"EL SABER SE DEBE TANTO AL INGENIO COMO AL GUSTO."









domingo, 23 de junio de 2019

LUCIO FONTANA - EN EL UMBRAL

Concepto espacial (Concetto spaziale), 1962
Óleo y agujeros sobre lienzo 146 x 114 cm
Fondazione Lucio Fontana, Milán.© Fondazione Lucio Fontana, Bilbao, 2019


Esta exposición ofrece un nuevo análisis de la trayectoria de Lucio Fontana (Rosario, Argentina, 1899–Varese, Italia, 1968), uno de los artistas más innovadores del siglo XX. Junto a una amplia selección de sus célebres pinturas con cortes (tagli) creadas en las dos últimas décadas de su producción, la muestra presenta ejemplos extraordinarios de otros importantes conjuntos de obras que se remontan a los inicios de Fontana como escultor figurativo. Lucio Fontana. En el umbral también incluye, junto a destacadas obras sobre lienzo, piezas de cerámica —material que Fontana empleó durante toda su carrera— de exquisita factura, así como sus pioneros ambientes (ambienti). Estas construcciones posibilitan una inmersión visual y contextualizan la radical ambición de Fontana de integrar el espacio del arte y el espacio del observador en un campo continuo de experiencia.

El catálogo de Lucio Fontana. En el umbral se sumerge en el universo del artista italoargentino analizando su trayectoria, desde sus primeras esculturas hasta sus célebres pinturas perforadas, los lienzos rasgados y las instalaciones ambientales que le han situado como una figura clave del arte de nuestro tiempo. Emily Braun, Andrea Giunta, Anthony White, Enrico Crispolti, Pia Gottschaller e Iria Candela, editora del catálogo, firman estos textos, que arrojan nueva luz sobre las distintas etapas de la producción de Fontana.
17 DE MAYO, 2019 – 29 DE SEPTIEMBRE, 2019

https://luciofontana.guggenheim-bilbao.eus/introduccion

JENNY HOLZER - LO INDESCRIPTIBLE

GUGGENHEIM BILBAO

Exhibition view:: Jenny Holzer: Thing Indescribable, Museo Guggenheim Bilbao, Spain, 2019
© 2019 Jenny Holzer, member Artists Rights Society (ARS), NY/ VEGAP
Foto: José Miguel Llano



Como estudiante de arte, Jenny Holzer se especializó en pintura. Admiraba la obra de pintores abstractos como Kazimir Malevich, Ad Reinhardt, Mark Rothko y Barnett Newman. Sin embargo, a finales de la década de 1970, cuando todavía participaba en el Programa de Estudios Independientes del Museo Whitney de Nueva York, comenzó a interesarse por el arte público, y eligió la escritura como principal medio de expresión.

Sobre esta opción, la artista ha afirmado: “He elegido el lenguaje porque quería que las personas, y no necesariamente las del mundo del arte, entendieran el contenido de mis obras”.

Su primera serie, Truisms (1977─1979), comprende más de 250 enunciados de una sola oración. Similares a los aforismos, las máximas y los clichés, los “lugares comunes” de Holzer reúnen un amplio abanico de posturas teóricas, filosóficas y políticas. Cada frase encierra una idea potencialmente compleja y polémica en una afirmación aparentemente sencilla. Sin privilegiar un punto de vista único, Truisms examina cómo se construyen socialmente las creencias, las costumbres y las verdades.

Entre 1977 y 2001, Holzer produjo 13 series de textos únicos, que ha presentado al público a través de una gran diversidad de medios. Tras los sucesos del 11 de septiembre de 2001, investigó los documentos del Gobierno estadounidense difundidos en virtud de la Ley de Libertad de Información para profundizar más acerca de lo ocurrido el 11-S y de la subsiguiente invasión de Oriente Próximo. Indagó en el material de las campañas militares estadounidenses desplegadas durante la presidencia de Bush (hijo) y del centro de detención de Guantánamo, así como en documentos del FBI y otras agencias sobre amenazas terroristas y contraespionaje cibernético: memorándums, informes forenses, mapas, comunicados diplomáticos, actas de interrogatorios, apelaciones manuscritas de detenidos, etc. Luego reprodujo fielmente el contenido de esa documentación en pinturas al óleo, letreros led y proyecciones lumínicas.

Con los primeros años del nuevo siglo, la obra de Holzer dio un giro, pasando del uso exclusivo de textos de su propia autoría a la incorporación de poemas y textos en prosa creados por otros autores. En esa época, Holzer utilizó con frecuencia textos de Fadhil Al-Azzawi, Yehuda Amichai, Joseph Brodsky, Henri Cole, Mahmoud Darwish, Anna Świrszczyńska, Wisława Szymborska y Adam Zagajewski. En fechas más recientes, la artista se ha asociado con organizaciones sin fines de lucro —Human Rights Watch, Save the Children, la Oficina del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados, la Not Forgotten Association y Protect Our Defenders— para obtener a lo largo del mundo testimonios en primera persona que revelan historias de la violencia y la injusticia que afectan a tantas vidas, pero también de la valentía y la esperanza que siguen aflorando a pesar de todo.

MEDIOS
A lo largo de su carrera, Holzer ha producido textos que adoptan desde un registro oficial y austero hasta un tono más lúdico y cotidiano. A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980 Holzer dispuso carteles por las calles de Nueva York. Con frecuencia, los viandantes añadían en estos soportes sus propias reflexiones, hacían críticas o eliminaban parte de los textos. Con el tiempo, los carteles se deterioraron o fueron arrancados. Holzer también imprimió sus textos en vasos desechables de poliestireno, envoltorios de preservativos y camisetas, irrumpiendo en el mundo corriente y ordinario con sus contenidos provocadores y tiernos. Al ser invitada a trabajar por instituciones de primera línea y edificios de renombre mundial, comienza a realizar obras de ubicación específica, duraderas, a veces permanentes, en piedra o con rótulos led y otros materiales.

