor III (1957). Sin duda, el tratamiento que hicieron de esta luz y la delicadeza de sus creaciones hace que éstas contengan un alto valor poético.


** Sobre esta exposición me enteré de forma casual y me trajo a la memoria muchos recuerdos. A Chillida lo conocí cuando, al lado de la iglesia de San Pablo de Valladolid, pusieron una de sus esculturas. Hace muchos años de eso. Cuando pasaba por allí, me llamaba mucho la atención, la manera que este escultor tenía de retorcer el material, pero sin violencia porque su escultura es abierta.
De Zóbel, no recuerdo bien el momento en el que supe quién era, pero si recuerdo la magnífica exposición que vi, hace 10 años, en Cuenca, en el Museo de arte AbstractoRecuerdo que fue una iniciativa mía y que al final, me regalaron un sobre con  unas preciosas acuarelas de Fernando Zóbel, que guardo con mucho cariño, a pesar de todo. Con esta exposición, el pasado que vuelve de nuevo, aunque no del todo, -menos mal- porque de Zóbel no había vuelto a ver nada expuesto y este encuentro con Chillida y algunas de sus obras, me parece todo un acierto, especialmente porque aquí  el tamaño de las piezas del escultor lo hace más humano y menos frío. La vida pasa, los recuerdos reviven y el arte queda. 


viernes, 24 de mayo de 2019

ORSINI





Orsini: Una boda en la Cerdaña, una boda de lujo, en un entorno idílico. Una boda donde los invitados son testigos de una puesta en escena donde no falta de nada. Los novios han preparado una fiesta que es una serie de sorpresas, para que los invitados no tengan un momento de reposo.

Nico, Celia y Guillem huyen de la fiesta y la aglomeración para ir a un prado, cercano a la zona de celebración. Poco después se añade Victoria, una camarera que está en su rato de descanso. Los cuatro entran en un juego donde nadie es lo que parece ... y nos hacen entrar en un juego donde nada es lo que parece.
La Cerdaña parece ser un espacio donde se mezclan puertas a otros momentos de la historia y puertas a otras realidades paralelas. Nico, Celia, Guille y Victoria van por el momento histórico en momento histórico sin romper en ningún momento el hilo del tiempo. Pasan de realidad a realidad, haciendo que cada una de ellas sea la que cuenta en el momento en que están. El montaje consigue que diferentes momentos históricos y diferentes realidades convivan simultáneamente. Teatro que rompe la cuarta pared, teatro dentro del teatro, dentro del teatro ... Una pirueta peligrosa y difícil que, Orsini, sale perfectamente.
Victoria, la camarera, o el anarquista, o la niña que trabaja en una fábrica .. Nico, él, o ella, o que quiera ser ... Guillem, que cuenta historias y no se sabe cuál es cierta y cuál no ... Celia , la actriz de éxito que es "artificial" ... cuatro personajes que se mueven por todas las realidades y se adaptan a cada una de ellas, a veces, con dudas, a veces asumiendo todo.

Y el público también forma parte de este montaje. El público que es el TNC, o quizás es el Liceo, o tal vez es en una asamblea anarquista, o tal vez es testigo de que nada es lo que parece.

Orsini nos habla de la mentira instaurada en nuestras vidas . De lo que no es y damos por bueno. De la Historia, de la que sabemos, la que creemos que sabemos ... y la que nos han vendido.

Orsini habla de dos atentados, el del Liceo , el 7 de octubre de 1893 ... y del atentado del 17 de agosto de 2017. Dos atentados muy diferentes que sólo coincidieron en la zona. Las víctimas, la forma de actuar, los medios ... todo fue diferente. Pero, en ambos casos, la vida continuó al día siguiente. En el 1893 las fábricas volvieron a ponerse en marcha. El 18 de agosto, una pareja adinerada, compra el uso de un paisaje natural para celebrar su propio montaje teatral.

Xicu Masó ha dirigido con mucho conocimiento tiene una obra que podría ser envuelta y difícil de seguir, y hace que los giros temporales y espaciales sean sorprendentes, pero no fuera de lugar. La escenografía elegida, una escenografía que es dentro de una escenografía, que es dentro de una escenografía ... una espiral que parece que no se acabe, es una decisión muy acertada. Y el juego entre ser dentro del escenario o fuera, o platea, le da mucha vida al montaje.


http://www.espectaculosbcn.com/orsini-tnc/


jueves, 23 de mayo de 2019

SIRI HUSTVEDT

PREMIO PRINCESA DE ASTURIAS DE LAS LETRAS 2019


Estudiosa e intelectual que se ocupa de las cuestiones fundamentales de la ética contemporánea y la epistemología y conocida también por su militancia feminista, ha contribuido con su obra al diálogo interdisciplinario entre las ciencias y las humanidades. Ha publicado ensayos y artículos en revistas académicas y científicas, entre otras en Contemporary Psychoanalysis, Seizure: European Journal of Epilepsy, Neuropsychoanalysis y Clinical Neurophysiology.



