OLIVER !

 La nueva producción de Cameron Mackintosh del icónico musical de Lionel Bart , Oliver!, que ha sido completamente reinventada junto con el director y coreógrafo Matthew Bourne , se está representando actualmente en el Teatro Gielgud .

El reparto incluye a Simon Lipkin  ( Guys and Dolls,  Avenue Q ) como Fagin, Ava Brennan

( Hamilton, Los Miserables ) como Nancy,  Aaron Sidwell  ( Enrique VI, Wicked ) como Bill Sikes,  Aaron MacGregor ( Los Miserables ) como Artful Dodger y  Mark Lockyer ( El Alquimista, La Tempestad ) como el Sr. Brownlow.

Producido  y revisado por Cameron Mackintosh , Oliver!  está dirigido y coreografiado por  Matthew Bourne y codirigido por  Jean-Pierre van der Spuy . El diseño de escenografía es de  Lez Brotherston , el diseño de iluminación es de  Paule Constable  y  Ben Jacobs , el diseño de sonido es de  Adam Fisher, el diseño de vídeo es de  George Reeve, las orquestaciones originales son de  William David Brohn adaptadas por Stephen Metcalfe; la supervisión musical es de Graham Hurman .      

Con una banda sonora sensacional, que incluye  Food Glorious Food, Consider Yourself ,  You've Got to Pick-a-Pocket or Two,  I'd Do Anything ,  Oom Pah Pah,  As Long As He Needs Me y muchas más, esta obra maestra ganadora de los premios Olivier, Tony y Oscar da vida de forma vívida a la siempre popular historia de Dickens sobre el niño que pidió más.

El ganador de un BAFTA y un Emmy. Matt Lucas interpretará a Fagin en Oliver! en el Gielgud Theatre del 22 de septiembre al 1 de noviembre de 2026.

Trama de Oliver!

Ambientada en el Londres victoriano, Oliver! sigue al joven huérfano Oliver Twist mientras escapa de las duras condiciones de un hospicio en busca de una vida mejor. Solo en las calles, se encuentra con el Esquivo Astuto, que le presenta a una banda de carteristas liderada por el astuto Fagin.

Mientras Oliver se ve enredado en este mundo peligroso, conoce a la bondadosa Nancy y al amenazante Bill Sikes. A pesar de las dificultades que enfrenta, la inocencia y esperanza de Oliver nunca se desvanecen. Esta producción de Oliver! en el West End de Londres da vida a esta poderosa historia con corazón, humor y música inolvidable, mientras Oliver finalmente descubre la verdad sobre su pasado y una oportunidad de un futuro mejor.

MEMORIAS DE ADRIANO

En Memorias de Adriano, Lluís Homar da vida al célebre emperador romano en una adaptación de la inmortal obra de Marguerite Yourcenar. En este monólogo, acompañado de más personajes, Homar encarna al emperador Adriano, que en el ocaso de su vida reflexiona sobre su reinado, sus amores, sus guerras y su legado.

La obra, dirigida por Beatriz Jaén, explora un viaje íntimo que nos lleva al corazón del Imperio Romano, con una puesta en escena íntima y poética que conecta pasado y presente a través de la vida y legado del gran emperador. Así, memorias de Adriano guía al público a un diálogo profundo con la épica historia del emperador.

https://www.teatreromea.cat/es/ex/memorias-de-adriano/#basic_data 

Esta obra la fui a ver con mi amiga Núria. Ella que siempre está pendiente de los estrenos teatrales, compró las magníficas entredas ya hace varios meses y siempre, siempre es un placer ir con ella a ver buen teatro.

LA DISTANCE

2077. Tandis que l’humanité survit, en proie à la précarité et aux conséquences du réchauffement climatique, une partie de la population s’est exilée sur Mars. Sur Terre, un père, Ali, médecin,  et sa fille, Amina, séparés par plus de 225 millions de kilomètres, tentent de maintenir une relation à très  longue distance parce qu'il a appris que, sa fille est partie pour la planète rouge sans le prevenir. La Distance est une miniature perdue dans l’immensité du cosmos. 

À travers ce scénario dystopique mais probable, Tiago Rodrigues interroge autant les conséquences de nos choix que la possibilité de communiquer entre les générations. L’artiste met face à face deux mondes et imagine leur dialogue en orbite comme une suite d’appels très très très longue distance.

Il s’entoure pour l’occasion des comédiens Adama Diop et Alison Dechamps dans un dispositif interplanétaire en rotation, comme deux astres pris dans leur course qui se rapprochent et qui s’éloignent.

Le spectacle comprend la chanson Sonhos de Caetano Veloso.

