"EL SABER SE DEBE TANTO AL INGENIO COMO AL GUSTO."









lunes, 26 de marzo de 2018

Colección Telefónica Cubismo(s) y experiencias de la Modernidad



Juan Gris, La guitare sur la table [La guitarra sobre la mesa], 1913.
Imagen, Cortesía de Fundación Telefónica © Fernando Maquieira


La presentación de la Colección Cubista de Telefónica con los fondos de la Colección del Museo Reina Sofía es una propuesta en favor de la concepción plural del cubismo, en la que se pone de relieve la obra de Pablo Picasso, Georges Braque, y otros artistas partícipes del movimiento, a través de situar el foco expositivo y argumental en la obra de Juan Gris, en tanto que engloba en sí misma la complejidad de lo que esta experiencia realmente fue.

Los protagonistas del cubismo supieron bien lo que su experiencia comportaba: Jacques Lipchitz afirmó que el cubismo había sido una tarea de emancipación de todo el arte precedente; Juan Gris consideraba que no era un procedimiento sino un estado del espíritu y que, como tal, estaba en relación con todas las manifestaciones del pensamiento de su época. Hoy en día, los estudios artísticos no dudan en situar este movimiento como piedra angular de la modernidad.

Sin embargo, las visiones y los relatos de la experiencia cubista son divergentes. El cubismo se pronuncia en singular pero su espacio creativo fue plural, por tanto es pertinente hablar de «los cubismos». Quizás las lecturas más dominantes tiendan a ser restrictivas con los protagonistas, los tiempos y los escenarios cubistas. Pero, por el contrario, otros enfoques, más amplios y complejos, entienden el cubismo como proceso dilatado en el tiempo, variado en sus aportaciones y numeroso en cuanto a sus protagonistas.

Me encantó esta exposición. Sobre todo porque hay muchos cuadros de cubistas españoles además de Picasso. Hay muchos cuadros de Juan Gris, maravillosos y de María Blanchard que conocí en el museo Thyssen de Málaga. 

La visita al Reina Sofía la terminé en la sala del Guernica  porque hacia ya mucho tiempo que no lo veía y me apetecía mucho volver a verlo y porque mi amiga Anne acababa de pasar una inspección en su instituto de Nantes y le había tocado dar la clase, con la inspectora como un alumno más, sobre este cuadro. Estuvo preparando la clase varios días antes y me preguntaba cuáles eran las expresiones y más correctas en español sobre la temática del  cuadro. 
Quise mandarle una foto, pero está rigurosamente prohibido hacer fotografías, incluso de la nota explicativa. Le dio mucho ilusión que le mandara un mensaje diciéndole donde estaba y lo que estaba viendo en directo: un cuadro rodeado de mil y un visitante.

Pessoa. Todo arte es una forma de literatura



José de Almada Negreiros, Retrato de Fernando Pessoa, 1964. Museu Calouste Gulbenkian -
Coleção Moderna. © Almada Negreiros, VEGAP, Madrid, 2017


La exposición Pessoa. Todo arte es una forma de literatura toma su título de una cita de Álvaro de Campos, uno de los heterónimos más vanguardistas de Fernando Pessoa (Lisboa, 1888-1935), publicada en la influyente revista portuguesa presença. 


A través de la prolífica producción textual de sus más de cien heterónimos, Pessoa creó una vanguardia propia y se convirtió en intérprete de excepción de la crisis del sujeto moderno y de sus certezas, trasladando a su obra una otredad múltiple que achacó a su desorientación existencial. 