Siri Hustvedt (Northfield, Minnesota, EE. UU., 19 de febrero de 1955), novelista, ensayista y poeta, de orígenes noruegos, se licenció en Historia en el St. Olaf College, doctorándose en 1986 en Literatura Inglesa por la Universidad de Columbia con una tesis sobre Charles Dickens (Figures of Dust. A Reading of “Our Mutual Friend”) en la que ya aparecen sus autores de referencia, entre otros, Kierkegaard, Emile Benveniste, Roman Jakobson, Mikhail Bakhtin, Freud, Lacan, Mary Douglas, Ricoeur o Julia Kristeva. Experta en neurociencia y psicoanálisis, su primera publicación fue un poema en The Paris Review. En 1982 publicó una colección de poesía, Reading to You. Conoció a Paul Auster –Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2006– en una lectura de poemas en 1981 y se casaron al año siguiente.

Estudiosa e intelectual que se ocupa de las cuestiones fundamentales de la ética contemporánea y la epistemología y conocida también por su militancia feminista, ha contribuido con su obra al diálogo interdisciplinario entre las ciencias y las humanidades. Ha publicado ensayos y artículos en revistas académicas y científicas, entre otras en Contemporary Psychoanalysis, Seizure: European Journal of Epilepsy, Neuropsychoanalysis y Clinical Neurophysiology. Su colección de 32 conferencias y artículos pronunciadas y publicados respectivamente entre 2005 y 2011, Living, Thinking, Looking, 2012 (Vivir, pensar, mirar, 2013) es una muestra de su amplio y profundo aprendizaje en varias disciplinas. En ellos desarrolla algunos de sus temas preferidos, relacionados con la literatura, la filosofía, la psicología, el psicoanálisis y las neurociencias.

Traducida a más de treinta idiomas, Hustvedt publicó en 1992 su primera novela, The Blindfold (Los ojos vendados) y con su tercera obra, What I Loved (Todo cuanto amé, 2003) consiguió renombre internacional. En 2010 publicó el ensayo The Shaking Woman or A History of My Nerver (La mujer temblorosa o la historia de mis nervios, 2010). Muy interesada también por la pintura, ha impartido charlas sobre este tema en el Museo del Prado y en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y ha publicado un volumen de ensayo, Mysteries of the Rectangle: Essays on Painting (Los misterios del rectángulo, 2005). Otras obras suyas son The Enchantment of Lily Dahl (El hechizo de Lily Dahl, 1996), The Sorrows of an American (Elegía para un americano, 2008), The Summer Without Men (El verano sin hombres, 2011), The Blazing World (Un mundo deslumbrante, 2014), Reading to You, 1983 (Leer para ti, 2007), Yonder (En lontananza, 1998) y A Plea for Eros, 1997 (Una súplica para Eros, 2005). Su último ensayo publicado es A Woman Looking at Men Looking at Women, 2016 (La mujer que mira a los hombres que miran a las mujeres, 2017).

Doctora honoris causa por la Universidad Stendhal de Grenoble (2015), en 2004 recibió el Premio de los Libreros de Quebec por Todo cuanto amé y en 2012, el Premio Internacional Gabarrón de Pensamiento y Humanidades gracias a su labor investigadora y sus ideas sobre filosofía, neurociencia y psicología.

miércoles, 22 de mayo de 2019

LA VIDA - VIEJA CANCIÓN - Eloy Sánchez Rosillo.