Spectacle créé le 7 juillet 2025 à L'Autre Scène du Grand Avignon (Vedène) dans le cadre de la 79ᵉ édition du Festival d’Avignon.

*Esta obra está muy bien. Es una obra total: diálogos, luces, música, zumbido, plataforma en movimiento, decorados muy parco pero muy acertado, voz y dicción  de los actores muy bien. Me gustó. Para mí, está obra tiene varios mensajes: el de la lucha de un padre contra el olvido absoluto que ha elegido su hija para, entre otras cosas, no tener nostalgia de la vida en la Tierra, la pérdida de identidad, de libertad,etc.

**Las entradas para esta obra las sacó Núria hace varios meses. Estaba muy ilusionada de ir a verla juntas, pero, en el último momento, Núria no pudo ir, un inoportuno catarro.¡ Mecachis en la mar! 

ESENCIA

Pierre y Cecil (Juan Echanove y Joaquín Climent), dos viejos amigos que se reencuentran por casualidad tras años de distancia. A través de una conversación plagada de recuerdos, confidencias y silencios, ambos esperan la llegada de un misterioso autor que nunca aparece o que, tal vez, ha estado presente desde el inicio. En ese espacio ambiguo, entre lo tangible y lo imaginado, Esencia construye un laberinto en el que la certeza se tambalea y todo se cuestiona. 

Esencia es una de las obras más enigmáticas de Ignacio García May, un laberinto de percepciones donde la realidad se tambalea y se torna difusa. Una invitación a la reflexión y al cuestionamiento de nuestras propias certezas, una exploración sobre la realidad que nos rodea. Esencia es la inexistencia misma de lo real.

Esencia, un laberinto de percepciones donde la realidad se tambalea y se torna difusa.

Ficha artística

Autor: Ignacio García May.
Dirección: Eduardo Vasco
Reparto: Pierre: Juan Echanove y Cecil: Joaquín Climent.
Escenografía: Carolina González.
Iluminación: Miguel Ángel Camacho.
Música y ambiente sonoro: Eduardo Vasco.
Ayudante de dirección: Abel Ferris.
Residente de ayudantía de dirección: Ares B. Fernández.

MADRID - PUENTE DE LOS SANTOS 2025

Teníamos muchas ganas de pasar este fin de semana largo en Madrid. Intenté hacer un programa que incluyera un poco los deseos de todos. Alicia quería ir a visitar el museo de Lázaro Galdiano, había visto un reportaje en la tele y le pareció interesante, a mí también me lo pareció y reservamos la visita guiada a última hora de la mañana después de dejar el equipaje. Este palacete es una gran sorpresa tanto el edificio, los jardines como el interior. Este gran coleccionista de refinados gustos atesoró en su casa todo aquello que le resultó de interés y allí está todo bien puesto y ordenado para que los visitantes aprovechemos todo lo que allí se nos presenta durante la visita. Hay piezas fabulosas.

Las dos queríamos visitar el Palacio del Pardo por lo que busqué toda la información para acercarnos hasta allí, pero fue imposible porque no contábamos con que ese sábado, al ser festivo, tenía los mismos horarios que los domingos, que mucha gente iba a ir a Madrid  y que las visitas guiadas estaban completas, por lo tanto, esta visita ha quedado para otra ocasión..

Por la tarde, fuimos a tomar un pastel antes de hacer una visita por el Barrio de las letras. Interesante y agradable pasear por estas calles llenas de vida y con tanta historia. Cenamos por ahí y vinos que, en el Teatro Español, había una obra que nos pareció que merecía la pena pero, para esa noche, ya no había entradas, aunque, por suerte, sí había para el día siguiente. Esencia de Ignacio García May está interpretada por dos de los grandes actores de la escena española, Juan Echanove como Pierre y Joaquín Clement como Cecil y que están fabulosos. El teatro en sí es un edificio con mucho encanto y la sala es muy acogedora.

Al día siguiente, desayunamos un chocolate con porras y churros en San Ginés antes de ir a visitar el Monasterio de las Descalzas Reales. teníamos reservados una visita guiada. Este monasterio es un sitio mágico que rezuma historia y, al mismo tiempo, humanidad porque las mojas siguen viviendo allí y, durante el recorrido, se notaba la vida de estas religiosas y sus rutinas cotidianas monacales. Además, tuvimos la suerte de poder visitar la iglesia que solo está abierta durante los horarios de misa. Las monjas cantan. 

Después estuvimos paseando hasta la Ópera y el Palacio Real, hicimos tiempo para ir a comer todos juntos. 

Terminamos un poco más tarde de lo que teníamos previsto e hicimos tiempo hasta la hora del teatro. Seguimos paseando y fuimos a tomar una torrija - es un postre que me pirra-  a  La Casa de las Torrijas esa torrija es una de las mejores que he comido nunca. 