Paulismo, Interseccionismo o Sensacionismo son algunos de los términos acuñados por el poeta en sus numerosos textos y que vertebran la especificidad de la modernidad portuguesa. Esta exposición recurre a esos ismos para articular un relato visual de esta escena lusa, reuniendo para ello una selección de obras de José de Almada Negreiros, Amadeo de Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Sarah Affonso o Júlio, entre otros, relacionadas con las principales corrientes estéticas portuguesas desde comienzos del siglo XX hasta 1935. Dichas corrientes acusaron la inevitable influencia de las tendencias europeas dominantes, pero trataron sin embargo de distanciarse de ellas. Distintos escritos de Pessoa dan cuenta del lugar particular de estos ismos de su cosecha, así como de su carácter distintivo dentro del contexto europeo con alusiones explícitas, por ejemplo, a las diferencias entre el Futurismo y el Interseccionismo. Por otro lado, varias de estas obras reflejan un gusto por lo popular y la idiosincrasia lusa que aparece tanto en el trabajo de los artistas portugueses que viajaron a París, como en el de los extranjeros que decidieron pasar una temporada en tierras portuguesas, caso de Sonia y Robert Delaunay. 

La muestra dedica también una especial atención a las revistas publicadas durante este periodo, como A Águia, Orpheu, K4 O Quadrado Azul, Portugal Futurista o presença, en las que aparecieron algunos de los textos de Pessoa y que actuaron como caja de resonancia de estas ideas de vanguardia, ejerciendo una gran influencia estética e ideológica en la intelectualidad portuguesa de la primera mitad del siglo XX.

* Pude conocer obras interesantes de los pintores portugueses de principios del XX.

Derain, Balthus, Giacometti. Una amistad entre artistas



Derain, Balthus, Giacometti. Una amistad entre artistas


Desde el 1 de febrero, en nuestra sala Fundación MAPFRE Recoletos en Madrid presentamos una exposición que explora la amistad de tres grandes artistas del siglo XX: André Derain (1880-1954), Balthus (Balthasar Klossowski) (1908-2001) y Alberto Giacometti (1901-1966). Las miradas de estos tres artistas, nunca antes confrontadas, coinciden en la misma exigencia de lo que debe ser la obra de arte. Mucho más allá de la admiración mutua y el sincero afecto que les unieron durante toda su vida, la profunda comunidad estética que existe entre ellos es el hilo conductor de la exposición.

La muestra, con cerca de 240 obras, cuenta con el generoso apoyo de numerosas colecciones particulares e instituciones internacionales entre las que destacan la Fondation Giacometti, París; Musées d’Orsay y de l’Orangerie, París; Albright Knox Art Gallery, Buffalo; Minneapolis Institute of Art; The Pierre and Tana Matisse Foundation, Nueva York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.; Musée Picasso, Antibes; Musée National Picasso, París; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; Tate, Londres; Fondation Beyeler, Basilea o Kunsthaus, Zúrich.

Esta exposición, concebida por el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris Musées, se ha organizado con Fundación MAPFRE. Comisariada por Jacqueline Munck, Conservadora Jefe del Musée d’Art moderne de la Ville de Paris.

Información práctica:
Paseo de Recoletos 23, 28004 Madrid.
Del 01/02/2018 al 06/05/2018.

* Tenía muchas ganas de ver esta exposición, y aproveché unas horas libres para acercarme a Madrid.  Fui el lunes sabiendo que La Mapfre abre por la tarde y también el Reina Sofía, que cada vez me gusta más. Era un museo al que no iba mucho porque me quedaba en el Thyssen, en el Prado fundamentalmente, luego me acercaba a la Mapfre y sobre todo, a la Biblioteca Nacional. Se está convirtiendo en una costumbre  ver todas las exposiciones que puedo cada vez que voy a Madrid, aunque, al final, esté bastante cansada.
De esta exposición puedo decir que me sorprendieron muchos cuadros y sobre todo, las colaboraciones de Balthus y Derain para diferentes obras de teatro. También me gustaron las poquitas esculturas de Giacometti y cuadros del mismo autor.





miércoles, 21 de marzo de 2018

RAFAEL ALBERTI

Rafael Alberti
(El Puerto de Santa María, Cádiz, 16 de diciembre de 1902- 28 de octubre de 1999) 


La primavera ha venido


La primavera ha venido

dejando en el olivar

un libro en cada nido.


Vivir leyendo, leyendo

mientras la paz en el mundo

no se nos vaya muriendo.  
                                   

Paz, paz, paz para leer

un libro abierto en el alba

y otro al atardecer.