Eloy Sánchez Rosillo.
24 de junio de 1948, Murcia




A Rita Guerra Román, toute une vie. 
VIEJA CANCIÓN

He escuchado en la radio, por azar, hace un rato, 
una vieja canción,
una canción romántica que estuvo muy de moda
en la playa, durante los meses de un verano
maravilloso de mi adolescencia.
Muchas veces la oí entonces, junto a alguien
que junio quiso darme y me quitó septiembre.
Mientras la música sonaba,
he sentido en el pecho
la emoción de los días antiguos: tanta luz,
tanta ilusión brotando, tanta vida;
y he cerrado los ojos y he visto a una muchacha
que a través de la niebla del tiempo me sonríe
y con amor me mira.

martes, 21 de mayo de 2019

CHEZ LE DOCTEUR

En la sala de espera de la consulta del médico. Un señor mayor se sienta  a mi lado y mantenemos este breve diálogo:
-¿ Espera usted a la doctora M.?
- No, a la doctora G.
- Yo vengo a la dermatóloga. Me ha salido aquí - y me mostró la         frente- una verruga sospechosa.
- Ya, ya veo.
- ¿Sabe? Yo soy ya viejo y tengo la vida  hecha, pero todavía no me     ha llegado la hora.

Sale la enfermera, grita un nombre. El señor se levanta, se despide  y se va.


viernes, 17 de mayo de 2019

Les Frères Sisters - The Sisters Brothers - Los hermanos Sisters

1850. Los hermanos Charlie y Eli Sisters viven en un mundo salvaje y hostil, en plena fiebre del oro. Tienen las manos manchadas de sangre, tanto de criminales como de personas inocentes. No tienen escrúpulos a la hora de matar. Es su trabajo. Charlie, el hermano pequeño, nació para matar. Eli, sin embargo, sueña con llevar una vida normal. Ambos son contratados por el Comodoro para encontrar y matar a Hermann Kermit Warm , un buscador de oro. De Oregón a California arranca una caza despiadada, un viaje que pondrá a prueba el demencial vínculo entre los dos hermanos. En este viaje, se encuentran que un dúo inesperado porque el 'detective' que cuenta en un diario su viaje como si fuera iniciático, se deja  engatusar, por el químico idealista, Warn,(personaje que debía buscar y entregar a los hermanos Sisters) y su fórmula infalible para encontrar oro en los ríos sin tener que filtrar kilos y kilos de arena. Pero estos dos personas más 'civilizadas' pagarán caro sus actos. El oro es el oro.

**Esta película está basada en la novela del autor canadiense Patrick deWitt publicada en Anagrama.
https://www.anagrama-ed.es/libro/panorama-de-narrativas/los-hermanos-sisters/9788433978653/PN_835


Los hermanos Sisters - The Sisters Brothers. Les Frères Sisters.

Dirección: Jacques Audiard.
Reparto: Joaquin Phoenix,  John C. Reilly,  Jake Gyllenhaal,  Riz Ahmed,  Rebecca Root, Jóhannes Haukur Jóhannesson,  Ian Reddington,  Philip Rosch,  Rutger Hauer, Carol Kane,  Creed Bratton,  Duncan Lacroix,  Niels Arestrup.
Duración: 121 min.
País: Francia . 2018.

Premios

2018: Festival de Venecia: Mejor director
2018: Premios César: Mejor director, fotografía, sonido y diseño de prod. 9 nom.
2018: Festival du Cinéma Américain de Deauville.
2019:Lumières de la presse étrangère: Meilleur film, Meilleur réalisateur, Meilleure photographie.

jueves, 16 de mayo de 2019

HILARIO BARRERO - Sueño

Hilario Barrero 
(Toledo, 1948)
À José V. toute une vie.


 SUEÑO

Al querer despertar y abrir los ojos 
para poder vivir lo no soñado 
notó cómo se derrumbaba su mirada  
acosada de oscuridad total. 
Cuando el silencio paralizó su cuerpo       
y fueron sus palabras sentenciadas 
supo que lo vivido había sido un sueño. 
Ciego y sin voz, con la noche cosida 
a su lengua de corcho, se despertó dormido.    
Pero su cuerpo en polvo se crecía.



sábado, 11 de mayo de 2019

REINA DE CORAZONES

En el  verano, del comienzo de Le coin des archives, leí el libro de Sandor Marai, La herencia de Eszter.  Este libro me encantó.Recuerdo que al mismo tiempo, que lo leía, me hacía reflexionar sobre cómo, a veces, hay gente que se va de tu vida después de haberse llevado todo. A Eszter se le fue el hombre que amaba  y la dejó sin nada y dolorida.