El lunes me resultó un poco más difícil encontrar una visita y me pareció una buena idea ir a la Biblioteca Nacional porque ellos no habían estado nunca. Fuimos a desayunar y, como hacia una buena mañana, empezamos a caminar. Alicia recordó que le sonaba que, por esa zona, estaba la Basílica de Jesús de Medinaceli y así fue.

Después, ya bajamos hasta la plaza de Neptuno y poco a poco, llegamos a la Biblioteca Nacional. Tuvimos  doble suerte, una porque en el edificio histórico había una exposición que explicaba la historia del libro desde su orígenes hasta los incunables que destacaban maravillosamente en este espacio oscuro. Después bajamos a ver la exposición de El infierno y las maravillas  que nos encantó. Después fuimos a por el equipaje y nos acercamos a la estación. Comimos en la  Plaza del Emperador Carlos V en una terracita al sol.

Así terminó nuestra visita a Madrid. Volvimos con la emoción de haber aprovechado estos días al haber visitado nuevos espacios y con las ganas de volver para seguir descubriendo lugares y monumentos de esta ciudad de tantos ambientes. 

LA TEMPESTAD

Una tormenta hace naufragar a Alonso, rey de Nápoles, su hijo Fernando y Antonio, que usurpó el Ducado de Milán a su hermano. La fatídica tormenta ha sido provocada por Próspero, el legítimo Duque de Milán, quien vive exiliado en una remota isla junto a su hija Miranda desde hace tiempo. El naufragio pone en marcha su plan vengativo, que juega con el amor y la desesperación, y que ha urdido para recuperar lo que le fue arrebatado, usando secretos poderes de la naturaleza. Y es que Próspero conoce las ciencias ocultas y sabe controlar los espíritus de la isla, como Ariel, a quien tiene sometido a su servicio, o el desafortunado Calibán...

Así comienza una de las historias más grandes y telúricas de William Shakespeare, la última en cronología y madurez que ha llegado hasta nuestros días. La isla será el escenario de bufones, reyes, marineros, enamorados, nobles y borrachos, rodeados de personajes que solo viven en la ficción mientras ésta se convierte en realidad en el teatro.

EL MONSTRE -JOSEP Mª MIRÓ

Una historia sobre la necesidad individual y colectiva de tener miedo.

Un pequeño pueblo de montaña ve tambalear su aparente tranquilidad debido a la revisión de unos hechos ocurridos hace décadas. ¿Por qué necesitamos construir monstruos? ¿De qué nos protegemos? Estas son algunas de las preguntas que formula el nuevo texto de Josep Maria Miró a través de un ambicioso juego formal e interpretativo.

Una madrugada, Santi y Berta, incapaces de conciliar el sueño, se desvelan y mantienen una conversación. Algo les inquieta. Tiene que ver con lo que son hoy y con el pequeño pueblo en el que viven. También con la reaparición en sus vidas de alguien a quien en el pueblo bautizaron como “el Monstre” después de su desaparición hace casi veinte años y de uno de los capítulos más oscuros y turbios ocurridos en este sitio.

El Monstre es un texto para tres intérpretes que transita por la oscuridad individual y colectiva de una comunidad, en una apuesta radical y esencial por el lenguaje como vertebrador de la teatralidad. 

Autoría y dirección: Josep Maria Miró.
Reparto: Àurea Márquez, Joan Negrié y Albert Prat.

 Una puesta en escena minimalista, en la que la palabra es el valor absoluto de la obra. 

EL PÚBLICO - FEDERICO GARCÍA LORCA

El público, de Federico García Lorca, versión de Gabriel Calderón para la Comedia Nacional de Montevideo dirigida por Marta Pazos.

Hace mucho que no iba al teatro y me maravillaba con lo que estaba viviendo. Todo lo que pasa en escena (dentro y fuera del escenario) es excelente: la dicción de los actores, su expresión corporal, los decorados, el escaso attrezzo, la escenografía toda; el vestuario es magnífico, sorprendente, la voz y la canción de la actriz. Me ha gustado todo. A medida que avanzaba la obra, me preguntaba cómo habrían sido capaces de aprender este texto; un texto sin mucha cohesión, no hay casi ni principio ni fin y lleno de metáforas surrealistas; algunas de las imágenes que Lorca utilizó en su poesía como la luna o los jinetes, están presentes en la obra y todo ello junto, como corriente cautivadora del espectador, porque esta obra nos deja sin aliento, no hay detalle que no tenga significado, no hay elemento que no contribuya a colocarnos en el mundo de lo sensorial por encima de todo lo demás. 