Sobre sus obras en piedra, la artista ha comentado: “Valoro y confío en lo efímero e incorpóreo, y en la roca sólida también […] Las palabras grabadas en piedra se pueden tocar, leer con la mano y percibir de otra manera distinta a las escritas en una página. El mármol y el granito bloquean el tiempo, mientras que los paneles electrónicos y las proyecciones tienen otra manera de enviar señales. Al ver bancos en hileras, la gente se puede imaginar salas de espera, juzgados, hospitales e iglesias, para bien y para mal”. Sin embargo, los dibujos empleados en las tallas en piedra presentan un aspecto más frágil, como el de un palimpsesto. En ellos pueden verse anotaciones de la artista y otras marcas derivadas de la transferencia del texto del papel de calco a la piedra.


Holzer continúa produciendo creaciones efímeras, entre las que destacan sus proyecciones lumínicas: obras temporales, diseñadas específicamente para cada espacio, cuyas letras se deslizan por la fachada de un edificio o entre las ramas de un árbol antes de desvanecerse en el cielo nocturno. Sus últimos proyectos también incluyen puntuales mensajes de pérdida, valentía y esperanza que transportan camiones, recorriendo las calles y pasando frente a los principales monumentos de las grandes ciudades de EE.UU.

https://jennyholzer.guggenheim-bilbao.eus/exposicion

For Bilbao

viernes, 21 de junio de 2019

LEOPOLDO ALAS "CLARÍN" - DÍA DE LA MÚSICA

"Mucho amaba la música, pero no era un maníaco del arte, y cultivaba sus buenos sentimientos leyendo muchos libros de esos que conforman la voluntad recta y haciendo todo el bien que podía. Su inteligencia era precoz como su habilidad de artista...
Débil de carácter, se dejaba imponer las costumbres y el uniforme de genio; pero en el fondo de su alma no se dejaba corromper. Tenía vanidad como todos, y se creía y se sentía un gran músico; pero no por lo que ya sabía hacer, que era lo que admiraban los necios, sus paisanos, parientes y amigos, sino por lo que llevaba dentro de sí, y no podían comprender sus imprudentes admiradores. Amaba mucho más sus sueños que los triunfos ruidosos que iba alcanzando. Por amor a su padre, que era el encargado de cobrar y tener vanidad, Ventura daba conciertos, que le valían ovaciones nunca vistas".

Leopoldo Alas, "Clarín", Las dos cajas.



sábado, 15 de junio de 2019

EL DOLOR - Marguerite Duras

El diario de una espera, un texto sobrecogedor de Marguerite Duras interpretado por Ariadna Gil

La guerra ha acabado. Una mujer espera el regreso de su marido, prisionero de los campos de concentración, mientras ama a otro hombre con quien ha participado en la resistencia durante el conflicto, y con quien ahora se dedica a localizar al marido mientras que también facilita que otras familias encuentren a sus desaparecidos. Una búsqueda interminable, sin saber si el hombre que espera está vivo o muerto, que la enfrentará a numerosos supervivientes de las indignidades bélicas.

Ariadna Gil da voz a este relato en clave autobiográfica dirigido por Lurdes Barba. Una impresionante introspección en la intimidad de la escritora, con todas sus contradicciones, que a la vez disecciona las convulsiones de una época cargada de dolor, con extrema delicadez y sin ningún tipo de grandilocuencia.


Autor: Marguerite Duras.
Versión y dirección: Lurdes Barba
Traducción: Maria Lucchetti
Reparto: Ariadna Gil,
https://www.tnc.cat/es/el-dolor

* No me ha convencido. Si bien tengo que reconocer que no es una obra de fácil interpretación porque es una narración de hechos históricos que enmarcan un recital de sentimientos, emociones desgarradores causados por la guerra,  y es una hora sin casi parar de hablar, ( esto es agotador), la actriz no declama muy bien, a penas se mueve, no pone mucho dramatismo en sus gestos, solo habla, por lo que su interpretación no me ha parecido muy creíble, menos mal que el texto es durísimo, es muy Duras y él solo ya da todo el dramatismo.

viernes, 14 de junio de 2019

EL GRAN MERCADO DEL MUNDO - Pedro Calderón de la Barca

La Fama hace un llamamiento para que todos vayan al gran mercado del mundo. Cada uno tiene un talento para comprar lo que desee, y lo deberá utilizar para poder ser feliz. La Inocencia y la Malicia acompañarán a los compradores. Entre los vendedores, desfilarán figuras como la Soberbia, la Humildad, el Placer, la Penitencia o el Desengaño. En el mercado se puede comprar de todo, desde el Pensamiento hasta la Culpa. Mientras tanto, la Música se lo mira todo y va marcando los ritmos.

Calderón de la Barca escribió este auto sacramental con una función explícitamente litúrgica, en un contexto europeo de fuertes sacudidas ideológicas. A menudo los trastornos de nuestros tiempos actuales no quieren hablar con los preceptos morales de otras épocas, pero los personajes alegóricos que protagonizan El gran mercado del mundo continúan poblando nuestras realidades. Y nuestro mundo cada vez es un mercado más grande.

Auto:Calderón de la Barca.
Dirección y versión: Xavier Albertí.
Reparto: Cristina Arias, Alejandro Bordanove, Antoni Comas, Elvira Cuadrupani, Jordi Domènech, Rubén de Eguía, Roberto G. Alonso, Oriol Genís, Lara Grube, Sílvia Marsó, Jorge Merino, Mont Plans, Aina Sánchez y David Soto Giganto.

https://www.tnc.cat/es/el-gran-mercado-del-mundo

*Me ha encantada esta versión musical de este auto sacramental del Calderón. Los actores superbes todos,




miércoles, 12 de junio de 2019

CLAUDIA AINCHIL

 Claudia Ainchil
(Argentina-Buenos Aires-1964)


LOS ADIOSES

Los adioses como venas silenciosas
ingresando estallando
los adioses en el aire     
en los ojos
sin palabras
un ocaso
los adioses
mutación cambio
cómo duelen
cómo nos dejan huérfanos...