Ayer pensé en el mar como símil, en este mar al que  echamos, bien al fondo, lo que no nos gusta con la esperanza de que nunca vuelva a nuestra vida. Pero el mar suele devolver aquello que no reconoce como suyo ni lo quiere para nada. Las mareas juegan su papel, lo sacan del fondo y, con el tiempo, lo depositan en la playa. Esta manera metafórica de ejemplificar lo que ocurre a veces, tal vez, solo sirva para suavizar lo que nos sorprende o lo que no tiene una explicación  en nuestra "lógica". Normalmente, no pensamos que vaya a volver  aquello que acabó y que pueda, incluso, que no se nos haya dado bien olvidar. Pero lo que piensa uno, no siempre tiene que ver con lo que piensa el otro y en la playa nos encontramos de nuevo: "¡Vaya no sabes quién soy! Me has borrado de tus contactos". ¡Maldita sea!- piensas en un primer momento- no he reconocido el número... Luego vuelve la calma, una calma azarada, de primeras. 
De nuevo pienso en Eszter porque al final de la novela, quien la dejó sola y prácticamente en la miseria, regresa a por lo poco que aún le quedaba, y Eszter ya frágil y desvalida, no lucha por salvar la nada que todavía era suya, ni siquiera lucha por su dignidad: la traca final es demasiado para ella y muy grande y cínico el carroñero. 

jueves, 9 de mayo de 2019

EL TEST

El día a día nos plantea dilemas. ¿Uno o dos terrones de azúcar? La ducha, ¿antes de dormir o de madrugada? En el ascensor, ¿iniciar una conversación con el vecino o sobrevivir al silencio? Decisión tras decisión, vamos haciendo, nos vamos haciendo, casi sin pensarlo porque, elegimos lo que elegimos, la vida continúa. Son dilemas asequibles. Sin embargo, por suerte o por desgracia, a veces nos enfrentamos a dilemas que darán la vuelta nuestra existencia para siempre.

Esto es lo que les pasa a un matrimonio de clase media con problemas económicos – Héctor(Antono Molero) y Paula(Marina San José) – cuando Toni(Luis Merlo), uno de sus mejores amigos, les plantea el test de personalidad que ha elaborado Berta(Marta Belenguer), su actual compañera, una psicóloga muy exitosa y mediática. La pregunta es la siguiente: ¿qué prefieren, cien mil euros ahora mismo, o un millón de aquí a diez años? Así de simple, así de difícil.

La decisión que debe tomar nuestro matrimonio parece muy sencilla: conformarse con una pequeña fortuna en el instante, o esperar diez interminables años para ganar diez veces más. Lo que empieza siendo un supuesto teórico, un simple test de personalidad, irá poco a poco despojando las personalidades y los secretos más profundos de nuestros personajes, los obligará a poner precio a sus principios y, finalmente, los empujará a tomar una decisión que los cambiará la vida. Quién sabe si para siempre.

Versión en castellano dirigida por Alberto Castrillo-Ferrer .
Reparto: Luis Merlo, Antonio Molero, Marta Belenguer y Marina San José.


El Test ganadora del Premio Fray Luís de León 2014. 

miércoles, 8 de mayo de 2019

IRVING STONE


" No hay amistades más prontas ni más firmes que las que se traban entre personas que aman los mismos libros."


Irving Stone.


domingo, 5 de mayo de 2019

DÍA DE LA MADRE 2019 - Vida y destino- Vasili Grossman

La vieja mujer, al acercarse a su casa, se encontraba sin darse cuenta bajo el poder de las fuerzas que se habían manifestado en Stalingrado, aquel lugar donde ella había trabajado, criado a su nieto, escrito cartas a sus hijas, enfermado de gripe, se había comprado zapatos.
Pidió al conductor que se detuviera, se apeó del vehículo. Abriéndose camino con dificultad a través de la calle desierta, todavía sembrada de escombros, contemplaba las ruinas y reconocía vagamente los restos de las casas vecinas a la suya.
El muro de la casa que daba a la calle todavía estaba en pie y a través de las ventanas abiertas, Aleksandra Vladímirovna entrevió con sus viejos ojos hipermétropes las paredes de su apartamento, reconoció la pintura azul y verde descolorida.[...] 
Con una fuerza brutal que le sacudió el alma, percibió toda su vida: sus hijas, su desdichado hijo, su nieto Seriozha, las pérdidas irreparables y su cabeza gris, sin techo. Una mujer débil, enferma, con el abrigo raído y los zapatos destaconados miraba las ruinas de su casa.
¿Qué le deparaba el futuro? a sus setenta años, era una incógnita. "Queda vida por delante", pensó Aleksandra Vladímirovna. ¿Qué sería de aquellos que amaba? No lo sabía. Un cielo primaveral la miraba a través de las ventanas vacías de su casa.