Ya desde el principio, la ficción manda: Julieta se suicida, asistimos al final de la tragedia y el público, (nosotros), tiene que aplaudir. Parece inocente, pero no, porque el público ya está captado en la obra y, a partir de este instante, no se puede salir hasta el aplauso final que fue apoteósico, su mismo título lo dice, El publico y se hace honor a él . Si esto fuera una novela, podríamos decir que tiene una estructura circular porque se termina igual que empieza, no sé si se puede aplicar al teatro. Esta obra es una obra global, total, como las óperas y casi estuve a punto de no ir.

Compré las entradas en Navidad y, una semana antes del estreno, me enviaron un correo diciendo que se posponía el estreno de la obra porque, a causa del tráfico marítimo, la escenografía había llegado con retraso y que habían programado otras fechas. Si no decías nada te devolvían el dinero. En vez de buscar una nueva función, lo dejé pasar porque me empezó a entrar pereza. Sin embargo, al cabo de unos días, me llamaron por teléfono para comunicarme lo que había pasado y sugerirme un cambio de fechas. No pude decir que no, o no supo y dije que sí que iría, y ¡qué bien! porque ha sido estupendo.

Esto es todo lo que puedo decir porque todavía no he podido leer la obra, a ver cuando la busco y la leo.

EL MISANTROP

El Teatre Lliure presenta El misantrop, una nueva versión del clásico de Molière dirigida por David Selvas y protagonizada por Pol López y Mireia Aixalà. Ambientada en una empresa discográfica, el nuevo montaje de La Brutal explora la hipocresía, la vanidad y la obsesión por las apariencias en un mundo influenciado por las redes sociales.

Después de estrenarse en el festival Grec, el montaje llega a la sala Fabià Puigserver de Montjuic del 4 de diciembre al 4 de enero. La nueva versión se acerca al público a través de un lenguaje actual, la influencia de las redes sociales y la música en directo, pero mantiene la esencia de la comedia original de Molière. "El misántropo es un texto importante que nos pone ante el espejo en relación con la hipocresía, la falta de valores y cómo estos desaparecen", cuenta Selvas.

Pol López y Mireia Aixalà encabezan el reparto como Alceste y Célimène, una pareja en crisis que se enfrenta a las contradicciones de la sociedad moderna. Alceste, un amante de la música desilusionado con la falsedad del mundo que le rodea, busca la verdad a cualquier precio, mientras que Célimène, una mujer ambiciosa y pragmática, se mueve con habilidad en el entorno de la industria musical. A su lado, Laia Alsina, Júlia Genís, Norbert Martínez, David Menéndez, Alex Pereira y Albert Prat completan el reparto.

Selvas ha trabajado junto al dramaturgo Sergi Pompermayer para actualizar la trama y los personajes, dotándolos de una mayor profundidad psicológica. También ha tenido un papel clave la versificación de Pablo Macho Otero, que ha reescrito el verso alejandrino del original con un lenguaje actual, lleno de juegos de palabras y referencias a la realidad de hoy en día.

El espacio sonoro y la música de Paula Jornet y Adrià Jornet también juegan un papel fundamental. A lo largo de todo el montaje, la palabra se mezcla con una banda sonora que contiene grandes hits de la música pop y rock así como temas originales, tocados e interpretados en directo por los mismos actores y actrices. Completan el montaje la escenografía de Alejandro Andújar, el vestuario de Marta Pell.

https://www.teatrelliure.com/es/sala-premsa-el-misantrop

En el título del post pongo solo el título de la obra que fui a ver. Evito poner que es de Molière porque esta obra no es la que escribió el dramaturgo francés ni por asomo. Como ya he dado mi opinión sobre esto que está de moda de "actualizar a los clásicos" no voy a repetirlo porque si tanto me molestara, lo que tengo que hacer es no ir a ver estas versiones, pero es que tengo curiosidad y además, es que voy con la idea de ver otra cosa diferente de lo que dice el título, por lo tanto, puedo disfrutar de la velada sin pensar en el original. 

Debo admitir que la selección musical me gustó, lo demás pues más o menos; me llama la atención eso que dice Macho de que actualizó el lenguaje y que le costó mucho; no lo dudo, pero llenó el texto de tacos, nada que ver tampoco con el decoro del teatro de Molière ni del actual. Los actores gritan mucho.

Afortunadamente, Núria pudo venir a ver la función, aunque, en un principio la había descartado. Un placer pasar un ratito hablando con ella y compartir cultura. Una buena manera de encetar las fiestas de navidad.