Esta poeta argentina no la conocía y me ha llamado la atención este poema, tal vez porque encaja muy bien con mi vida personal, ya que me ha hecho recordar los adioses de varias personas que formaron parte de mi vida y del silencio que al rededor generó su marcha. 

domingo, 9 de junio de 2019

Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia






Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia, que cuenta con el patrocinio de la Fundación Amigos del Museo del Prado, investiga el valor artístico del primer Renacimiento florentino, en torno a 1420 y 1430, con especial atención a la figura de Fra Angelico, uno de los grandes maestros de este período.

Esta exposición, en la que participan más de 40 prestadores de Europa y América, gravita alrededor de La Anunciación del Museo del Prado, que se exhibe ahora en toda su plenitud tras su reciente restauración. Junto a ella se pueden contemplar la Virgen de la Granada, incorporada a la colección del Prado en 2016, y otras 40 obras de Fra Angelico, así como  de otros pintores contemporáneos como Masaccio, Masolino o Filippo Lippi, y de escultores como Donatello o Ghiberti, hasta un total de 82 obras.

Comisariada por Carl Brandon Strehlke, Conservador Emérito del Philadelphia Museum of Art, reconocido experto en Fra Angelico y otros maestros del Renacimiento florentino, esta exposición se podrá visitar en las salas C y D  del edificio Jerónimos hasta el próximo 15 de septiembre.

Fra Angelico se formó como pintor en una Florencia en la que los encargos públicos de escultura y arquitectura conseguidos por Brunelleschi, Donatello y Ghiberti hicieron que se volviera la vista a la Antigüedad clásica en busca de inspiración. Aunque fue aprendiz en el taller del benedictino Lorenzo Monaco, quien cultivaba un estilo gótico refinado y elegante, Fra Angelico se entregó sin reservas al nuevo lenguaje artístico y, al igual que su maestro Monaco, ingresó en una institución religiosa, San Domenico de Fiésole, convento en el que tomó los hábitos. Su condición de fraile no le impidió colaborar con otros artistas y mantener un gran taller que proveía de pinturas tanto a iglesias como a importantes mecenas de la ciudad y fuera de ella.

Entre los retablos que pintó para su convento estaba el de la Anunciación del Museo del Prado, eje de esta exposición, en la que se demuestra su activa participación en el  renacimiento de las artes que se produjo en Florencia, pues junto a Masaccio, más joven que él, inventó una nueva manera de ver que dominaría el arte occidental hasta la época moderna.

Datada a mediados de la década de 1420, La Anunciación es el primer altar florentino de estilo renacentista en el que se utiliza la perspectiva para organizar el espacio y en el que las arquerías góticas se abandonan a favor de formas más ortogonales, de acuerdo con las consignas preconizadas por Brunelleschi. Debido a su condición de fraile, su capacidad para manejar la luz, el espacio en perspectiva y la narración se ha visto a menudo eclipsada por sus méritos como pintor teológico.

Este retablo llegó a España en 1611, siendo probablemente la primera pintura suya en abandonar Italia, mientras que la Virgen de la granada fue adquirida por el XIV duque de Alba en 1817, cuando se estaba redescubriendo el valor artístico del primer Renacimiento florentino. Se entrelazan así en esta exposición dos relatos: Florencia vista por Fra Angelico y Fra Angelico visto con ojos españoles.

* Esta exposición es maravillosa. Hay cuadros que no hubiera podido ver de no haber sido por esta exposición, vienen de los mejores museos del mundo. La vi de casualidad, porque solo iba a ver la de Giacometti, pero la señorita de las entradas me dijo que aprovechara para ir a verla y me dio la entrada, lo único que era a las 18.30 h y yo me iba antes. En la entrada general, me dijeron que no era posible adelantar la visita, sin embargo, el señor de la entrada de la sala, entendió que me iba y muy amablemente me dejó pasar. ¡Cómo se lo agradezco!. Madrid y sus anécdotas de gente superamable. ¡Ah! Cerca del Prado me encontré con el director de la asociación de la universidad y a su mujer que me dijo que había ido a ver la exposición de Giacometti por la mañana. Fue un encuentro muy agradable. Lo curioso es que en ese mismo sitio, me vieron desde un autobús la hija de un compañero de trabajo y otras compañeras hace dos años. Voy a llamar a ese semáforo, Le carrefour des rencontres.


Museo Nacional del Prado. Madrid -
28/05/2019 - 15/09/2019

Obras expuestas: 

sábado, 8 de junio de 2019

Alberto Giacometti en el Museo del Prado

El Museo del Prado, en el marco de la celebración del Bicentenario, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y la Fondation Beyeler y el apoyo de la Embajada de Suiza y el Grupo Mirabaud, presenta “Giacometti en el Museo del Prado”, uno de los artistas más influyentes del siglo XX, quien concebía el arte como un único y simultáneo lugar de confluencia del tiempo pasado y presente. Aunque nunca viajó a España, asistió en 1939 a la exposición Chefs-d’œuvre du Musée du Prado celebrada en Ginebra, donde habían sido trasladadas gran parte de sus colecciones durante la Guerra Civil Española.  En esa exposición se encontraban representados varios de los pintores predilectos de Giacometti, como Durero, Rafael, Tintoretto, El Greco, Goya o Velázquez.

Carmen Giménez, su comisaria, concibe la exposición como un paseo póstumo, donde las esculturas del artista, transitan por las galerías principales del Prado. Las 20 obras expuestas -18 esculturas y dos óleos- proceden de colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales.

El recorrido empieza en la sala de Las meninas de Velázquez, continúa frente a Carlos V en la batalla de Mühlberg de Tiziano, en proximidad al Lavatorio de Tintoretto, discurre junto a la obra del Greco y contrasta con los cuerpos colosales representados por Zurbarán en su serie de Hércules.
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**Creo que lucen poco las esculturas de Giacommetti, pero es una mezcla extraordinaria y excepcional, porque, en algunas salas,  cuando miras a las esculturas, tienes de fondo, los ojos de  Carlos V o de su hijo Felipe II que te miran  y los de todos los personajes ennoblecidos por Velázquez  o El Greco. En fin, a pesar de que sabe a poco Giacometti, el marco es maravilloso.