Vasili Grossman, Vida y destino.

sábado, 4 de mayo de 2019

AMAR KANWAR - Museo Nacional Thyssen-Bornemisza



El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta, junto a Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21), dos instalaciones del artista y cineasta indio Amar Kanwar, The Sovereign Forest y The Lightning Testimonies, cuyos trabajos dan voz a las poblaciones más vulnerables de su país. El primero es un proyecto de investigación, iniciado en 2011 y todavía en desarrollo, que se compone de películas, libros, fotografías y documentos, presentados como un archivo, para explorar el impacto social y medioambiental de la actividad minera en Odisha, una región al este de India. El segundo recoge en una videoinstalación el testimonio de varias mujeres sobre la violencia sexual y los secuestros en el país.


Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Amar Kanwar: Exposición temporal , Del 27 de febrero al 19 de mayo de 2019.

https://www.museothyssen.org/exposiciones/amar-kanwar


*Esta exposición es extraordinaria. Kanwar te sumerge en una oscuridad impactante para presentar a los que sufren: las mujeres  y la naturaleza.
Espero poder volver para verla de nuevo, no tuve ya mucho tiempo para ver completamente la videoinstalaciones. Solo te dejan hacer un pase.



BALTHUS


El museo presenta una exposición retrospectiva del legendario artista Balthasar Klossowski de Rola (1908-2001), conocido como Balthus, organizada conjuntamente con la Fondation Beyeler en Riehen / Basilea donde se presenta de septiembre de 2018 a enero de 2019.

Considerado como uno de los grandes maestros del arte del siglo XX, Balthus es sin duda uno de los pintores más singulares de su tiempo. Su obra, diversa y ambigua y tan admirada como rechazada, siguió un camino virtualmente contrario al desarrollo de las vanguardias. El propio artista señala explícitamente algunas de sus influencias en la tradición histórico-artística, de Piero della Francesca a Caravaggio, Poussin, Géricault o Courbet. En un análisis más detenido, se observan también referencias a movimientos más modernos, como la Neue Sachlichkeit, así como de los recursos de las ilustraciones populares de libros infantiles del siglo XIX. En su desapego de la modernidad, que podría calificarse de ‘posmoderno’, Balthus desarrolló una forma personal y única de arte de vanguardia, un estilo figurativo alejado de cualquier etiqueta. Su personal lenguaje pictórico, de formas contundentes y contornos muy delimitados, combina los procedimientos de los maestros antiguos con determinados aspectos del surrealismo y sus imágenes encarnan una gran cantidad de contradicciones, mezclando tranquilidad con tensión extrema, sueño y misterio con realidad o erotismo con inocencia.

La exposición, comisariada por Raphaël Bouvier, con el apoyo de Michiko Kono, y Juan Ángel López-Manzanares, reúne pinturas clave de todas las etapas de su carrera desde la década de 1920, arrojando luz sobre las diversas formas de interacción intelectual en sus cuadros entre las dimensiones de espacio y tiempo, la relación entre figura y objeto, así como sobre la esencia de su enigmática obra.



Museo Nacional Thyssen-Bornemisza:
BALTHUS: Del 19 de febrero al 26 de mayo de 2019.

DE CHAGALL A MALÉVICH: EL ARTE EN REVOLUCIÓN



Kazimir Malévich Suprematismo, 1915-1916 
Museo Regional de Bellas Artes Kovalenko, Krasnodar INV. КП-10432 Ж-358 
© The Krasnodar Regional Art Museum named after F.A. Kovalenko, 2018,
 provided with assistance from the State Museum and Exhibition Center ROSIZO



A principios del siglo XX Rusia se consolidó como uno de los centros de la vanguardia artística mundial del que surgieron algunas de las propuestas más radicales y revolucionarias del arte y el diseño modernos. Muchos artistas del país viajaron a Francia y Alemania, donde entraron en contacto con los movimientos culturales más avanzados, y algunos coleccionistas cumplieron un papel clave al adquirir numerosas obras vanguardistas en las galerías de París, para fomentar la difusión de ese arte nuevo en las capitales rusas.

El ambiente social que desembocó en la Revolución de Octubre de 1917 explica de qué modo las propuestas de estos artistas acompañaron, anunciaron o glosaron lo que iba a ser el proceso revolucionario y el cambio de paradigma que conllevó su llegada.