LA GAVIOTA - Anton Chéjov

Una noche de verano, junto a un lago, bajo la luna llena, estalla el conflicto entre aquello nuevo y aquello viejo, entre el anhelo de la revolución sin red y la seguridad de lo que es conocido y celebrado, entre las vidas que empiezan a divisar su ocaso y aquellas que todavía tienen las esperanzas intactas. Konstantin, un joven autor harto del presente, quiere hacer estallar una pequeña bomba en forma de acción performática y poética ante los ojos de Irina Arkadina, su madre, una actriz madura que se hace mayor en un oficio cruel con la edad, sobre todo la de las mujeres. Quiere desafiarla y, al mismo tiempo, obtener su aplauso. Nina, una chica joven, aspirante a actriz, que sueña con un futuro de éxito lejos de provincias, será la encargada de oficiar la ceremonia orquestada por Konstantin. Entre los espectadores, junto a Irina, está el reconocidísimo escritor Boris Trigorin, que asiste silencioso a la representación, ante el lago, anhelando salir a pescar a sus aguas. Arte, amor, deseo, esperanza y desesperanza, compasión y crueldad, generaciones enfrentadas y al fondo, el abismo. Como un enorme espejo, el agua del lago iluminada por la luz de la luna que nos devuelve nuestra propia imagen. 

Estrenada con un fracaso estrepitoso en 1896 en San Petersburgo, La gaviota se convirtió en solo dos años, dirigida por Konstantin Stanislavski, en el primer gran éxito del Teatro de Arte de Moscú. Manrique vuelve a Chéjov (tras dirigir Les tres germanes y encarnar a Vania) para hablar del arte y del amor, de las formas nuevas y las formas viejas. O, simplemente, según Stanislavski, para intentar “llevar la vida del alma al escenario”.

AUTOR:Anton Chéjov.

ADAPTACIÓN: Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique.  

DIRECCIÓN: Julio Manrique . 

INTÉRPRETES: Marc Bosch Simó Daniela Brown Nina Nil Cardoner Konstantin Adeline Flaun Pauline Cristina Genebat Irina Clara de Ramon Maixa Xavier Ricart ília David Selvas Sorin Andrew Tarbet Dorn David Verdaguer Boris.

https://www.teatrelliure.com/ca/sala-premsa-la-gavina 

* Esta vez, me parece que ha sido un versión bastante ajustada, siempre dentro de la características escénicas de Manrique: juega con todo el espacio libre del que dispone para mover a los actores en un escenario central; incorpora, creo que acertadamente, imágenes visuales para los momentos pavorosos que se producen fuera del escenario, entre bastidores; los actores cantan y corren bastante en el escenario; siempre hay revoltijo, aunque parece que no...

A la salida, unas señoras de cierta edad dijeron: " muy bien dirigida". Un comentario un  tanto parco y plano. Me dio la impresión de que, como muchos, nadie se atreve a decir que Manrique, no es que sea su forma de identidad esta manera de poner en escena, sino que se repite. Bueno, mi amiga Núria sí lo dice.

Recuerdo que, uno de los personajes dice que, en la creación artística, el autor tiene que tener un objetivo, saber dónde quiere llegar. Al escucharlo pensé en eso precisamente que, con esta tendencia a la "desconstrucción de los clásicos" a dónde se quiere ir a parar. Llevo años diciendo, que me llama la atención esta apropiación de títulos clásicos bajo la premisa de actualizarlos, de modernizarlos. Cuando lo oigo me sorprendo porque precisamente un clásico es un clásico porque siempre está de actualidad y actualizado.

L'ENTERRADOR

L’enterrador trata de nuestra memoria histórica. Se basa libremente en las vivencias de héroes anónimos -como las del enterrador de Paterna, Leoncio Badía Navarro- que, con su determinación, dejaron testimonio de humanidad y dignidad en medio del horror y la barbarie de la Guerra Civil y la posguerra.

En el espectáculo, un actor prepara un monólogo que representará ante los espectadores en unos días. Lo ha escrito él mismo a partir de lo que su familia le contó durante años sobre su abuelo y sus amigos, quienes sufrieron terribles episodios durante la posguerra. El personaje que interpreta debe enterrar, como todos los días, a los fusilados que le llevan al cementerio. Enterrar... ¿o desenterrar?

Premio al espectáculo más innovador del Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid 2023.  

** El actor, que estuvo muy bien, en los bises se dirigió al público y nos contó varias anécdotas relacionadas con la representación de la obra y nos dijo que esa había sido la última representación en este teatro esta temporada. 

GUITARRA QUEMADA.LORCA EN EL CENTRO

Guitarra quemada. Lorca en el centro busca homenajear al poeta granadino.