Museo Nacional del Prado. Madrid.
02/04/2019 - 07/07/2019.

Obras expuestas:

https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/alberto-giacometti-en-el-museo-del-prado/f8f8cdc2-06a9-be63-faf6-dcd48d7390dc

martes, 4 de junio de 2019

La chute de l'empire américain - La caída del imperio americano

Pierre-Paul, de 36 años, un intelectual y doctor en filosofía se ve obligado a trabajar como repartidor para tener un salario decente. Un día, cuando va a  entregar un paquete, presencia un atraco y mientras dura el tiroteo, él se refugia detrás del camión de reparto y ve como uno de los asaltantes se da a la fuga justo por su lado y otros dos aparecen muertos. En esos cinco minutos que dura el tiroteo, la vida tranquila de Pierre- Paul  va a quedar atrás porque se va a convertir en ladrón de ladrones, cosa que es muy, muy peligrosa. Una vez puesto en esta tesitura, va a buscar colaboradores para poder gestionar esto ese dinero, por lo que en su vida van ir apareciendo un recién salido de la cárcel  que, durante el tiempo que estuvo en la cárcel se formó en economía, una  prostituta de alto standing, un evasor de capitales, y varios personajes de la ONG con la que Pierre-Paul colabora, y unos policías que les siguen los pasos muy de cerca. Durante toda la película, se sufre porque la policía está muy cerca de pillarlos, pero es que Pierre- Paul es como un moderno Robin des bois.  
Esta película es sucesora temática de las películas de Denys Arcand 'El declive del imperio americano' y 'Las invasiones bárbaras'. 

La chute de l'empire américain - La caída del imperio americano.
Dirección: Denys Arcand.
Reparto: Alexandre Landry,  Maripier Morin,  Rémy Girard,  Louis Morissette,  Maxim Roy, Pierre Curzi, Vincent Leclerc,  Yan England,  Claude Legault,  Florence Longpré, Paul Doucet,  James Hyndman,  Benoît Brière,  Gaston Lepage,  Geneviève Schmidt, Mathieu Lorain-Dignard,  Denis Bouchard.
Duración:128 min.
País: Canadá 2018.
Dirección: Denys Arcand.

Premios
2018: Festival de Valladolid - Seminci: Premio FIPRESCI.

sábado, 1 de junio de 2019

DOGVILLE, UN PUEBLO CUALQUIERA


A partir del jueves próximo el Teatre Lliure de Montjuïc se convierte en Dogville. La historia de la mujer que llega a una pequeña localidad de Colorado huyendo de unos gánsters y a la que le gente le da refugio a cambio de que realice trabajos abusivos para que la acepten sube al escenario pasando del cine al teatro.

Dogville es originalmente una famosa película de Lars Von Trier estrenada en 2003 y protagonizada por Nicole Kidman (en el filme aparecían también Lauren Bacall, James Caan, Paul Bettany y Ben Gazzara). Ahora se convierte bastante libremente en obra de teatro de la mano de Pau Miró y Sílvia Munt, autores de la dramaturgia, y con la propia Munt como directora.

Dogville; un poble qualsevol se estrena el día 9 para permanecer en el Lliure un mes. La traducción al catalán es de Miró, la escenografía de Max Glaenzel y el reparto lo componen Andreu Benito, Joel Bramona, Jaume Solà, Bruna Cusí, Anna Güell, Andrés Herrera, Josep Julien, Lluís Marco, Aurea Márquez, Albert Pérez, Alba Ribas y David Verdaguer.

Bruna Cusí (Virginia) encarna a la protagonista que interpretaba Kidman (denominada en el filme Grace), tratando de desligarse del papel de ésta. En la versión de Pau Miró y Sílvia Munt es una mujer más joven e inocente, incluso ingenua. La obra teatral se centra más aún en la figura de la protagonista y en el abuso que sufre. La versión subraya la condición de extranjera de la chica cuya llegada destapa el mal que habita en los habitantes de Dogville, incluso en las buenas personas.

La acción teatral se desarrolla en un único espacio, el centro cívico de la población, y las escenas que transcurren fuera se ofrecen en proyecciones en pantallas.

https://elpais.com/ccaa/2019/05/03/catalunya/1556913874_681975.html

 Esta obra es una adaptación de Dogville película de 2003 dirigida por Lars von Trier y protagonizada por Nicole Kidman, Lauren Bacall, Chloë Sevigny, Paul Bettany, Stellan Skarsgård, Udo Kier, Ben Gazzara y James Caan. Creo a esta adaptación  le falta un poco más de cohesión y como pasa últimamente en las obras de teatro que veo, los actores se pasan parte del rato corriendo por el escenario.
A pesar de todo, la historia es buena y la obra no está mal del todo.






viernes, 31 de mayo de 2019

TODAS LAS NOCHES DE UN DÍA


Rodeado de urbanizaciones, en algún lugar cerca de nosotros, sobrevive un viejo jardín con su invernadero. Pero ha pasado mucho tiempo desde que los vecinos vieron por última vez a Silvia, la dueña de la casa. Allí sólo queda Samuel, el jardinero, afanado en preservar ese rincón olvidado. 
Todas las noches de un día comienza cuando la policía acude a la casa para intentar descubrir el paradero de Silvia. Empieza entonces un combate entre la vida y los recuerdos, entre el amor y sus fantasmas.

** El pasado volvió a presentarse hoy y me he dado cuenta de que, ahora, en estos momentos, soy lo que soy, y sé de lo que siempre quise saber : de literatura, de cine, de teatro, de pintura,  de escultura,... y que probablemente sea así porque no me ocupo de las mismas cosas a las que antes dedicada mucha energía, y saber lo que sé, me gusta, me permite compartir aunque, como todo en la vida, también tiene su reverso.