                          Rafael Alberti

jueves, 8 de marzo de 2018

DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER

“El que ha conocido sólo a su mujer y la ha amado, sabe más de mujeres que el que ha conocido mil.”

León Tolstói.

martes, 6 de marzo de 2018

José María de Horna - Pregúntale a las estrellas

 José María de Horna 
 (Madrid, 1927)

À R.G. R.

PREGÚNTALE A LAS ESTRELLAS

Pregúntale a las estrellas,
ellas pueden responderte;
ellas conocen el sino
de los hombres, ellas tienen
el secreto de la vida,
de la vida y... de la muerte.
Yo sólo sé que he nacido
bajo una estrella impotente,                        

y que he sufrido bastante,
y que he llegado a quererte.
Así de sencilla y simple
  es la cuestión: ahora puedes
preguntarle a las estrellas;
  ellas pueden responderte.
...Y entonces te diría en voz muy baja,
como se dicen las verdades serias,
como Amor se estremece en otros labios...
... pero no lo diré... y esa es mi pena.

José María de Horna, Pregúntale a las estrellas.

lunes, 5 de marzo de 2018

FONDATION M. BODMER: Les Routes de la traduction





Martin Bodmer a construit sa collection, l’une des bibliothèques privées les plus riches au monde, autour de l’idée de Welt-Literatur. La traduction est au fondement de cette idée même. Il construit sa collection autour de 5 piliers qui sont autant d’aventures de traduction : Homère, La Bible, Dante, Shakespeare et Goethe. Les traductions d’Homère par exemple incarnent toutes les étapes de l’histoire de la notion même de traduction. On s’étripe autour des traductions de la Bible, entre la vulgate de Saint Jérôme et la Réforme de Luther, et elles font exister les langues que nous parlons. Dante fait écho à Virgile, lui-même écho d’Homère : les routes de la traduction sont les routes de la culture. Des trésors de papyri, de manuscrits, d’incunables sont déployés, souvent pour la première fois.

Les routes de la traduction sont aussi les routes du pouvoir – grec, latin, arabe, vernaculaires. C’est de politique qu’il s’agit avec la pratique des traducteurs, un savoir-faire avec les différences qui accueille la langue de l’autre et se transforme en retour. La Suisse, Genève sont des Babel qui parlent quotidiennement plus d’une langue – à moins que ne triomphe une seule, plus pauvre, l’anglais mondialisé…

Cette exposition étonnante rend sensible la différence des langues comme autant de points de vue sur le monde. Elle en joue, avec Goethe et Diderot ou avec Tintin et Heidi, elle met en scène la diversité, celle des idiotismes ou celle des langues des signes.

Et si la traduction n’était pas tant une copie qu’une réinvention ?

Commissariat : Barbara Cassin et Nicolas Ducimetière
Partenariat scientifique : Faculté de traduction et interprétation de Genève.

* Interesantísima esta exposición. Muy amables las personas de la fundación. Fue un día de mucho frío y de una gran nevada. Espero volver a ir.

http://fondationbodmer.ch/expositions-temporaires/les-routes-de-la-traduction/

domingo, 4 de marzo de 2018

Kunstmuseum Bern: Collection Gurlitt, état des lieux-«L'art dégénéré» – confisqué et vendu





COLLECTION GURLITT, ÉTAT DES LIEUX « L’ART DÉGÉNÉRÉ » – CONFISQUÉ ET VENDU


Sous le titre général Collection Gurlitt, état des lieux, le Kunstmuseum Bern et la Bundeskunsthalle de Bonn montrent pour la première fois une sélection d’oeuvres de la succession de Cornelius Gurlitt dans deux expositions conjointes qui ont lieu à la même période. Les oeuvres que le marchand d’art Hildebrand Gurlitt, père de Cornelius Gurlitt, avait acquises dans les années 1930 et 1940 y sont présentées dans leur contexte historique. Cette double exposition reflète l’état actuel de la recherche sur la découverte de l'ensemble Gurlitt.