El guitarrista Juan Mario Cuellar y la actriz Maria Clausó  con  dramaturgia del uruguayo Ever Blanchet, se dan la mano a través de una pequeña selección de  fragmentos teatrales de Lorca de obras como 'El retablillo de Don Cristóbal', 'Bodas de sangre', 'Mariana Pineda' y 'El Público', así como de 'La dama boba', de Lope de Vega, y también aparece una selección de obra de Antonio Machado, Miguel Hernández, Arcipreste de Hita, Gloria Fuertes, Gabriel Celaya, María Zambrano, Blas de Otero y León Felipe. 

La música de Manuel de Falla, Isaac Albéniz, Ferran Sor, Joaquim Malats o Francesc Tàrrega o el propio Lorca se convierte en el hilo conductor entre texto y texto.

Guitarra quemada. Lorca en el centro es un viaje a través de las palabras y la música, donde el amor y la muerte cobran vida poética y reivindican la necesidad de hablar de ello para afrontar la vida y el mundo en el que vivimos. Una invitación para celebrar la vida a pesar de la muerte.

Poesía, música, movimiento e interpretación irán de la mano en el espectáculo, Guitarra quemada. Lorca en el centro, entre el 23 de julio y el 28 de agosto en el Teatre Gaudí.

EL BUFÓN DEL REY LEAR

El Bufón del Rey Lear, uno de los más carismáticos personajes de la obra de Shakespeare, nos trae su versión de la tragedia inglesa por excelencia.

Pícaro, sarcástico, astuto y burlón, el Bufón del rey narra las inmundas luchas del poder desde su perspectiva crítica y satírica.

El Rey Lear, en el ocaso de su reinado ha dividido el reino entre sus 3 hijas, pero un capricho desproporcionado del anciano rey desencadena una lucha de poderes que acabará involucrando a todo un pueblo.

Una versión con ecos de contemporaneidad y cargada de guiños al convulso presente en donde la historia secundaria nos trae hasta nuestros problemáticos días, cuestionando el rol de la realeza en el mundo moderno, las políticas culturales y las eternas luchas de clases.

El Bufón del Rey Lear es el quinto monólogo teatral de Felipe Cabezas, en el que recupera el uso de máscaras e incide un lenguaje dinámico, visual e intenso, pasando por diversos estados interpretativos.

https://felipecabezas.net/el-bufon-del-rey-lear/

En una sala pequeña, en un barrio multicultural, mucha amabilidad, un actor con muchos registros y de una voz poderosa y con matices,... Una tarde-noche fuera del circuito convencional.

Don Ramón María del Valle Inclán a través de Ramón Gómez de la...

En Don Ramón María del Valle-Inclán se produce un doble retrato, el del retratista y el retratado.

Viajando hacia la vida, la obra y el alma de Valle Inclán, podemos observar sus herramientas de análisis, sus instrumentos de disección, su canon estético. 

Así se produce el milagro de la suma estilística y vital de dos creadores literarios esenciales para entender una buena parte de las vanguardias españolas del siglo XX.

Muchas han sido las aproximaciones ditirámbicas hacia la figura de Valle, esperpénticas incluso, para hacer honor al género por él bautizado.

La obra nos invita a recorrer otro camino, más cercano a la intimidad, a la realidad cotidiana, a la valoración de unos principios éticos a veces ensombrecidos por la distorsión. Nos invita, en fin, a conocer en profundidad los mecanismos creadores de Valle, su compromiso irreductible con su posicionamiento ético en el mundo y cómo todo ello genera una de las obras cumbre de nuestra literatura.

https://www.bravoteatro.net/index.php/don-ramon-maria-del-valle-inclan

FUNDACIÓN ALALÁ - El árbol del flamenco

 

A través de esta obra de teatro musical, la Fundación Alalá apuesta por el flamenco como herramienta de transformación social y como lenguaje universal mediante el que se expresan emociones y sentimientos. En esta obra interactúan todas las disciplinas flamencas de la Escuela de Arte de la fundación: cante, baile, percusión y guitarra. Además, para la escenografía y attrezzo, Alalá cuenta con la colaboración de su taller de artes plásticas y taller de costura ‘Coser y cantar’.

Fundación Alalá impulsa proyectos socioeducativos y culturales propiciando herramientas de transformación social y desarrollo personal. Con sede en Sevilla y Jerez de la Frontera, la fundación ofrece clases de baile, teatro, percusión, guitarra, canto, y artes plásticas a personas en riesgo de exclusión social, con especial énfasis en niños, niñas y jóvenes. 

https://teatrodelsoho.com/evento/fundacion-alala-el-arbol-del-flamenco/

* Alalá, en caló, quiere decir alegría, según nos explicó Emilio «Caracafé», maestro de guitarra e impulsor de la fundación Alalá. Fue una  tarde de emociones en este teatro de Antonio Banderas de Málaga. Los chicos y chicas de la compañía estuvieron maravillosos.