Autor: Alberto Conejero
Dirección: Luis Luque
Productor: Jesús Cimarro 
Con: Carmelo Gómez y Emi Ecay
Espacio escénico: Monica Boromello
Vestuario: Almudena Rodríguez 
Iluminación: Juan Gómez-Cornejo 
Composición original: Luis Miguel Cobo.

Las primeras funciones tuvieron como protagonista a Ana Torrent, pero se indispuso y le sustituyó Emi Ecay. ¡No sé cómo le ha dado tiempo a aprenderse el texto en una semana! 
El texto e muy poético. 

miércoles, 29 de mayo de 2019

ZÓBEL-CHILLIDA. CAMINOS CRUZADOS



Tanto Zóbel como Chillida iniciaron su desarrollo artístico desde una cierta soledad y en un contexto difícil. A principios de la década de los cincuenta Chillida concibió sus primeras esculturas en yeso y piedra, que desembocarían posteriormente en obras como Lurra-16 (Tierra-16) (1978), Lurra G-326 (Tierra G-326) (1995) o Lurra M-20 (Lurra M-20) (1995), que conservan y repiensan la corporeidad y el repliegue de formas características de aquellas figuras primeras. Paralelamente, Zóbel transitaba entre la figuración y la abstracción después de haber tenido la ocasión de contemplar el desarrollo del expresionismo abstracto.

A partir del descubrimiento de la obra de Rothko en 1955, Zóbel redujo el contenido de sus cuadros a lo esencial, tanto en la composición y la temática como en el uso del color. Esto daría lugar a las Saetas y a sus primeras pinturas de restricción cromática, conocidas bajo el nombre genérico de Serie Negra, de la que forman parte algunas de las obras expuestas, como Aquelarre (1961) o Segovia II (1962). Alfonso de la Torre nos hace notar que: ‘‘En las Saetas pareciere Zóbel coincidir con Chillida, en el aspecto del trazo escritural negro elevado en el lienzo, derivando ambos sus búsquedas a una cierta grafía que tentara comprender nuestra conciencia, el ritmo del transcurrir. […] Pueden comprenderse como acordes visuales que tiemblan entre la levedad y la gravedad, en movimiento […]’’. Fue su paso definitivo a la abstracción.

El artista hispanofilipino evolucionó hacia el estudio de la luz y la evocación del recuerdo, tanto el propio como del espectador. Él mismo explicaba que: “[…] esencialmente estoy hablando de la luz, de formas grandes y de formas pequeñas, de lo que está lejos y de lo que está cerca. Sobre todo creo que hablo de recuerdos”1. Las obras de esta segunda época se caracterizan por la reintroducción del color —ahora simbólico—, que constituye la base para la construcción del cuadro. En piezas como Canción protesta III (1968) podemos ver cómo las formas emanan de su coloración y se desdibujan hasta fundirse con el fondo, de tonos más claros y cada vez más neutros, que acabarían dando lugar a la denominada Serie Blanca, a la que pertenecen obras como La plazoleta (1975).

La luz fue también uno de los grandes temas en las obras de Chillida. En su caso son juegos de materia y vacío en los que la luz nace, incide y se convierte en generadora de espacios y volúmenes. Además de las lurra, también puede observarse en las obras expuestas en acero como Yunque de sueños XIX (1998), Besarkada V (Abrazo V) (1991) o el bronce Hierros de temblor III (1957). Sin duda, el tratamiento que hicieron de esta luz y la delicadeza de sus creaciones hace que éstas contengan un alto valor poético.


** Sobre esta exposición me enteré de forma casual y me trajo a la memoria muchos recuerdos. A Chillida lo conocí cuando, al lado de la iglesia de San Pablo de Valladolid, pusieron una de sus esculturas. Hace muchos años de eso. Cuando pasaba por allí, me llamaba mucho la atención, la manera que este escultor tenía de retorcer el material, pero sin violencia porque su escultura es abierta.
De Zóbel, no recuerdo bien el momento en el que supe quién era, pero si recuerdo la magnífica exposición que vi, hace 10 años, en Cuenca, en el Museo de arte AbstractoRecuerdo que fue una iniciativa mía y que al final, me regalaron un sobre con  unas preciosas acuarelas de Fernando Zóbel, que guardo con mucho cariño, a pesar de todo. Con esta exposición, el pasado que vuelve de nuevo, aunque no del todo, -menos mal- porque de Zóbel no había vuelto a ver nada expuesto y este encuentro con Chillida y algunas de sus obras, me parece todo un acierto, especialmente porque aquí  el tamaño de las piezas del escultor lo hace más humano y menos frío. La vida pasa, los recuerdos reviven y el arte queda. 


viernes, 24 de mayo de 2019

ORSINI





Orsini: Una boda en la Cerdaña, una boda de lujo, en un entorno idílico. Una boda donde los invitados son testigos de una puesta en escena donde no falta de nada. Los novios han preparado una fiesta que es una serie de sorpresas, para que los invitados no tengan un momento de reposo.

Nico, Celia y Guillem huyen de la fiesta y la aglomeración para ir a un prado, cercano a la zona de celebración. Poco después se añade Victoria, una camarera que está en su rato de descanso. Los cuatro entran en un juego donde nadie es lo que parece ... y nos hacen entrar en un juego donde nada es lo que parece.
La Cerdaña parece ser un espacio donde se mezclan puertas a otros momentos de la historia y puertas a otras realidades paralelas. Nico, Celia, Guille y Victoria van por el momento histórico en momento histórico sin romper en ningún momento el hilo del tiempo. Pasan de realidad a realidad, haciendo que cada una de ellas sea la que cuenta en el momento en que están. El montaje consigue que diferentes momentos históricos y diferentes realidades convivan simultáneamente. Teatro que rompe la cuarta pared, teatro dentro del teatro, dentro del teatro ... Una pirueta peligrosa y difícil que, Orsini, sale perfectamente.
Victoria, la camarera, o el anarquista, o la niña que trabaja en una fábrica .. Nico, él, o ella, o que quiera ser ... Guillem, que cuenta historias y no se sabe cuál es cierta y cuál no ... Celia , la actriz de éxito que es "artificial" ... cuatro personajes que se mueven por todas las realidades y se adaptan a cada una de ellas, a veces, con dudas, a veces asumiendo todo.