Porque no fue la revolución la que forjó las vanguardias y la modernidad: fueron los artistas los que se erigieron en revolucionarios, seguros de que cuando llegara la revolución se convertiría en lo que esperaban, y, por consiguiente, en lo que la misma esperaba de ellos. La realidad no cumplió sus expectativas, dando origen a desilusiones, que también fueron las semillas de un nuevo lenguaje visual.

La muestra tiene como figuras de referencia a Marc Chagall y Kazimir Malévich, en la medida en que representan dos polos en las innovaciones de la vanguardia pictórica: el caso de Chagall, más poético y narrativo que abre el camino al surrealismo; el de Malévich, más radical y tendente a la abstracción geométrica. Entre ambos se despliega la obra de otros veintisiete artistas que trabajan la pintura y la escultura al tiempo que contestan los principios fundamentales de esas artes. En el elenco de creadores es destacable la presencia de una importante nómina de mujeres artistas, cuyo trabajo resultó fundamental en el desarrollo de las vanguardias rusas previo y posterior a la Revolución de Octubre. Entre otros, Natalia Goncharova, Liubov Popova, El Lisitski, Vassily Kandinsky o Alexandr Ródchenko, así como de una selección de artistas responsables de la renovación del campo del diseño gráfico, que vive un extraordinario desarrollo en esas décadas de fervor creativo y compromiso político.

La exposición concluye en los años treinta, momento crítico en que los artistas ven reducida su capacidad de acción ante la evolución del régimen hacia un estado totalitario.

Fundación MAPFRE, con el Grimaldi Forum Monaco, presenta la exposición De Chagall a Malévich: el arte en revolución, que reúne más de 90 obras y 23 publicaciones de los artistas que vivieron la transformación de una sociedad llena de esperanza y convencida de que con la revolución había empezado un mundo nuevo.

Información práctica
Fecha de inicio: 09/02/2019 - Fecha de fin: 05/05/2019
Localización:Paseo de Recoletos 23, 28004 Madrid.

https://www.fundacionmapfre.org/fundacion/es_es/exposiciones/sala-recoletos/chagall-malevich-arte-revolucion.jsp.

* Muy buena exposición, muy completa. Ver El paseo de  Chagall en directo me impresionó, al igual que otras pinturas de este artista al que acompañan un buen número de artistas y de obras importantes de ese momento. Me encantó.

miércoles, 1 de mayo de 2019

MUSEO DEL PRADO: Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2019


El Museo Nacional del Prado, Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2019.


El Museo Nacional del Prado se inauguró en Madrid el 19 de noviembre de 1819 como Real Museo de Pinturas y Esculturas para albergar obras procedentes de las colecciones reales, que habían comenzado a tomar forma en el siglo XVI con Carlos I y que fueron enriquecidas por todos los monarcas que lo sucedieron. Con un primer catálogo integrado por 311 pinturas, el Museo, que pronto cambió su denominación a Museo Nacional de Pintura y Escultura, ya servía de depósito para otras 1510 procedentes de los Reales Sitios. El Museo ocupó el Gabinete de Ciencias Naturales, obra de Juan de Villanueva, en lo que se conocía como Prado de los Jerónimos, por lo que popularmente se llamó Museo del Prado antes de recibir esta denominación oficial a principios del siglo XX. Doscientos años después de su inauguración, tras varias reformas y sucesivas ampliaciones, el Museo del Prado sigue cumpliendo la alta misión de conservar, exponer y enriquecer el conjunto de las colecciones y obras de arte que, estrechamente vinculadas a la historia de España, constituyen una de las más elevadas manifestaciones de expresión artística de reconocido valor universal.

Convertido en la institución cultural más importante de España y en una de las pinacotecas más destacadas del mundo, el Museo Nacional del Prado tiene una colección de cerca de 8000 pinturas, de las que 1700 están expuestas en el edificio Villanueva y más de 3200 se distribuyen entre 255 instituciones culturales de toda España. Sus salas, por las que pasan anualmente casi tres millones de visitantes –más de la mitad extranjeros–, han servido de inspiración a algunos de los pintores más significativos de los últimos 150 años, como Fortuny, Sorolla, Picasso, Monet, Renoir, Durant o Chase.