Casares - Camus: una historia de amor

Mario Gas lleva a escena la relación entre el escritor Albert Camus y la actriz María Casares a partir de su correspondencia. Un espectáculo de teatro documento entre la intensidad de los sentimientos y la historia de Europa.

1936. El Presidente del gobierno de la República española, Santiago Casares Quiroga, se exilia en París. Su hija María viaja con él y, una vez allí, estudiará por ser actriz. Cuando ella tiene ya veintiún años, en plena Segunda Guerra Mundial, conoce al escritor de origen argelino Albert Camus, que tiene treinta, se ha casado dos veces y es padre de dos criaturas. Meses después, el 6 de junio de 1944 (el día del Desembarco de Normandía) Casares y Camus se hacen amantes. En 1948 se convierten en pareja y serán hasta su muerte, en 1960, en un accidente de coche con su amigo Michel Gallimard. En todo ese tiempo, ella se convertirá en una gran dama de la escena francesa y él llegará a recibir el Premio Nobel de Literatura. Y se escribirán. Se escribirán mucho.

Intérpretes: Jordi Boixaderas y Rosa Renom.

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A esta obra de teatro, fui con Núria, me invitó. Ahora, no nos vemos apenas. Fue "une soirée" como las de antes o casi. Antes coincidíamos en clase de Literatura o quedábamos para ir a ver algún acontecimiento cultural o teatral. La vida va pasando y con ella nuestras dedicaciones y relaciones. Creo que la cantidad de energía de la que disponemos para lo mismo es menor, así como las apetencias. Qu'est-ce qu'il sera cela de l'envie...?

De la obra, me sorprendió la intensidad de la relación de Camus y Casares y, sobre todo, lo importante que llegó a ser María, una extranjera, en la escena dramática francesa.  Los actores muy bien, claro, aunque me esperaba a unos protagonistas un poco más jóvenes en relación a los personajes.

MARCAPÁGINAS XLVIII - OTOÑO

Durante estos meses de otoño, he ido leyendo libros que tengo en casa y sin intención previa. 

El primero que leí fue, mejor que releí fue Eloísa esta debajo de un almendro de Enrique Jardiel Poncela. Me sigue gustando mucho esta obra de teatro del absurdo de Poncela que tiene un poco de todo, pero, sobre todo, unos personajes tan humanos, tan ellos mismos que resultan entrañables sin olvidarnos, claro está, que están todos, bueno casi todos, más para allá que otra cosa. Hay que estar atentos a no perder el hilo por la cantidad de nombres que aparecen. Una lectura diferente, para sonreír casi de seguido. 

Luego siguió la edición de Alfaguara de los Cuentos completos de Juan Carlos Onetti que cuenta con una magnífica introducción de Antonio Muñoz Molina que la tituló: "Sueños realizados: invitación a los relatos de Juan Carlos Onetti." Este libro lo compré porque oí, en varias ocasiones, a Juan Cruz expresar su admiración poe Onetti cuando participaba en un programa cultural en Radio Nacional. Lo dejé en la estantería y este año, me decidí a leerlo. 

Los títulos de los cuentos son los siguientes: 

Avenida de Mayo-Diagonal-Avenida de Mayo (La Prensa, Buenos Aires, 1933) 

El obstáculo (La Nación, Buenos Aires, 1935) 

El posible Baldi (La Nación, Buenos Aires, 1936)  

El fin trágico de Alfredo Plumet (Marcha, Montevideo, 1939) 

Crimen perfecto (Marcha, Montevideo, 1940)

Convalecencia (Marcha, Montevideo, 1940)

Un sueño realizado (La Nación, Buenos Aires, 1941)

Mascarada (Apex, Montevideo, 1943) 

Bienvenido, Bob (La Nación, Buenos Aires,1944)

La larga historia (Alfar, Montevideo, 1944)

Nueve de julio (La Nación, Buenos Aires, 1941) 

Regreso al sur (La Nación, Buenos Aires, 1946) 

Esbjerg, en la costa (La Nación, Buenos Aires, 1946) 

La casa en la arena (La Nación, Buenos Aires, 1949) 

El álbum (Sur, Buenos Aires, 1953)

Historia del caballero de la rosa y de la virgen encinta que vino de Liliput (Entregas de la Licorne, Montevideo,1956) 

El infierno tan temido (Ficción, Buenos Aires, 1957) 

La cara de la desgracia (Alfa,  Montevideo,1960)

Jacob y el otro (Doubleday, Nueva York, 1961) 

Tan triste como ella (Alfa, Montevideo, 1963) 

Justo el treintaiuno (Marcha, Montevideo, 1964)

La novia robada (Papeles. Revista del Ateneo, Caracas,1968)

Matías el telegrafista (Macedonio, Buenos Aires, 1970)