Y el público también forma parte de este montaje. El público que es el TNC, o quizás es el Liceo, o tal vez es en una asamblea anarquista, o tal vez es testigo de que nada es lo que parece.

Orsini nos habla de la mentira instaurada en nuestras vidas . De lo que no es y damos por bueno. De la Historia, de la que sabemos, la que creemos que sabemos ... y la que nos han vendido.

Orsini habla de dos atentados, el del Liceo , el 7 de octubre de 1893 ... y del atentado del 17 de agosto de 2017. Dos atentados muy diferentes que sólo coincidieron en la zona. Las víctimas, la forma de actuar, los medios ... todo fue diferente. Pero, en ambos casos, la vida continuó al día siguiente. En el 1893 las fábricas volvieron a ponerse en marcha. El 18 de agosto, una pareja adinerada, compra el uso de un paisaje natural para celebrar su propio montaje teatral.

Xicu Masó ha dirigido con mucho conocimiento tiene una obra que podría ser envuelta y difícil de seguir, y hace que los giros temporales y espaciales sean sorprendentes, pero no fuera de lugar. La escenografía elegida, una escenografía que es dentro de una escenografía, que es dentro de una escenografía ... una espiral que parece que no se acabe, es una decisión muy acertada. Y el juego entre ser dentro del escenario o fuera, o platea, le da mucha vida al montaje.


http://www.espectaculosbcn.com/orsini-tnc/


jueves, 23 de mayo de 2019

SIRI HUSTVEDT

PREMIO PRINCESA DE ASTURIAS DE LAS LETRAS 2019


Estudiosa e intelectual que se ocupa de las cuestiones fundamentales de la ética contemporánea y la epistemología y conocida también por su militancia feminista, ha contribuido con su obra al diálogo interdisciplinario entre las ciencias y las humanidades. Ha publicado ensayos y artículos en revistas académicas y científicas, entre otras en Contemporary Psychoanalysis, Seizure: European Journal of Epilepsy, Neuropsychoanalysis y Clinical Neurophysiology.



Siri Hustvedt (Northfield, Minnesota, EE. UU., 19 de febrero de 1955), novelista, ensayista y poeta, de orígenes noruegos, se licenció en Historia en el St. Olaf College, doctorándose en 1986 en Literatura Inglesa por la Universidad de Columbia con una tesis sobre Charles Dickens (Figures of Dust. A Reading of “Our Mutual Friend”) en la que ya aparecen sus autores de referencia, entre otros, Kierkegaard, Emile Benveniste, Roman Jakobson, Mikhail Bakhtin, Freud, Lacan, Mary Douglas, Ricoeur o Julia Kristeva. Experta en neurociencia y psicoanálisis, su primera publicación fue un poema en The Paris Review. En 1982 publicó una colección de poesía, Reading to You. Conoció a Paul Auster –Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2006– en una lectura de poemas en 1981 y se casaron al año siguiente.

Estudiosa e intelectual que se ocupa de las cuestiones fundamentales de la ética contemporánea y la epistemología y conocida también por su militancia feminista, ha contribuido con su obra al diálogo interdisciplinario entre las ciencias y las humanidades. Ha publicado ensayos y artículos en revistas académicas y científicas, entre otras en Contemporary Psychoanalysis, Seizure: European Journal of Epilepsy, Neuropsychoanalysis y Clinical Neurophysiology. Su colección de 32 conferencias y artículos pronunciadas y publicados respectivamente entre 2005 y 2011, Living, Thinking, Looking, 2012 (Vivir, pensar, mirar, 2013) es una muestra de su amplio y profundo aprendizaje en varias disciplinas. En ellos desarrolla algunos de sus temas preferidos, relacionados con la literatura, la filosofía, la psicología, el psicoanálisis y las neurociencias.

Traducida a más de treinta idiomas, Hustvedt publicó en 1992 su primera novela, The Blindfold (Los ojos vendados) y con su tercera obra, What I Loved (Todo cuanto amé, 2003) consiguió renombre internacional. En 2010 publicó el ensayo The Shaking Woman or A History of My Nerver (La mujer temblorosa o la historia de mis nervios, 2010). Muy interesada también por la pintura, ha impartido charlas sobre este tema en el Museo del Prado y en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y ha publicado un volumen de ensayo, Mysteries of the Rectangle: Essays on Painting (Los misterios del rectángulo, 2005). Otras obras suyas son The Enchantment of Lily Dahl (El hechizo de Lily Dahl, 1996), The Sorrows of an American (Elegía para un americano, 2008), The Summer Without Men (El verano sin hombres, 2011), The Blazing World (Un mundo deslumbrante, 2014), Reading to You, 1983 (Leer para ti, 2007), Yonder (En lontananza, 1998) y A Plea for Eros, 1997 (Una súplica para Eros, 2005). Su último ensayo publicado es A Woman Looking at Men Looking at Women, 2016 (La mujer que mira a los hombres que miran a las mujeres, 2017).

Doctora honoris causa por la Universidad Stendhal de Grenoble (2015), en 2004 recibió el Premio de los Libreros de Quebec por Todo cuanto amé y en 2012, el Premio Internacional Gabarrón de Pensamiento y Humanidades gracias a su labor investigadora y sus ideas sobre filosofía, neurociencia y psicología.

miércoles, 22 de mayo de 2019

LA VIDA - VIEJA CANCIÓN - Eloy Sánchez Rosillo.