El Prado es conocido más como museo de pintores que de pinturas por la singularidad de su origen dependiente del mecenazgo real de los siglos XVI y XVII, orientado a reunir el mayor número de obras posible de los artistas preferidos. Por este motivo, el Museo tiene los mayores conjuntos de El Bosco, Tiziano, El Greco, Rubens, Velázquez o Goya, en algunos casos con más de un centenar de obras. Con la dinastía Borbón llegaron los pintores franceses en un siglo XVIII dominado por artistas foráneos, como los italianos, hasta finales de la centuria, en la que Goya devolvió a un español el dominio del escenario cortesano. En el siglo XIX, la desamortización de los bienes eclesiásticos contribuyó, a través de los fondos del Museo de la Trinidad –La Fuente de la Gracia, Auto de fe presidido por santo Domingo de Guzmán, entre otros–, a incrementar las colecciones de El Prado, que se cerraron en 1881. Aunque eminentemente pictóricas, también comprenden excepcionales testimonios escultóricos, de artes decorativas y de obras sobre papel, desde la Antigüedad hasta el siglo XIX.

Desde su fundación, el Museo ha ingresado más de 2300 pinturas y gran cantidad de esculturas, estampas, dibujos y otras piezas a través de donaciones –como las Pinturas negras de Goya–, legados –como el de pintura del siglo XIX de Ramón de Errazu– y compras –Fábula y La huida a Egipto de El Greco, La condesa de Chinchón de Goya o El barbero del papa de Velázquez, por ejemplo–. Entre los tesoros más emblemáticos que se pueden contemplar hoy en El Prado se encuentran El jardín de las delicias de El Bosco, El caballero de la mano en el pecho de El Greco, El tránsito de la Virgen de Mantegna, Carlos V en Mühlberg de Tiziano, El lavatorio de Tintoretto, el Autorretrato de Durero, Las meninas de Velázquez, Las tres Gracias de Rubens, La familia de Carlos IV de Goya o Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga de Gisbert.

El Museo actual está formado por varios inmuebles –el edificio Villanueva, el Claustro de los Jerónimos, el Casón del Buen Retiro, el edificio administrativo de la calle de Ruiz de Alarcón y el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro– que superan los 45 000 metros cuadrados de superficie útil. Como organismo público, una ley regula su funcionamiento y está regido por un patronato presidido por el ministro de Cultura correspondiente y cuyos presidentes de honor son SS. MM. los Reyes de España.

Los Premios Princesa de Asturias están destinados, según señala su Reglamento, a galardonar “la labor científica, técnica, cultural, social y humanitaria realizada por personas, instituciones, grupo de personas o de instituciones en el ámbito internacional”. Conforme a estos principios, el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades se concederá a “la labor de cultivo y perfeccionamiento de las ciencias y disciplinas consideradas como actividades humanísticas y de lo relacionado con los medios de comunicación social en todas sus expresiones”.

En esta edición concurrían un total de 29 candidaturas procedentes de 14 países. Este ha sido el segundo de los ocho Premios Princesa de Asturias que se conceden este año, en que cumplen su trigésimo novena edición. Anteriormente fue otorgado el Premio Princesa de Asturias de las Artes al director teatral británico Peter Brook. En las próximas semanas se fallarán los correspondientes a (por orden) Cooperación Internacional, Deportes, Letras, Ciencias Sociales, Investigación Científica y Técnica y Concordia.

El Premio está dotado con una escultura de Joan Miró –símbolo representativo del galardón−, un diploma, una insignia y la cantidad en metálico de 50.000 euros.


https://elpais.com/cultura/2019/04/30/actualidad/1556624335_058875.html

BROOKLYN - PASCAL TESSAUD

Coralie  es una joven rapera suiza de 22 años que ha adoptado el nombre de Brooklyn para sus actuaciones. En un momento dado, deja su Suiza natal y a su  padre que no entiende a lo que su hija se dedica. Coralie  decide irse a Francia y llega a París para probar suerte en el rap. Mientras tanto, vive en casa de Odette, una jubilada muy moderna y abierta  y encuentra un trabajo de cocinera en una asociación musical de Saint-Denis  en la periferia parisina.  Allí conoce a Issa, la estrella en ascenso de la ciudad. Durante una noche de una fiesta slam, Coralie es invitada a salir a escena por los animadores del acto y tiene gran aceptación por el público allí presenta. Un productor la invita a ir a su estudio de grabación, al mismo estudio en el que Issa antes grababa. Issa intenta acercarse a ella, pero ella quiere otra cosa. Se produce un distanciamiento. Issa deja a su productor y viendo que la ascensión hacia el estrellato de Coralie sigue, engaña a Odette y roba las letras de la canciones de Coralie con las que publica un albún con la ayuda de su amante. El final es interesante.
Fui a ver esta película sin pensar y fue una autentica sorpresa. Es una película diferente, alternativa. 