Las mellizas (Crisis, Buenos Aires,1973)

La muerte y la niña (Ediciones Corregidor, Buenos Aires, 1973) 

El perro tendrá su día (Lumen, Barcelona, 1976) 

Presencia (Cuadernos Hispanoamericanos, Madrid,1978)

Los amigos (Nueva Estafeta, Madrid, 1979) 

Jabón (Nueva Estafeta, Madrid,1979) 

El gato (Liminar, Tenerife,1980) 

El mercado (Revista de Bellas Artes, México, 1982) 

El cerdito (Revista de Bellas Artes, México, 1982) 

Luna llena (Nueva Estafeta, Madrid,1983)

Mañana será otro día (Brecha, Montevideo,1985)

El árbol (Cuadernos de Marcha,Montevideo,1986)

Montaigne (El País Semanal, Madrid,1987) 

Ki no Tsurayuki (El País, Madrid,1987)

La escopeta (Brecha, Montevideo, 1993)

Ella (Cuentos completos, Alfaguara, 1994) 

La araucaria (Cuentos completos, Alfaguara,1994)

Las tres de la mañana (Cuentos completos, Alfaguara, 1994) 

El impostor (Cuentos completos, Alfaguara,1994)

Los besos (Cuentos completos, Alfaguara,1994)

La mano (Cuentos completos, Alfaguara, 1994)

Ida y vuelta (Cuentos completos, Alfaguara, 1994) 

Tu me dai la cosa me, io te do la cosa te (Cuentos completos, Alfaguara,1994) 

Maldita primavera (Cuentos completos, Alfaguara, 1994)

Bichicome (Cuentos completos, Alfaguara, 1994) 

La visita (Inédito. Texto mecanografiado en un folio suelto)

San José (Inédito. Texto mecanografiado en un folio suelto) 

Anexo (Cuentos inéditos y fragmentos)

Los niños en el bosque (Tiempo de abrazar y los cuentos de 1933 a 1950, 1974) 

El último viernes (Inédito)

Nuestra Señora (Inédito. Texto mecanografiado en un folio suelto) 

Eva Perón (Inédito).

Onetti tiene algo que hace a su prosa especial y así lo reconocen Muñoz Molina, Vargas Llosa y Carlos Fuentes en la edición, edición que fue revisada por Hortensia Campanella. 

Estos dos han sido los dos libros que he leído estos meses, ya pensando en los de invierno.

ENRIQUE JARDIEL PONCELA - Eloísa está debajo de un almendro

La estética renovadora del humor de Enrique Jardiel Poncela encuentra uno de sus mayores exponentes en Eloísa está debajo de un almendro. En esta comedia memorable propone Jardiel, frente al humor ramplón y casticista del chiste fácil y el lenguaje vulgar, una comicidad cuyo fundamento es lo inverosímil de la situación de los personajes y de la abigarrada escenografía, como resulta bien patente en el primer acto, una pieza antológica del teatro cómico.

A este ingrediente humorístico básico añade Jardiel Poncela el misterio, la trama policíaca y el carácter excepcional e imaginativo de sus personajes protagonistas, todo lo cual hacen de esta obra la más representativa y lograda de su autor. 

Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro 2023

https://www.festivaldealmagro.com/programacion/ 

24 Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC)

El Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC) se celebra del 24 al 28 de mayo bajo el lema ‘La ciudad y tu’. Un evento que convierte a Valladolid en el mayor exponente de teatro de calle de España.

Un total de 19 compañías de once países diferentes, entre ellos Italia, Francia, México, Alemania y Reino Unido, se presentarán en el Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid, convirtiendo la ciudad en un crisol de culturas y artes vivas.

El TAC contará con teatro, danza, circo, música, performance, instalaciones y múltiples simbiosis entre distintas disciplinas de arte de calle para llegar a todo tipo de públicos.

El festival comenzó este miércoles 24 de mayo en la Plaza Mayor con el espectáculo inaugural de acrobacia aérea Sylphes, a cargo de la compañía valenciana Aerial Strada Company y la orquesta vallisoletana Ad Libitum.

En esta edición, se han programado 214 funciones de 43 compañías. En total 45 espectáculos que se sucederán en 38 espacios al aire libre de la ciudad.

Durante cinco días, la ciudad de Valladolid se impregna de una vibrante y diversa programación. Los espectáculos suceden a lo largo y ancho de sus múltiples rincones y espacios urbanos: Pajarillos, Girón, Huerta del Rey, Parquesol, el entorno del Pisuerga y el corazón mismo del centro histórico.

Fuente: https://ociovalladolid.com/teatro-calle-valladolid/

Programa del TAC, Teatro de Calle Valladolid 2023.