Eloy Sánchez Rosillo.
24 de junio de 1948, Murcia




A Rita Guerra Román, toute une vie. 
VIEJA CANCIÓN

He escuchado en la radio, por azar, hace un rato, 
una vieja canción,
una canción romántica que estuvo muy de moda
en la playa, durante los meses de un verano
maravilloso de mi adolescencia.
Muchas veces la oí entonces, junto a alguien
que junio quiso darme y me quitó septiembre.
Mientras la música sonaba,
he sentido en el pecho
la emoción de los días antiguos: tanta luz,
tanta ilusión brotando, tanta vida;
y he cerrado los ojos y he visto a una muchacha
que a través de la niebla del tiempo me sonríe
y con amor me mira.

martes, 21 de mayo de 2019

CHEZ LE DOCTEUR

En la sala de espera de la consulta del médico. Un señor mayor se sienta  a mi lado y mantenemos este breve diálogo:
-¿ Espera usted a la doctora M.?
- No, a la doctora G.
- Yo vengo a la dermatóloga. Me ha salido aquí - y me mostró la         frente- una verruga sospechosa.
- Ya, ya veo.
- ¿Sabe? Yo soy ya viejo y tengo la vida  hecha, pero todavía no me     ha llegado la hora.

Sale la enfermera, grita un nombre. El señor se levanta, se despide  y se va.


viernes, 17 de mayo de 2019

Les Frères Sisters - The Sisters Brothers - Los hermanos Sisters

1850. Los hermanos Charlie y Eli Sisters viven en un mundo salvaje y hostil, en plena fiebre del oro. Tienen las manos manchadas de sangre, tanto de criminales como de personas inocentes. No tienen escrúpulos a la hora de matar. Es su trabajo. Charlie, el hermano pequeño, nació para matar. Eli, sin embargo, sueña con llevar una vida normal. Ambos son contratados por el Comodoro para encontrar y matar a Hermann Kermit Warm , un buscador de oro. De Oregón a California arranca una caza despiadada, un viaje que pondrá a prueba el demencial vínculo entre los dos hermanos. En este viaje, se encuentran que un dúo inesperado porque el 'detective' que cuenta en un diario su viaje como si fuera iniciático, se deja  engatusar, por el químico idealista, Warn,(personaje que debía buscar y entregar a los hermanos Sisters) y su fórmula infalible para encontrar oro en los ríos sin tener que filtrar kilos y kilos de arena. Pero estos dos personas más 'civilizadas' pagarán caro sus actos. El oro es el oro.

**Esta película está basada en la novela del autor canadiense Patrick deWitt publicada en Anagrama.
https://www.anagrama-ed.es/libro/panorama-de-narrativas/los-hermanos-sisters/9788433978653/PN_835


Los hermanos Sisters - The Sisters Brothers. Les Frères Sisters.

Dirección: Jacques Audiard.
Reparto: Joaquin Phoenix,  John C. Reilly,  Jake Gyllenhaal,  Riz Ahmed,  Rebecca Root, Jóhannes Haukur Jóhannesson,  Ian Reddington,  Philip Rosch,  Rutger Hauer, Carol Kane,  Creed Bratton,  Duncan Lacroix,  Niels Arestrup.
Duración: 121 min.
País: Francia . 2018.

Premios

2018: Festival de Venecia: Mejor director
2018: Premios César: Mejor director, fotografía, sonido y diseño de prod. 9 nom.
2018: Festival du Cinéma Américain de Deauville.
2019:Lumières de la presse étrangère: Meilleur film, Meilleur réalisateur, Meilleure photographie.

jueves, 16 de mayo de 2019

HILARIO BARRERO - Sueño

Hilario Barrero 
(Toledo, 1948)
À José V. toute une vie.


 SUEÑO

Al querer despertar y abrir los ojos 
para poder vivir lo no soñado 
notó cómo se derrumbaba su mirada  
acosada de oscuridad total. 
Cuando el silencio paralizó su cuerpo       
y fueron sus palabras sentenciadas 
supo que lo vivido había sido un sueño. 
Ciego y sin voz, con la noche cosida 
a su lengua de corcho, se despertó dormido.    
Pero su cuerpo en polvo se crecía.



sábado, 11 de mayo de 2019

REINA DE CORAZONES

En el  verano, del comienzo de Le coin des archives, leí el libro de Sandor Marai, La herencia de Eszter.  Este libro me encantó.Recuerdo que al mismo tiempo, que lo leía, me hacía reflexionar sobre cómo, a veces, hay gente que se va de tu vida después de haberse llevado todo. A Eszter se le fue el hombre que amaba  y la dejó sin nada y dolorida.

Ayer pensé en el mar como símil, en este mar al que  echamos, bien al fondo, lo que no nos gusta con la esperanza de que nunca vuelva a nuestra vida. Pero el mar suele devolver aquello que no reconoce como suyo ni lo quiere para nada. Las mareas juegan su papel, lo sacan del fondo y, con el tiempo, lo depositan en la playa. Esta manera metafórica de ejemplificar lo que ocurre a veces, tal vez, solo sirva para suavizar lo que nos sorprende o lo que no tiene una explicación  en nuestra "lógica". Normalmente, no pensamos que vaya a volver  aquello que acabó y que pueda, incluso, que no se nos haya dado bien olvidar. Pero lo que piensa uno, no siempre tiene que ver con lo que piensa el otro y en la playa nos encontramos de nuevo: "¡Vaya no sabes quién soy! Me has borrado de tus contactos". ¡Maldita sea!- piensas en un primer momento- no he reconocido el número... Luego vuelve la calma, una calma azarada, de primeras. 
De nuevo pienso en Eszter porque al final de la novela, quien la dejó sola y prácticamente en la miseria, regresa a por lo poco que aún le quedaba, y Eszter ya frágil y desvalida, no lucha por salvar la nada que todavía era suya, ni siquiera lucha por su dignidad: la traca final es demasiado para ella y muy grande y cínico el carroñero. 

jueves, 9 de mayo de 2019

EL TEST

El día a día nos plantea dilemas. ¿Uno o dos terrones de azúcar? La ducha, ¿antes de dormir o de madrugada? En el ascensor, ¿iniciar una conversación con el vecino o sobrevivir al silencio? Decisión tras decisión, vamos haciendo, nos vamos haciendo, casi sin pensarlo porque, elegimos lo que elegimos, la vida continúa. Son dilemas asequibles. Sin embargo, por suerte o por desgracia, a veces nos enfrentamos a dilemas que darán la vuelta nuestra existencia para siempre.