Brooklyn. 

Date de sortie 23 septembre 2015 (1h 23min)
Director:  Pascal Tessaud
Protagonistas:  KT Gorique, Rafal Uchiwa, Jalil Naciri plus
Nationalité Français. 2014.

DOLOR Y GLORIA

Narra una serie de reencuentros en la vida de Salvador Mallo, un director de cine en su ocaso. Algunos de ellos físicos, y otros recordados, como su infancia en los años 60, cuando su familia emigró a Paterna, un pueblo de Valencia, en busca de prosperidad, así como el primer deseo, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine, y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando.
"Dolor y Gloria" habla de la creación, de la dificultad de separarla de la propia vida y de las pasiones que le dan sentido y esperanza.
En la recuperación de su pasado, Salvador encuentra la necesidad urgente de volver a escribir.  Este punto me recuerda a Proust.
El propio director ha afirmado que es la película más personal y que cierra la trilogía sobre deseo y ficción de la que también forman parte "La ley del deseo" (1987) y "La mala educación" (2004) que ha tardado 32 años en completarse y que "Dolor y Gloria" es la más autobiográfica, de tal modo que, Antonio Banderas ejerce  de alter ego del propio director. La película está me ha gustado mucho - aunque no soy fan de Antonio Banderas- la mezcla de los tiempos, de los personajes, del valor de las artes escénicas para cualquier persona, etc. 
Al verla, me acordaba de mi amigo Antonio, que dice que los que van, ya no vuelven, pues bien, esta película lo contradice.  Se la recomendaré. 

Dolor y gloria.
Dirección: Pedro Almodóvar
Reparto: Antonio Banderas,  Asier Etxeandia,  Penélope Cruz,  Leonardo Sbaraglia, Julieta Serrano,  Nora Navas,  Asier Flores,  César Vicente,  Raúl Arévalo, Neus Alborch,  Cecilia Roth,  Pedro Casablanc,  Susi Sánchez,  Eva Martín, Julián López,  Rosalía,  Francisca Horcajo.
Duración:108 min.
País:España.2019.

IN DEN GÄNGEN - A LA VUELTA DE LA ESQUINA

Esta película cuenta como se ha ido adaptando la antigua RDA a la nueva Alemania a través de la vida de los empleados del turno de noche de un supermercado. El protagonista, Christian, un joven hombre introvertido, acaba de ser contratado en este supermercado gigante. Llega a este trabajo después de haber pasado una temporada en la cárcel. El jefe le pone con Bruno, un empleado mayor que él y de mucha experiencia para que le enseñe el manejo de la carretilla elevadora y se vaya ambientando a sus tareas. Con el paso del tiempo se van haciendo amigos, Bruno le da consejos sobre muchas cosas y le cuenta la vida de las personas que trabajan en el supermercado, especialmente de Marion que trabaja en la sección de dulces y de la que Christian se enamora enseguida, pero ella está casada aunque no felizmente casada. Pero el afable Bruno no le cuenta a penas nada sobre él, intenta esconder, a toda costa, su verdadera situación personal, cosa que consigue visto el desenlace.
Fui a ver A la vuelta de la esquina porque en el affiche vi que había sido premiada en la Seminci. No había leído la crítica y ahora que la he leído he de decir que estoy de acuerdo con que es una película delicada que intenta resaltar el valor de las cosas cotidianas,  el de las personas  anodinas, pero cuyo trabajo es imprescindible para que todo marche bien y nuestras vidas sean más cómodas. Intenta poner de relieve que en un lugar un tanto frío, las personas viven  por lo mismo, por las relaciones gratificantes Que allí, como en todas las partes, la amistad es importante y que la soledad es una losa.  Sin embargo, a pesar de todo,  se hace un poco larga, la acción se ralentiza, los fotogramas se repiten. Es una película particular.

 A la vuelta de la esquina, está basada en el relato corto de Clemens Meyer.

In den Gängen -  A la vuelta de la esquina.
Dirección: Thomas Stuber.
Reparto:Sandra Hüller,  Franz Rogowski,  Peter Kurth,  Ramona Kunze-Libnow.
Duración:125 min.
País:Alemania. 2018.

Premios:
2018: Festival de Berlín. Sección oficial de largometrajes en competición.
2018: Festival de Valladolid - Seminci: Espiga de Plata y Sociograph Award.
2017: Premios del Cine Alemán: Mejor actor (Franz Rogowski). 4 nominaciones.