Le Kunstmuseum Bern présente sous le titre «L'art dégénéré» – confisqué et vendu près de 160 oeuvres dont la plupart furent saisies dans les musées allemands en tant qu’« art dégénéré ». Il s’agit principalement de travaux sur papier, parmi lesquels des oeuvres exceptionnelles, expressionnistes, constructivistes et de la nouvelle objectivité. L’exposition s’intéresse également aux circonstances politiques qui conduisirent au dénigrement de l’art moderne, qualifié d’art « dégénéré », et à sa destruction et mise en vente.
La Bundeskunsthalle de Bonn (03 novembre 2017 au 11 mars 2018) se concentre sur les oeuvres « spoliées » dans le cadre des persécutions nazies et dont l’origine n’a pas encore pu être établie avec certitude. 


*Me quedé impresionada del número cuadros que había, especialmete expresionistas, pero había demasiados, el espacio era poco para tantas obras. Me quedé un poco decepcionada y eso que quise ver esta exposición por las buenas críticas que escuché en España.


sábado, 3 de marzo de 2018

FONDATION BEYELER: Georg Baselitz




Georg Baselitz (1938) compte parmi les artistes les plus remarquables de notre temps. À l’occasion du 80e anniversaire de Baselitz, la Fondation Beyeler consacre au peintre, graphiste et sculpteur allemand une vaste exposition conçue en étroite collaboration avec l’artiste. Cette rétrospective ciblée réunira plusieurs des peintures et sculptures les plus importantes crées par Baselitz au cours des six dernières décennies. Des œuvres puissantes, poignantes, issues de toutes les périodes créatrices révèlent l’envergure exceptionnelle de ce grand artiste.

Baselitz est l’un des rares artistes contemporains profondément enraciné dans l’histoire de la peinture européenne et américaine. Il est considéré comme l’inventeur d’un langage iconographique figuratif qui s’appuie sur un riche répertoire d’éléments stylistiques. Ses créations picturales acquièrent cependant une signification contradictoire et ambivalente. L’univers pictural de Baselitz s’articule comme un palais des glaces dans lequel ses propres images tirées du souvenir ou de l’imagination et empreintes de modèles historiques et artistiques se fondent dans de nouvelles compositions picturales. Des œuvres poignantes issues de toutes les périodes créatrices de l’artiste et exposées à l’occasion de la rétrospective révèleront toute la richesse significative et stylistique de sa production artistique. Des œuvresclés exemplaires réalisées dans les années 60 telle que les «Héros» et les tableaux «fractures» seront également présentées à la Fondation Beyeler, ainsi que les motifs picturaux tête en bas, qui ont fait la renommée de Baselitz dans les années 70 et 80. Parmi les sculptures en bois de grand format, on pourra voir le premier travail en bois sculpté et peint par Baselitz qui, en 1980, déclencha un scandale politicoculturel à la Biennale de Venise. Les peintures de la série Remix ainsi que des œuvres récentes complètent la vision de l’un des artistes les plus excentriques des XXe et XXIe siècles. L’exposition rétrospective donnera à voir quatre vingtaines de peintures et une dizaine de sculptures réalisées entre 1959 et 2017, issues de prêts confiés par des institutions renommées et collections privées en Europe et aux États-Unis.

Cette exposition est organisée en collaboration avec le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, D. C., où elle y sera ensuite montrée sous une autre forme. Parallèlement à l’exposition de la Fondation Beyeler, le Kunstmuseum Basel exposera des œuvres sur papier de Georg Baselitz.

*Fue una exposición maravillosa. No conocíamos al pintor y a pesar de ello, decidimos ir. Fue la mejor de las decisiones. Además llegamos a la hora de comer y pudimos verla con tranquilidad, al igual que la colección permanente.
La galette de la comida-merienda, estupenda.Sorprendente el sitio donde la cominos  por las mujeres que lo regentaban y porque era un bar pequeñito de dos plantas, en la de arriba era una tienda de ropas, y de todo un poco, todo un poco extraño, casi parecía un desván. 
El chocolate caliente  en la galería- terraza de Les trois rois riquísimo, el sitio maravilloso. Un día extraordinario, que empezó ya al coger el tren.