Esto es lo que les pasa a un matrimonio de clase media con problemas económicos – Héctor(Antono Molero) y Paula(Marina San José) – cuando Toni(Luis Merlo), uno de sus mejores amigos, les plantea el test de personalidad que ha elaborado Berta(Marta Belenguer), su actual compañera, una psicóloga muy exitosa y mediática. La pregunta es la siguiente: ¿qué prefieren, cien mil euros ahora mismo, o un millón de aquí a diez años? Así de simple, así de difícil.

La decisión que debe tomar nuestro matrimonio parece muy sencilla: conformarse con una pequeña fortuna en el instante, o esperar diez interminables años para ganar diez veces más. Lo que empieza siendo un supuesto teórico, un simple test de personalidad, irá poco a poco despojando las personalidades y los secretos más profundos de nuestros personajes, los obligará a poner precio a sus principios y, finalmente, los empujará a tomar una decisión que los cambiará la vida. Quién sabe si para siempre.

Versión en castellano dirigida por Alberto Castrillo-Ferrer .
Reparto: Luis Merlo, Antonio Molero, Marta Belenguer y Marina San José.


El Test ganadora del Premio Fray Luís de León 2014. 

miércoles, 8 de mayo de 2019

IRVING STONE


" No hay amistades más prontas ni más firmes que las que se traban entre personas que aman los mismos libros."


Irving Stone.


domingo, 5 de mayo de 2019

DÍA DE LA MADRE 2019 - Vida y destino- Vasili Grossman

La vieja mujer, al acercarse a su casa, se encontraba sin darse cuenta bajo el poder de las fuerzas que se habían manifestado en Stalingrado, aquel lugar donde ella había trabajado, criado a su nieto, escrito cartas a sus hijas, enfermado de gripe, se había comprado zapatos.
Pidió al conductor que se detuviera, se apeó del vehículo. Abriéndose camino con dificultad a través de la calle desierta, todavía sembrada de escombros, contemplaba las ruinas y reconocía vagamente los restos de las casas vecinas a la suya.
El muro de la casa que daba a la calle todavía estaba en pie y a través de las ventanas abiertas, Aleksandra Vladímirovna entrevió con sus viejos ojos hipermétropes las paredes de su apartamento, reconoció la pintura azul y verde descolorida.[...] 
Con una fuerza brutal que le sacudió el alma, percibió toda su vida: sus hijas, su desdichado hijo, su nieto Seriozha, las pérdidas irreparables y su cabeza gris, sin techo. Una mujer débil, enferma, con el abrigo raído y los zapatos destaconados miraba las ruinas de su casa.
¿Qué le deparaba el futuro? a sus setenta años, era una incógnita. "Queda vida por delante", pensó Aleksandra Vladímirovna. ¿Qué sería de aquellos que amaba? No lo sabía. Un cielo primaveral la miraba a través de las ventanas vacías de su casa.

Vasili Grossman, Vida y destino.

sábado, 4 de mayo de 2019

AMAR KANWAR - Museo Nacional Thyssen-Bornemisza



El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta, junto a Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21), dos instalaciones del artista y cineasta indio Amar Kanwar, The Sovereign Forest y The Lightning Testimonies, cuyos trabajos dan voz a las poblaciones más vulnerables de su país. El primero es un proyecto de investigación, iniciado en 2011 y todavía en desarrollo, que se compone de películas, libros, fotografías y documentos, presentados como un archivo, para explorar el impacto social y medioambiental de la actividad minera en Odisha, una región al este de India. El segundo recoge en una videoinstalación el testimonio de varias mujeres sobre la violencia sexual y los secuestros en el país.


Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Amar Kanwar: Exposición temporal , Del 27 de febrero al 19 de mayo de 2019.

https://www.museothyssen.org/exposiciones/amar-kanwar


*Esta exposición es extraordinaria. Kanwar te sumerge en una oscuridad impactante para presentar a los que sufren: las mujeres  y la naturaleza.
Espero poder volver para verla de nuevo, no tuve ya mucho tiempo para ver completamente la videoinstalaciones. Solo te dejan hacer un pase.



BALTHUS


El museo presenta una exposición retrospectiva del legendario artista Balthasar Klossowski de Rola (1908-2001), conocido como Balthus, organizada conjuntamente con la Fondation Beyeler en Riehen / Basilea donde se presenta de septiembre de 2018 a enero de 2019.

Considerado como uno de los grandes maestros del arte del siglo XX, Balthus es sin duda uno de los pintores más singulares de su tiempo. Su obra, diversa y ambigua y tan admirada como rechazada, siguió un camino virtualmente contrario al desarrollo de las vanguardias. El propio artista señala explícitamente algunas de sus influencias en la tradición histórico-artística, de Piero della Francesca a Caravaggio, Poussin, Géricault o Courbet. En un análisis más detenido, se observan también referencias a movimientos más modernos, como la Neue Sachlichkeit, así como de los recursos de las ilustraciones populares de libros infantiles del siglo XIX. En su desapego de la modernidad, que podría calificarse de ‘posmoderno’, Balthus desarrolló una forma personal y única de arte de vanguardia, un estilo figurativo alejado de cualquier etiqueta. Su personal lenguaje pictórico, de formas contundentes y contornos muy delimitados, combina los procedimientos de los maestros antiguos con determinados aspectos del surrealismo y sus imágenes encarnan una gran cantidad de contradicciones, mezclando tranquilidad con tensión extrema, sueño y misterio con realidad o erotismo con inocencia.

La exposición, comisariada por Raphaël Bouvier, con el apoyo de Michiko Kono, y Juan Ángel López-Manzanares, reúne pinturas clave de todas las etapas de su carrera desde la década de 1920, arrojando luz sobre las diversas formas de interacción intelectual en sus cuadros entre las dimensiones de espacio y tiempo, la relación entre figura y objeto, así como sobre la esencia de su enigmática obra.



Museo Nacional Thyssen-Bornemisza:
BALTHUS: Del 19 de febrero al 26 de mayo de 2019.